Tu criticas

Direto ao Ponto - Matéria sobre Ponto Fraco

2011-11-18T14:55:00.001-02:00

Por: Renata Magalhães

Os limites que dividem realidade e ficção são cada vez mais estreitos. Quase toda história atual passeia entre a biografia e o imaginário. Esta temática, já bastante explorada em livros e telas de cinema, aparece renovada no espetáculo teatral Ponto Fraco, que estreia dia 28 de novembro na UNIRIO. Com direção de Leandro Romano e texto de Luiz Ribeiro, a peça é estruturada a partir de depoimentos de três meninas aparentemente comuns, que contam casos que poderiam facilmente ter acontecido com qualquer pessoa da plateia.
As atrizes Elsa Romero, Julia Bernat e Larissa Siqueira dividem o palco, e, durante o espetáculo, contracenam ou fazem monólogos. Cada história é real e ficcional ao mesmo tempo. “A ficção depende da realidade para ser verossímil e ter credibilidade, enquanto que a realidade depende da ficção para organizar o caos que é o mundo”, explica Luiz. É essa dúvida que prende a atenção da plateia, que sai do teatro questionando se aquilo foi vivido pelas personagens ou se tudo não passou de boa interpretação das atrizes.
O espetáculo foi concebido por Leandro Romano depois de fazer um estudo sobre ficção e o real. Com a ideia elaborada, ele formou uma equipe, que realizou pesquisas sobre o tema e, posteriormente, atividades práticas. A partir dos exercícios, o texto de Ponto Fraco foi montado com base em depoimentos das atrizes e criações ficcionais de Luiz Ribeiro. O grupo não conta com patrocínios e produziu o espetáculo com capital próprio, além de desenvolver alternativas para arrecadação, como rifas e festas.
Cada cena traz uma analogia, mesmo que bastante sutil. O público se vê envolvido em contos de fadas e até mesmo em dramas familiares, sendo que uma história completa a outra. “As cenas de Ponto Fraco, apesar de parecerem livres, estão construindo um todo, mesmo que sutil e frágil, como é a vida”, conta Luiz. Outra questão marcante é a trilha sonora. Desenvolvida por Jayme Monsanto, ela faz com que o espectador se sinta parte do espetáculo e participante da ação dos personagens.
A peça fica em cartaz até o dia 30 de novembro na UNIRIO, na sala Roberto de Cleto (6º andar), sempre às 20 horas. O espetáculo é gratuito.

R & J de Shakespeare - Juventude Interrompida

2011-10-15T22:47:00.004-03:00

Não me espanta e nem me surpreende ver Shakespeare em cena ainda nos dias de hoje. Também não me espanta que a história política inglesa de amor mais conhecida do mundo entre no off-Broadway americano com uma adaptação magestral de Joe Calarco, onde quatro alunos de escola inglesa católica se utilizam da trama para a fuga desse mundo opressor. Não me espanta também que esses quatro jovens consigam brincar com o objeto e se utilizem das palavras do inglês como se fossem suas, assim como é também esperado o sucesso na adaptação brasileira de João Fonseca. O que me espanta é apenas uma coisa: não se ver um teatro lotado.
“Romeu e Julieta” de Calarco é interpretado apenas com rapazes que montam a obra aos fragmentos e brincadeiras, revezando as personagens e se utilizando de um cenário simples que sugere muitos espaços e de uma iluminação que multiplica esse espaço aos milhões, translucidando simplicidade em dinamismo. O mais interessante é que essa montagem, me parece, muito mais próxima de um espetáculo inglês renascentista no The Globe que qualquer adaptação prepotente cheia de personagens, roupas, atores e trejeitos, como queria o realismo. Assim, com a realidade na ponta dos dedos da juventude, a rebeldia do amor de Romeu e Julieta atualiza o abalo político que o recente amor cortês imputava na dinâmica política do séc XVI e XVII. Os atores dão conta de serem tudo que são e se às vezes a linguagem parece um tanto rebuscada é mais culpa da própria linguagem que deles.
Se fosse destacar uma falha, e não me ponho a destacar mais, seria o abandono na segunda metade do espetáculo da relação de jogo efetuada entre realidade teatral e a obra shakespeariana, pois aquele pacto inicial desenvolvido em dois níveis fazia mais sentido, pois trazia também em questão um outro elemento da obra do inglês: o teatro no teatro. Como abandonam a ideia, resta-nos penetrar apenas na camada da tragédia que com excelência nos chega, fazendo-nos esquecer que ao invés de uma Julieta vemos um jovem que à pouco fazia papel de primo de Romeu. É a magia do teatro se atualizando como magia e como teatro. Eis o teatro fazendo aquilo que o cinema jamais ousará. O jogo, a teatralidade, são elementos tão raros de se atingir com primor que, quando visto, traz uma espécie de êxtase ao público que ao final não contém os assobios e os gritos de bravo.

Por último, assumo uma certa humildade na forma de crítica, pois o espetáculo tem tantos pontos a se destacar que fica pequeno se utilizar de um e, como tal, assumo a função apenas de listar, como fiz agora, tudo aquilo que me chama atenção ao olhar.
Impossível deixar de deixar de dizer, no entanto, daquele pacto de amor entre Romeu e Julieta que arrastados pelo nobre sentimento são empurrados violentamente à morte pelas mãos do destino. Desgraçado destino que separa os amantes e une aqueles cujo coração guardam jogos, rancores e vilanias. Pretendo terminar este escrito lembrando da noite, a única noite que Romeu e Julieta passam juntos, aquela que parece durar a eternidade e é acordada pelo som do rouxinol e da cotovia, num misto de dia e noite que expande o tempo para a eternidade e que nós, quatrocentos anos depois, fazemos questão de parar mais uma vez.

Ficha Técnica:

ELENCO:
FELIPE LIMA- Estudante/ Mercucio/ Sra.Capuleto
PABLO SANÁBIO- Estudante/ Ama/ Teobaldo/ Frei
RODRIGO PANDOLFO- Estudante/ Julieta/Benvoglio
JOÃO GABRIEL VASCONCELLOS- Estudante/ Romeu
DIREÇÃO: JOÃO FONSECA
CENÁRIO: NELLO MARRESE
FIGURINO: RUY CORTEZ
ILUMINAÇÃO: LUIZ PAULO NENEN

Meu Caro Amigo

2011-10-15T00:18:00.004-03:00

Um bom espetáculo de teatro não tem efeito somente em si, mas em vários níveis discute primeiro o gênero que está inserido e, por fim, todo o teatro. O teatro musicado, como é sabido, tem se mostrado um grande sucesso no Brasil, dividindo, em linhas gerais, suas produções em duas: uma de montagem de adaptações de sucessos americanos e outra na construção de obras baseadas em homenagens ou biografias de grandes nomes da nossa cultura, geralmente artistas da música popular brasileira.
Por ter esse caráter de dar grandes tons para sua dramaturgia, é preciso muito cuidado para a construção de um musical, pois o gênero está a um passo de ultrapassar uma linha tênue e cair em algo dispendioso, brega, dramalhão ou teatro fácil. Para que isso não aconteça é preciso que o dramaturgo, o diretor e os atores tenham uma habilidade e sensibilidade especiais no trato da composição da obra. O dramaturgo petropolitano Felipe Barenco, a diretora Joana Lebreiro e a atriz Kelzy Ecard tiveram.
“Meu caro amigo” é mais que uma homenagem de uma mulher e sua relação com a obra de Chico Buarque, é um traço de uma geração de mulheres que cresceu ouvindo as canções de amor e protesto do rapaz dos olhos cor de ardósia. A personagem Norma, como quase toda moça de classe média, vive grande diferença entre seu gosto e a visão autoritária do pai, sempre mediada pela figura de Chico Buarque que passa de doce compositor de “A Banda” ao engajado de “Apesar de Você”.

A obra expõe em cena o jogo teatral em memória coletiva/afetiva e criação dramatúrgica, realçada pela direção de Lebreiro que faz da excelente Kelzy uma verdadeira camaleoa ao desfilar por todas as idades com um olhar que vai dos 10 anos até os dias de hoje. As canções não são decorativas, mas trazem à tona as lembranças em comum de uma geração: as impossíveis antenas de televisão, os festivais da música, os problemas com a ditadura.
“Meu Caro Amigo”, e essa imagem ficou recorrente após o espetáculo, cria uma ilha de afeto ou um relicário emotivo, espécie de “requilha” onde nosso passado coletivo passa.
Como disse mais acima, algumas obras discutem o teatro. Creio que “Meu Caro Amigo” é uma delas. Por fazer de um teatro musical ao invés de algo grandioso para mostrar a capacidade de uma cena cheia de vigor e potência, Felipe Barenco fez um teatro que nos aproxima, onde o espectador se sente um pouco produtor, um pouco artista, um pouco Norma e um pouco Buarque e, por isso, dá um novo gás aos musicais e abre um caminho que deve ser explorado.

Árvore da Vida (2011)

2011-10-04T21:10:00.003-03:00

Assisti “Árvore da Vida” e, antes de começar minha crítica, resolvi ler algumas outras para poder perceber por onde começaria a falar mal do filme. Enquanto assistia pensava que se tratava de uma versão espírita de “2001 – uma Odisséia no Espaço” do Kubrick e, não sem surpresa, nas críticas percebi que o diretor é conhecido pelos equivocados como “o novo Kubrick”. Esse argumento me parece furado primeiro porque esse tipo de comparação é simplesmente uma perda para ambos e segundo porque há tantos Kubricks que talvez seja difícil escolher um para que se pareça com Terrence Malick, diretor de “Árvore da Vida”.
O filme, de estrutura não-linear, tem como sinopse a visão de um menino, interpretado como adulto pelo excelente Sean Penn, que recebe uma dura educação de seu pai (Brad Pitt) e vê em sua mãe (Jessica Chastain) uma mulher de personalidade fraca. Isto, acrescido à morte de um irmão, gera uma espécie de trauma que acompanha a narrativa desse rapaz desde o começo do mundo, passando pelos dinossauros, até os dias de hoje.
O filme, quase uma completa sucessão de imagens do mundo, quase sempre usando de forçadas imagens de pôr-do-sol, mas também utilizando mares, vulcões, corredeiras, árvores, entre outros, é acompanhado por belas canções clássicas de renomados músicos da nossa história. O ritmo, se é que há, é não convencional, o que poderia ser algo a favor, mas que se volta contra si na medida em que se utiliza de uma ideia existencialista rasa, que me lembra os livros de auto-ajuda, quase sempre pedindo perdão a Deus por ser quem se é mesmo que ele faça de tudo, ou então se perguntando 'qual o sentido de tudo?', 'por que estamos aqui?'.
Essas reflexões vazias, que não suportam respostas, querem sugerir que o mundo possui muitos mais mistérios do que sabemos assim como em "2001" de Kubrick, sendo que este se utiliza do mistério do universo, daquilo que há e não podemos ver mesmo vislumbrando um fragmento, enquanto que Malick faz perguntas absolutamente sem respostas e, por isso, sem sentido.
No fim, uma cena na praia com todos reunidos e felizes, no melhor estilo “Nosso Lar” força um encontro entre natureza e homem, passado e presente. A sequência é bela, mas não deixa de cansar pela absurda resignação de todos que compartilham de uma felicidade impossível, a não ser no próprio filme criado na mente de Terrence Malick

Tudo sobre minha mãe (1999)

2011-09-24T00:53:00.003-03:00

Nunca vou me esquecer das palavras do sábio Rogério Skylab dizendo que as transsexuais são, atualmente, o que há de mais contemporâneo na humanidade. O ser humano-ciborgue, mistura de máquina e organismo, chega a um limite onde fica clara a simbiose entre um e outro, na medida em que esses seres constróem seu próprio corpo, dando-o o formato que quiserem. O interessante é imaginar que, no entanto, tampouco querem ser femininos ou masculinos, mas sim um misto, uma potência criadora que não se manifesta em tecnologias, mas sim, nos corpos.
É o que me parece traduzir em “Tudo sobre minha mãe” de Almodóvar, na cena em que Agrado, um travesti, conta a história da sua vida a partir do dinheiro gasto em cada cirurgia que compõe seu corpo. Cada uma contendo um valor, uma história e assim, uma marca.
A obra é sobre uma mulher que, ao engravidar de seu ex-marido, um homem que se tornara um travesti, foge para cria-lo longe do pai. 17 anos depois o filho é assassinado e ela retorna à cidade para encontrar o pai e contar o sucedido. Lá ela faz amizade com Rosa que está na mesma situação, só que ainda grávida. Esse sujeito, enigmático está representando essa figura ambígua, sem sexo, amorfa ou polimorfa da transsexualidade que impede que as ações até então costumeiras como maternidade, educação, ou seja, o pensamento tradicional voltado para a constituição de família regular, estabelecidade, religiosa, se estabeleça dentro do padrão.
Essa nova estrutura que ultrapassa muitas barreiras só para se formar, parece não levar em conta a ordem tradicional e mais que coloca-la em cheque, solapa sua energia vital e sua capacidade de ação, gerando uma espécie de perplexidade, como no caso de mãe de Rosa, uma tradicional consumista. Assim, o mundo parece muito maior que o que podemos ver e as cores de Almodóvar parecem equlibrar um mundo mágico com um mundo trágico, mostrando-nos como os dois são possíveis como um ponto de boa vontade e amor.

O Tigre e a Neve (2005)

2011-09-08T02:45:00.002-03:00

Pensei em várias formas de começar essa crítica, a que me pareceu menos apropriada é a que uso agora: Se é um clichê dizer que todas as pessoas são únicas, diria que Roberto Benigni é mais única que algumas outras. Costumo observar que, entre os atores, há basicamente dois tipos de interpretação. Uma onde o ator desaparece em prol das personagens, como Sean Penn, Maryl Streep e aqueles que, desdobrando-se em outros, de alguma forma, interpretam a si mesmos, entre eles Woody Allen, Charlie Chaplin. Benigni está nesse segundo grupo.

O diretor já havia nos provado em 1997 que, mesmo em plena Segunda Guerra Mundial, “A Vida é Bela”, mas como ele mesmo diz, parece que ainda não aprendemos. Por isso, “O Tigre e a Neve” vem dizer novamente aquilo que não foi ouvido. A obra é sobre Attilo, poeta e professor, tão apaixonado por Vittoria que, após saber que ela sofreu um acidente em Bagdá, durante a guerra do Iraque, vai até lá e muda a ordem daquela cidade a fim buscar a cura para seu amor.

A mística do amor é simples, mas o encanto perdura no humor atrapalhado de Benigni, e nas suas peripécias à lá Commedia dell´Arte que transformam sua personagem em um singelo Pierrot, o apaixonado, que busca seu amor sem medir as consequências do trajeto. No entanto, a mediação humorada que ultrapassa o plano trágico impede que a obra caia em clichês americanos ou saídas melodramáticas. Tudo é sugerido e o grande amor platônico se transforma em algo menor, singelo, comesinho, como se Benigni, em meio a guerra, amasse como uma criança.

Justamente por isso, me parece que “A Vida é Bela” se atualiza em “O Tigre e a Neve” onde Benigni dedica seu enorme amor pelos homens, pela natureza e pelo mundo mostrando que a poesia não está onde se olha, mas sim em uma instância interna do sujeito e que a guerra é absurda justamente porque é um mundo em que nosso olhar não se deixa tocar pelo outro, mas se sente ameaçado, acuado e, por isso, resolve revidar.

Em um momento, Attilo diz que, com sua Colombina morta, tudo pode acabar, pode se pegar toda a encenação que é o mundo, enrolar como um tapete e jogar para um canto já que nada mais faz sentido: o sol, uma parede, o vento, um carro, uma abelha…

É assim que se deve olhar Benigni: um poeta que vê no pequeno o todo do mundo onde está representado tudo aquilo que vive dentro de si que, de tão belo, não pode ser calado.

O Baile (1983)

2011-09-05T02:06:00.002-03:00

Não é científico e portanto não podemos provar, mas há quem diga que a dança é o que há de mais sublime nos gestos humanos. Não é à toa que muitas religiões vêem na dança algo diabólico e pecaminoso. A verdade é que a dança é ainda mais que isso, ela está entre o sublime e o infernal: é a porta, o primeiro acesso ao desconhecido. Perder-se nos passos de uma dança pode ser traduzido como entregar seu corpo ao desconhecido de um outro e, justamente por isso, fazer um encontro tão belo quanto o amor e tão carnal quanto o sexo. A dança é, enfim, desregrada, libertadora e subversiva.

Ettore Scola, o mais teatral dos cineastas, percebe isso e nos mostra como a dança reflete a sociedade européia no século XX através da belíssima produção “O Baile” de 1983. O filme, como o título sugere, é todo passado em um único espaço, um salão de baile, onde diversos personagens frequentam para dançar e traduzem assim, uma maneira de ver o mundo e o outro através do comportamento, dos passos, do contato e da relação afetivo/amorosa. Tudo isso sem que se diga uma palavra. A subversão da dança é essa: ela rompe barreiras sem discurso, sem poética que se voltam contra si. Ela é política às avessas e, portanto, anárquica e rebelde.

Em “O Baile”, adaptado do teatro de Penchenat, se vê desde as valsas do início do século até o rock dos anos 70. Passa também pelos momentos de guerra onde a música cessa e se ouve apenas os sons das bombas: durante a guerra é preciso silenciar para que se ouça o absurdo do lado de fora. Em um breve momento há uma dança: duas mulheres à espera de seus maridos, porém ao final uma grande roda celebra novamente a vida que promete renascer.

O filme que, em alguns momentos pode ser cansativo uma vez que beira a dispersão pela falta do foco narrativo, contraria essa colocação na medida em que é justamente na ausência do foco que permite que a personagem principal seja o baile propriamente dito, aquele espaço minúsculo e fechado, onde a noite habita os sonhos de gerações e gerações que descobrem na dança uma forma de se colocar no mundo.

É um filme singelo que, com quase 30 anos, já pode ser considerado um clássico, porque ultrapassa a barreira do comum para construir a história de uma civilização moderna e fragmentada.

A crítica e a massa

2011-09-04T02:24:00.003-03:00

Algo que me faz pensar muito é o papel da crítica. Não falo da crítica de jornal, especializada, nem da crítica de gêneros distintos, mas da crítica que todos fazemos. É quase impossível assistir um filme, uma peça de teatro ou uma briga de rua sem emitir uma opinião. Sabendo disso ou não, ao comentar estamos fazendo crítica.
O que me desperta uma outra questão: Não vejo muito interesse em criticar os clássicos, Bergman ou Brecht já foram tão pensados e repensados que pouco se acrescenta, muito pelo contrário, em cada nova se cristaliza mais alguns pensamentos, mesmo que os coloque dialeticamente.
Um novo caminho da crítica e um que ambiciono às vezes é fazer uma crítica da chamada “arte menor”. Eu nunca usaria nem usarei tal termo. Prefiro dizer arte de massa ou de grande público. Penso que a função da arte é articular a televisão e a música do povão com aquilo que se aprende na academia ou daquilo que chamamos de clássico. Além de que, ao colocar os dois elementos em confronto os dois ganham, os dois perdem, mas o leitor enriquece a percepção.
Como exemplo, podemos dizer que Marcos Pasquim é uma espécie de Sylvester Stallone brasileiro. Há quem ria e há quem diga que falo bobagens, mas basta observar um episódio das novelas de Carlos Lombardi, o Tarantino brasileiro, que se vai perceber a comparação. Kubanacan, por exemplo, acontece em algo como uma ilha comunista comandada por ditadores e Esteban, interpretado por Pasquim passa pelas maiores aventuras, quatro ou cinco por episódios.
Não pretendo fazer essa crítica agora, só quero chamar atenção para um tipo de possibilidade que parece uma brincadeira, e não deixa de ser, mas que pode ganhar muita amplitude ao adentrarmos no tema abordado e exploramos tudo que ele pode nos dizer. Quem sabe eu volto pra falar de Stallone e Pasquim de novo?!

Meia Noite em Paris

2011-08-15T11:59:00.003-03:00

Há quem diga que Woody Allen não é mais o mesmo. Eu costumo achar esse tipo de opinião um tanto quanto cretina, como se o artista tivesse que corresponder sempre a uma certa expectativa criada principalmente por alguns intelectuais a respeito de suas obras. Woody Allen pode não ser o gênio que alguns apontam, mas também está longe de ser um cineasta em decadência ou em fim de carreira, mesmo porque não se pode acreditar nestes termos. Qualquer obra é absolutamente independente das outras, o que torna impossível que ela seja melhor ou pior. O fato é que Woody Allen faz cinema e parece que continua se divertindo com isso.

Meia Noite em Paris é sobre um roteirista fracassado que, em viagem com a família de sua noiva para Paris, sente-se invadido pela órbita da cidade luz e, meia noite, é levado por um carro para a década de 20, onde encontra grandes artistas da época como os escritores Fitzgerald e Hemingway e os pintores Picasso, Dali, entre outros. Allen, no entanto, não faz uma ode ao passado, como poderia ser dito, mas uma releitura poética da presença do passado no presente. Enquanto que sua noiva e a família dela está ligada ao noivado, ao casamento, às compras, aos gastos, ao dinheiro e a amigos com uma intelectualidade soberba e pedante, o rapaz, Gil, está interessado em descobrir o inefável, o impalpável, algo sútil que só a experiência da arte pode propiciar. É como se dois mundos existissem, um primário das necessidades que entulham o ser de objetos e outro em que o corpo parece vagar por espaços etéreos, de mundo criativos do nosso imaginário.

Nesse sentido, Meia Noite em Paris é uma ode ao presente, mas um presente rico de tempos, em que toda a história de um continente reicinde concomitantemente, no entanto, sem o peso histórico e com uma carga de melancolia e inteligência. Allen mostra que podem pensar que ele está em decadência ou “perdeu a mão” para fazer cinema porque ele, na verdade, está apenas interessado em fazer jus aos seus mestres, e isso no melhor sentido do termo, sem cópias, citações ou repetições anacrônicas. Tenta repoetizar a prosa cinematográfica e nos fazer rever o gostoso de bons personagens e bons pequenos conflitos.

Abandonar o passado, depois dessa viagem, é fácil e tomar todas as decisões necessárias para se refazer o presente se torna algo possível, ao alcance da mão, como o sempre delicioso cinema de Woody Allen.

Qualquer Gato Vira-Lata

2011-08-01T21:03:00.000-03:00

É sempre perigoso começar uma crítica tentado a falar de um gênero e não da obra e si. Portanto, nosso esforço em “Qualquer gato vira-lata” é falar dessa comédia nos melhores moldes do humor romântico americano, tentando, antes de enquadrar o filme no gênero, ver o que ele, isolado, pode nos dizer sobre o cinema nacional contemporâneo.

O plot é simples: uma mulher termina seu namoro no dia do aniversário do namorado e, em uma crise de choro, acaba por assistir uma palestra de um biólogo que, com opiniões conservadoras, evolucionistas e deterministas, afirma que a mulher deve ser caça e, ao inverter essa relação, ela desmancha a possilidade de encantamento. Assim, a mulher procura o biólogo para ser usada como sua tese. No fim, obviamente, os dois se apaixonam.

Bom, o filme apresenta as personagens principais, cria seus perfis sociais e pessoais e descorre sobre eles sem gerar qualquer mudança, a não ser a necessária para o final feliz. As cenas feitas com ligeireza e montadas com simplicidade aumentam a dinâmica do que é visto, sem dispersar para focos secundários. A trilha sonora que vai de canções de Robertos Carlos à Marcelo Camelo, tentam vender de maneira inesquecível os momentos de reflexão. Os atores, principalmente Cleo Pires, linda, interessante e em excelente performance, e Malvino Salvador, tão contido que rouba a cena, estão em sintonia e mostram maturidade. A direção de Tomás Portella consegue apagar os toques pessoais em prol do sucesso coletivo, algo bastante complicado para alguém que precisa tomar a frente.

Enfim, trata-se de uma comédia feita com excelência, o que reflete a capacidade do cinema brasileiro em absorver conteúdos populares e de qualidade. O filme peca em alguns momentos na tentativa do humor fácil e pastelão, como em quedas e situações de segundo plano, mas abstraindo tais situações que, farsescas se tornam inverossímeis, tudo corre como o planejado.

A cartilha hollywoodiana de comédias românticas parece perder o impacto com o passar do tempo, apelando-se ou para o humor junkie ou para o romance meloso, feminino e comportado. Aniston e Carrey chegam a uma idade perigosa, em que as comédias ameaçam a ser tornar tragédias. No entanto, o cinema brasileiro que pouco se utilizou da forma, parece ter ainda muito gás e muita história pra contar. As belas cidades poucos exploradas funcionam como pano de fundo ideal para o gênero.

É bem possível que em um futuro próximo, essas produções que geram bilheteria acima de um milhão de expectadores, consigam se sustentar e assim, um nicho de comédia romântica se faça no Brasil. Assim, o teatro-arte, ou o teatro-sério, para públicos expecíficos poderão ganhar mais espaço, se aperfeiçoar e redimensionar a cara do nosso cinema.
“Qualquer gato vira-lata” é uma grande pedida. Assistam!

Me Salve Musical

2011-07-30T02:05:00.003-03:00

O Musical, gênero teatral e cinematográfico, pode salvar uma pessoa, um grupo, uma sociedade. Ou não. Esse é o mote de “Me Salve Musical” escrito e dirigido por Pedro Brício. O gênero que celebra as canções enquanto conta uma história faz parte do histórico do teatro brasileiro desde do início do século XX com o famoso “Teatro de Revista”, em que paródias e críticas dos fatos ocorridos eram transformados em ficção e apresentados com ironia, humor e, claro, músicas.

O engraçado ou patético, dependendo de onde se observe, é que o atual teatro musicado que se vê, pouco tem a ver com nossa tradição e muito tem a ver com arremedos de obras da Broadway, mistura com um apelo biográfico de um país que cria ídolos em destruição.

“Me Salve Musical” aponta, critica, ironiza, brinca e se utiliza disso. O obra conta a história de um casal de atores que entre uma crise do casamento vão fazer uma viagem de férias para Nova Iorque. O avião atrasa, e o aeroporto é fechado por conta de um vírus que se espalha: o vírus do musical.

Assim como o poeta Burroughs afirmava que para o homem a palavra era um vírus, pode-se dizer que para o teatro o vírus é o musical, porque, de certa forma, ele desarma os conflitos, desmonta as críticas, o pensamento, a capacidade de transformar arte em uma vida melhor e troca por uma alegria boba, pueril, quase esquizofrênica de alienada, mas que dá conforto e acalma corações aflitos pelo noticiário televisivo.

A genialidade de Pedro Brício é utilizar o músical contra ele próprio. Em um prólogo afirma suas pretensões e, por conseguinte, as pretensões da personagem que também é ator e escritor. Ali ele pretende apontar o que será dito com irreverência e tranquilidade, mas é interrompido pelos gritos frenéticos da esposa. O resto do espetáculo acontece no Aeroporto fechado, onde os seis atores estão enclausurados uns com os outros em um efeito que desmonta o existencialismo sartriano.

É possível ver, dentro desse musical frenético resquícios de outros gêneros, como por exemplo, a personagem de Alma Duran, esposa de George Simas, uma atriz que interpretou Medéia, e tem resquícios trágicos incorporados em sua personalidade. Entretanto, esses gêneros são abafados, engolidos e digeridos pela forma descontraída, palerma e irreverente das canções.

“Me Salve Musical” é delicioso porque sabe usar um musical a favor de si e contra o gênero. O cenário clautrofóbico impede a dispersão do musical, embora o texto merecesse alguns cortes que aumentariam o impacto crítico. No geral, a sensação é de uma grande brincadeira que por vezes incomoda o público passivo, principalmente nas canções debochadas que geram um insistente desconforto. Gasparini está excepcional e usa dos clichês dos musicais para compor um personagem canastrão, daqueles impossíveis de se afastar, enquanto que Suzana Ribeiro se sai com excelência na contida-histérica e trágica personagem Alma.

“Me Salva Musical” serve a muitos públicos, tantos aos adoradores dos musicais, que podem assistir ao espetáculo na chave de irônica homenagem, tanto ao público contemporâneo, antenado às novidades e, principalmente, mostra-nos uma gostosa crítica farsesca uma sociedade que não sabe se divertir e mudar ao mesmo tempo.

Texto e Direção : Pedro Brício

Elenco :

Gustavo Gasparani

Susana Ribeiro

Fernando Alves Pinto

Isabel Cavalcanti

Celso André

Keli Freitas

Juliana Medella

Direção de arte : Rui Cortez

Iluminação : Tomás Ribas

Direção musical e Trilha sonora : Lucas Marcier , Fabiano Krieger e Felipe Rocha,

Canções originais – letra e música : Felipe Rocha

Coreografia e preparação corporal: Cristina Moura

Urucubaca - Trupo Afroreggae

2011-07-24T00:34:00.002-03:00

A palavra “amálgama” está constantemente presente no discurso do cantor, poeta e filósofo Jorge Mautner e, geralmente, o termo é visto com desconfiança e até deboche dada a incompreensão do que o poeta quer dizer com o termo. Amálgama significa mistura de coisas heterogêneas, sem que haja uma hierarquia entre elas. O amálgama é uma justaposição daquilo que é diferente, algo como o pensamento tropicalista que Mautner faz parte.

O espetáculo “Urucubaca” do grupo de teatro AfroReggae é um amálgama nacional contemporâneo. Segundo eles mesmo dizem trata-se de um “painel da vida” com uma “visão particular de temas como amor violência e sexo.” Nisso eles se enganam, porque o amálgama não produz painéis, produz zonas de conflito, problemas, apresenta as questões que se sucedem em quadros, mas que não chegam a se dissolver nem se acumular. O mundo contemporâneo está lá, inteiro, mas não é um painel, porque não nos permite a contemplação. “Urucubaca” é um espetáculo de participação, tanto que prefiro não chamar aqueles que atuam de atores, muito menos de performers, melhor seria dizer que se tratam de “atuantes” ou “participantes”, porque o engajamento desses sujeitos com o produto final vai além da simples representação de personagens.

É preciso antes de continuar a análise, que se atente para alguns elementos da peça. O cenário de Fernando Mello da Costa é interessantíssimo. Formado por algumas grades nos cantos da cena e um grande andaime ao fundo onde portas se abrem e, no topo, músicos tocam como se estivessem em uma fábrica, consegue trazer o cenário metálico e barrento das construções contemporâneas pra cena, além de possibilitar as transições de espaços necessárias aos atores. A música tocada pela banda Kitôto, elaborada por Nelson Jacobina, concretiza a mistura, ora samba, ora funk, ora música negra, ora reggae, mas na maioria das vezes, tudo ao mesmo tempo, com citações e aparições de gêneros mistos. O texto de Mautner é no formato de jogral, mas no melhor sentido do termo. Claro que há uma implicância com o gênero porque na maioria das vezes ele expõe uma fragilidade dramatúrgica e um problema de representação, além do tom discursivo e planfetário que o formato possibilita. No entanto, Mautner e a direção de Johaye Hidelfonso e Malu Cotrim se utilizam de jogos teatrais para a construções da microcenas e discursos, o que dinamiza a cena e lhe permite apreciação em diversas camadas, seja em uma curiosa fábula com máscaras ou em um diálogo dublado.

Bom, depois desses elementos, voltemos à relevância do espetáculo. O que se assiste é o primeiro espetáculo de um grupo formado no Vidigal, mas não se trata de obra localizada, pontual, sobre as mazelas de um povo que não tem que olhe por eles, pelo contrário, é uma obra que mostra nós a nós. Porque a madame é católica, mas se a coisa aperta vai à macumba e acende vela. Porque o pai que não quer o filho com uma negra, no carnaval quer ver o rebolado das mulatas. Por esses e por muitos outros motivos “Urucubaca” é essencial, é obrigatório para o Brasil.

Acontece que o mesmo público, elitista e branco, que foi assistir um espetáculo baseado em obra da Broadway, lotando os 800 lugares do Sesc Quitandinha, não esteve presente para assistir o AfroReggae. Pra mim, trata-se de preconceito racial, problema de caráter de um público que não sabe se olhar e não sabe o que vê do outro lado do espelho. As cento e poucas pessoas do teatro adoraram o que viram, aplaudiram e até dançaram, perceberam como aquilo tudo faz parte deles, enquanto outros não foram porque preferem que, sem ética, a televisão continue a dizer quem eles são. Porque o petropolitano é alemão, não vai assistir “Urucubaca”. É uma pena. É assim que uma nação se perde. É assim que uma nação continua vivendo sem saber o que é.

Ficha Técnica:

TEXTO: Jorge Mautner

DIREÇÃO GERAL: Johayne Hildefonso e Malu Cotrim

TRUPE DE TEATRO: 13 atores / BANDA KITÔTO: 6 músicos (ao vivo)

SUPERVISÃO MUSICAL: Nelson Jacobina / DIREÇÃO MUSICAL: Jairo Cliff

FIGURINOS: Samuel Abrantes

CENÁRIOS: Fernando Mello da Costa

ILUMINAÇÃO: Djalma Amaral

DESIGN GRÁFICO: Felipe Taborda

DIREÇÃO DE MOVIMENTO: Johayne Hildefonso e Raphael Rodrigues

DIREÇÃO DE PRODUÇÃO: Cláudio Rangel

COORDENAÇÃO GERAL DO PROJETO: José Junior

UMA REALIZAÇÃO AfroReggae

Cilada.Com

2011-07-17T14:21:00.004-03:00

O humor é uma forma de resistência. Às vezes. Ele possui uma característica de se voltar contra um grupo ou contra uma ideia e desmontar o castelo intelectual e discursivo por eles apresentado. O humor, por isso, desmonta algumas estruturas sociais, alguns preconceitos, dogmas, tradições e cristalizações. Ou não.

A série televisiva do Canal Multishow chamada Cilada de Bruno Mazzeo tinha algo como uma resistência. Muito embora fosse um programa voltado para um nicho classe média universitária carioca, conseguia abranger na sua estrutura temas e códigos que desmontava uma certa postura dessa classe média frente ao cotidiano. Acontece que esse grupo, criado com dinheiro para ter uma vida boa, sem maiores dificuldades, é obrigado a conviver com pequenos problemas e lidar com os demais nichos da sociedade e situações diversas em que precisa se metamorfosear em descolados, por isso, entram nas famosas ciladas.

Essa estrutura rende boas risadas e torna o humor uma forma de crônica social de um público contemporâneo e os casos engraçados nada mais são que conflitos inevitáveis na também inevitável convivência.

O filme Cilada.com de José Alvarenga Jr. tenta traduzir a estrutura para o cinema, mas precisa para isso, fazer uma pequena cilada de meia hora de episódio se tornar uma grande cilada de uma hora e meia de filme. Acontece que a cilada grande escapa do cotidiano e ganha tons de cinema americano pastelão. O ritmo de American Pie é infelizmente incorporado e as situações grotescas tomam o lugar da ironia como estratégia de defesa. Bruno Mazzeo sabe também trafegar nesse novo registro, mas perde uma parte do encanto que tinha na série como recém adulto desprotegido incapaz de se adaptar. Agora, esse novo Bruno ganha tons de herói de comédia romântica em busca de retomar um amor depois de vários quiprocós que encara por conta de ter um vídeo de uma ejaculação precoce distribuido na internet pela namorada após ter sido traída no casamento da própria prima.

O humor que tinha uma certa resistência na série, se torna bobagem cinematográfica engarrafada. É evidente que ao assistir damos risadas, mesmo porque essa fórmula da comédia romântica é tão eficiente que seria indigno que qualquer contestação fosse levantada.

O resultado: quinhentas mil pessoas assistiram ao filme somente no primeiro final de semana e, provavelmente, passará de um milhão sendo a maior bilheteria de filme nacional de 2011. Se isso é bom ou ruim, depende de onde vamos olhar. Eu prefiro ver o humor da série, mais crítico, irônico e ácido que esse do filme, mais infantil, repetitivo com tons de exagero pastelão. Mais que isso não posso falar, pois tem gente que, ao final do filme, sai em êxtase de felicidade e está pronto para aguentar mais uma semana de trabalho mal remunerado. Enfim, tem gente que come jiló e agradece.

Ficha Técnica:

Título original: (Cilada.com)

Lançamento: 2011 (Brasil)

Direção: José Alvarenga Jr.

Atores: Bruno Mazzeo, Fernanda Paes Leme, Sérgio Loroza, Augusto Madeira.

Duração: 95 min

Um estranho casal

2011-07-17T00:43:00.002-03:00

Um Estranho Casal é uma comédia com todas as qualidades e problemas do termo. Ao capturarmos uma obra de arte dentro de um gênero, por um lado, conseguimos entender melhor e, dentro dele, trafegar com mais tranquilidade. Por outro, acabamos por engessar o gênero e fazer com que ele, aos poucos, seja dócil e previsível demais.

É o que acontece com o texto de Neil Simon, autor de sucesso da Broadway, gênero americano do “main-stream” teatral e musical. A natureza leve da comédia apresentada se torna uma grande fonte de entretenimento, repleta de risadas e de aproximação do que se vê com o cotidiano do público de classe média, alvo óbvio da montagem.

A adaptação de Gilberto Braga para o cotidiano brasileiro serve para torna-la mais palpável aos nossos olhos e ouvidos que digerem a obra como um bom capítulo das novelas escritas pelo autor. Pode-se dizer que é tanta a preocupação dos autores e atores em dissolver qualquer problema que a cena pudesse apresentar que o espetáculo leve como uma pluma a qualquer momento pode alçar vôo, entrar em um pequena caixa e se depositar em nossa estante de casa, como um dvd de uma série cômica. A Broadway e as novelas sabem como ninguém manter nossa atenção sem cobrar em nenhum segundo qualquer tipo de reflexão que lhe conteste.

Vamos à sinopse: Recém-separado da mulher, Félix (Edson Fieschi) busca abrigo na casa do amigo Oscar (Carmo Dalla Vecchia), mas sua neurose e mania de limpeza acabam por criar uma confusão, um quipróco, entre os amigos e seus companheiros de poker. O programa do Sesc diz tratar-se de uma “Ode à diferença”, título que me faz pensar até que ponto o espetáculo é uma ode ou mostra alguma diferença. Se a mostra é a partir de uma identificação única: todos vão rir de tudo.

O cenário realista, a iluminação aberta, os quatro atos cronometrados mostram a eficácia de uma fórmula milimetricamente elaborada para o sucesso e a risada. Tudo funciona, principalmente a excelente atuação dos atores absolutamente à vontade em cena, mostrando grande qualidade no tempo cômico.

Pode-se dizer por fim, novamente, que se trata de entretenimento de qualidade, daqueles que de tão bem pensados para o sucesso que é complicado encontrar defeitos, muito embora deixe-nos uma pulga atrás da orelha sobre a honestidade em reiterar um tipo de ideologia e a relevância em montar um texto sem pontos críticos para um público criado exatamente praquele tipo de espetáculo. Falta um problema em Um Estranho Casal, mesmo porque é sabido que mais com mais dá menos.

Ficha Técnica

Direção: Celso Nunes

Elenco:
- Carmo Dalla Vecchia
- Edson Fieschi
- Bel Kutner
- Clara Garcia
- Alexandre Mofati
- Paulo de Almeida
- Marcos Ácher
- Rogério Freitas

Texto: Neil Simon
Tradução: Gilberto Braga
Figurino: Ney Madeira
Cenografia: José Dias
Iluminação: Paulo Cesar Medeiros

Deus da Carnificina

2011-07-10T00:59:00.004-03:00

“O inferno são os outros”, disse Sartre no começo do século XX. Depois do inferno estar abaixo da terra e do inferno ser a gente mesmo, o inferno passou a ser a convivência, gota a gota da presença do outro ao nosso lado. O outro, enquanto espelho nosso, é o inferno. O mundo contemporâneo é aquele em que o inferno passa a ser tudo que nos invade, a alteridade quer dizer que: primeiro, nos posicionamos frente ao mundo e segundo, existe alguém que se posicionou em lugar contrário ao nosso. Desse embate claustrofóbico, em que nada é mais interior, mas exteriorizado, espetacularizado, tatuado, cantado e simbolizado, forma-se a identidade.

“Deus da Carnificina” expõe a questão em dois planos. Dois casais se reuném para discutir um incidente em que seus filhos pequenos se envolveram: um deles quebrou dois dentes do outro numa briga na praça. A discussão, no entanto, que se inicia pacífica, no nível do incidente infantil, tende a se acumular até que resulta em uma sensação claustrofóbica que explode em insultos dos pais. Instala-se o caos. A presença do outro, como ponto de divergência, gera a impossibilidade completa de pacificação.

A diferença da obra da francesa Yasmina Reza, com direção de Emílio de Mello, é que a tragédia é tratada em registro cômico e, quando a tragédia é tratada como comédia, o que se vê são os risos em estado de tensão entre o nervosismo e o relaxamento e o constante burburinho: “eu sou assim”. Os dois lados do gênero ressaltam o patético em nós e por isso a experiência teatral se torna ainda mais violenta.

Deborah Evelyn, no papel da mãe do menino espancado, tem uma tarefa árdua de trazer o viés da moral, do bom costume e da ética, mas se perde em xingamentos e provocações. É incapaz de se manter racional, uma vez que a emoção explode frente à insensatez do resto. Seu marido, interpretado por Orã Fiqueiredo, é um niilista, que vê tudo pelo lado da catástrofe, como a frase “o casamento é o caixão e os filhos os pregos.” A mãe do agressor, Julia Lemmertz, é falsa, sonsa e parece se esconder em seu papel social de “mulher do advogado”, interpretado por Paulo Betti, um homem que atende celular para resolver problemas no emprego e tem uma vulgaridade prática e acéfala.

Orã é o melhor em cena, o que mais se adapta ao registro tragicômico, seguido por Lemmertz. Já Paulo Betti mais uma vez mostra fragilidades, fazendo a si mesmo e confundindo boa interpretação com boa dicção.

A direção de Emílio de Mello preza por colocar os atores em cena de forma a deixar o texto à mostra e à vontade, sem deixar que ele seja despejado em palavrórios, por isso, mantém a direção direta e incisiva, assim como o cenário de Flávio Graff que domina os poucos elementos sem faze-los atravancar a cena em prol da estética.

É importante que se diga que ao levantar a questão do embate entre o eu e o outro, Yasmina Reza evidencia como a problemática da relação intersubjetiva em crise a mais de cem anos ainda é a tônica do homem. Enquanto o cinema adotou a narrativa tradicional, organizando o mundo para o público em prol dos altos rendimentos, o teatro, pobre por natureza, ainda se mantém na discussão dos problemas do homem em vários níveis: individual, dual, relacional e, por fim, do homem da sociedade como um todo. Sua resposta é catastrófica, apocalíptica, mas no fim, ainda vemos uma mãe, mesmo desesperada, tentar acalmar uma filha que chora por um hamster desaparecido. Ainda resta uma esperança, mas é pequena, por que nessa hora as luzes se apagam. É o fim.

Ficha Técnica

Elenco: Deborah Evelyn, Julia Lemmertz, Orâ Figueiredo e Paulo Betti
Texto: Yasmina Reza
Tradução: Eloisa Ribeiro
Direção: Emilio de Mello
Assistente Direção: Raquel Karro e Leonardo Carvalho
Cenografia: Flavio Graff
Assistente de Cenografia: Markoz Vieira
Iluminação: Renato Machado
Figurino: Marília Carneiro
Assistente Figurino: Paula Carneiro

Máquina-Corpo, O Ciborgue de Cada Dia

2011-06-22T15:02:00.002-03:00

A obra Antropologia dos Ciborgue – as Vertigens do pós-humano, com organização de Tomaz Tadeu da Silva (Ed. Autêntica, 2000), é uma compilação de ensaios de Donna Haraway e Hari Kunzu sobre a relação entre o homem e a máquina, e de como essa relação simbiótica gera um novo tipo de ser, pós-humano. O ciborgue, para os autores, é a composição do que somos no mundo contemporâneo, espécies de organismos industriais ou máquinas orgânicas e, assim sendo, ultrapassamos a ideia de mediação entre homem e máquina para uma complexa unidade inseparável entre essas instâncias.

Antropologia dos Ciborgues tem como principal objetivo a publicação da nova tradução do Manifesto Ciborgue de Haraway cujo mote é a análise da ciência, da tecnologia e do feminismo-socialista no final do século XX. A autora, por sinal, criadora da ciborgologia, inicia seu ensaio com a seguinte frase: “Este ensaio é um esforço para construir um mito politico fiel sobre feminismo, socialismo e materialismo (...) No centro de minha irônica fé, minha blasfêmia, está a imagem do ciborgue.” Ou seja, ela se volta para a questão política contida nesse novo tipo de relação entre homem e máquina, e não para a estrutura anatômica dos corpos. É a maneira como se posicionam politicamente os seres, ou melhor, como os seres se vêem e como tais fatores se desdobram socialmente, o importante e, por esse viés se constrói o pensamento da filósofa.

O primeiro ensaio intitulado “Nós, ciborgues: o corpo elétrico e a dissolução do humano”, do organizador Tomaz Tadeu, introduz o tema, mostrando como na modernidade, passando por Nieztsche, Freud, Marx, tal questão vinha sendo traçada e apontada e como, a partir desses elementos, Haraway formou o arcabouço teórico que utiliza em sua análise.

O ensaio seguinte Você é um ciborgue: um encontro com Donna Haraway trata de uma conversa entre o teórico Hari Kunzru e a autora do manifesto. A vida de Haraway é o tema central do ensaio, mas também como as questões levantadas no manifesto – o feminismo, o socialismo e claro, o ciborgue – incidem na vida pessoal da autora.

Logo em seguida temos o Manifesto, desenvolvendo sub-temas como: identidade fraturada, informática da dominação, a “economia do trabalho caseiro” fora de “casa”, as mulheres no circuito integrado e ciborgue: um mito de identidade política. Todos eles com uma carga esquerdista bastante acentuada, tentando perceber como o ciborgue, por um lado, é um fato inevitável e por outro, como se torna uma estrutura de exploração dos meios capitalistas.

A grande virada de Haraway é no trato do ciborgue como a fundação de uma segunda natureza, assim como tentava fazer Benjamin com o cinema e os meios de reprodução, na medida em que, sendo inevitável a exploração, seria justamente através dela que, dialeticamente, seríamos capazes de promover uma inversão na cultura ocidental.

Tanto que o último ensaio, “Genealogia do Ciborgue”, de Kunzru, traça uma historicidade da relação entre homem e máquina, procurando na literatura, no cinema e nas artes visuais essas relações e, assim, compondo o que nosso imaginário percebe e constrói no decorrer do século XX. Como exemplo temos a figura do Robocop, de Paul Verhoeven, um robô policial do futuro, ou até o filme Exterminador do Futuro de James Cameron, em que o protagonista Arnold Schwarzenegger é um ser que volta para o passado para tentar mudar o futuro de ruína. Ou seja, há um viés duplo entre a tecnologia como salvação e a tecnologia como destruição, e, como mediação, está o consumo.

Parece que a intenção dos autores em Antropologia dos Ciborgue – as Vertigens do pós-humano é mostrar a máquina como elemento constituente do humano, desde as próteses, os estudo de células-tronco, até o uso de celulares e computadores, como formas do organismo humano se colocar no mundo. A máquina, então, muda a configuração do corpo e, por isso, apaga a tensão de salvação/apocalipse que nosso imaginário apresenta. A máquina, para eles, é corpo.

Um Coração Fraco

2011-05-15T14:19:00.004-03:00

Apresentou-se ontem no Theatro Dom Pedro o espetáculo “Um Coração Fraco” com texto de Domingos Oliveira e Direção de Priscilla Rozenbaum. A obra, baseada no texto “A felicidade” do russo Dostoievski, conta a relação entre o amor, a felicidade e a moral através de um homem que ao passar simultaneamente pelas três sensações acaba por enlouquecer.
O título “A felicidade” é curioso, pois é a partir dela, e apenas por isso, que Vassia (Caio Blat) vê seus valores morais se desmontarem e serem negligenciados por uma paixão por Lisanka (Isabel Guéron). Seu amigo, vivido por Cadu Fávero, tenta mostrar o outro lado, dizer que “nada está perdido”, “que tudo pode ser remediado”, mas o atraso em completar um trabalho, leva-o a noites em claro e, por fim, a loucura. No fim, A felicidade acaba por ser a ruína, o fracasso e a perda de contato com a realidade. Todos sabemos que a felicidade tem algo de loucura, mas sempre olhamos isso pelo lado bom e virtuoso, nunca pela destruição das relações humanas. É por conta disso, que “Um Coração Fraco” não me parece um título tão adequado, uma vez que traz para o espetáculo a individuação do problema, enquanto que ele é algo geral, recorrente e público. A batalha entre amor e moralidade está ligada ao desejo e a razão, por isso rebate em todos, não apenas nos corações fracos.
É importante destacar que o inverno europeu, principalmente o russo, permite que essas sensações sejam experienciadas com mais rigor. O isolamento, o intenso frio, cortante e ferino, e a quase escassa rede de relacionamentos, leva o homem a um constante contato consigo próprio e com suas referências e características. É nesse espaço que a chama do amor tem que se manter e a virtude deve ser valorizada.
Bom, falemos do espetáculo. O belíssimo cenário, um pequeno sobrado que gira e gira e girae e nos permite ver cada pequeno canto, também nos permite ver cada pequena nuance na narrativa. Leva-nos a refletir sobre como cada percepção de fatos cotidianos, interpretados de forma diferente por cada pessoa, pode levar a gestos absolutamente diferentes e, algumas vezes, insensatamente controveros. A platéia é como um pequenos barco e a casa uma ilha que percorremos canto a canto vendo o que é belo, o que é feio e o que é medíocre. Cada vez vemos uma coisa e sempre veremos coisas diferentes.
A luz, simples e certeira, realça os detalhes que o cenário anuncia. Ela apresenta com precisão e ao mesmo tempo mobilidade aquilo que a cena precisa, que é pequeno e doce, quase fugidio.
Agora o mais importante: a interpretação de Caio Blat. Numa atuação inigualável, o jovem ator, provavelmente o melhor de sua geração, apresenta Vassia com tanta simplicidade, ingenuidade e, ao mesmo tempo, força moral, que a impressão que se tem é que se está diante de um cinema tal a perfeição nos gestos e o controle do corpo. Nada sobra, nenhum gesto escapa de seu controle, nenhuma palavra se embola. Ouso dizer que é a melhor atuação em teatro que já vi na vida.
Cadu Fávero também excepcional em seu papel, acompanha Blat sem deixar qualquer tipo de brechas. A dupla de protagonistas ganha o espetáculo e fa-lo vencer. Provavelmente com outros atores, “Um Coração Fraco” não seria metade do que é.
Ao final, o que se tem é apenas uma sensação, ou mais, uma pontinha de certeza de que nossos sonhos modernos realmente faliram. Que não é possível atingir a moralidade ou a virtude, pois tais sentimentos não são de nossa época, são invenções da religião e da república, que não se mantém na medida em que a lógica da cidade e da burocracia nos parece cada vez mais sufocante e sem regras estabelecidas. A moral parece um sonho antigo, assim como a virtude e poucos homens são capazes de aguenta-las. Somos todos hoje, homens de coração forte.

Ficha Técnica
Adaptação: Domingos de Oliveira
Direção: Priscilla Rozembaum
Elenco: Caio Blat, Isabel Guéron e Cadu Fávero.

direito autoral x internet

2011-03-11T02:25:00.002-03:00

Não entendo da lei dos direitos autorais, tampouco como funciona esse mercado fonográfico, mas não posso deixar de dar minha opinião quando a questão é pirataria e transferência de arquivos via internet.
Primeiro, pirataria é a cópia de um produto legal e a venda deste produto, obtendo lucros, sem que esse lucro seja voltado para os produtores. Talvez a lei diga o contrário, mas não acho que reproduzir em casa e dar a uma pessoa seja pirataria. O problema é você querer ganhar dinheiro, uma vez que ao comprar a mercadoria eu passo a ter posse dela para fazer uso, só não posso, no entanto, gerar dividendos com ela, ou seja, vender, exibir via dinheiro, alugar. Caso o contrário, uma locadora seria um ponto de pirataria, uma vez que a partir de UM produto várias pessoas passam a ter acesso àquela obra.
Segundo, transferir arquivos via internet não pode ser pirataria nunca. Vou aos poucos tentar dizer o que penso. Há o espaço físico, terrenos, casas, e com isso há a quantificação desse espaço. Valorização, desvalorização e especulação. Um terreno vale por ter boa localização, ser grande, arejado, com uma boa vista, entre outros aspectos.
Os espaços contidos no computador são virtuais. Na verdade, eles não existem. São simulações de possíveis espaços, tanto que é possível copiar um arquivo ao infinito até que não haja mais “espaço” para ele, como também é possível que haja um hd com uma capacidade tão “grande” que seja impossível se encher completamente. Nossa vida inteira caberia num hd do tamanho de uma caixa de fósforos e provavelmente se a maioria dos jovens de hoje fossem ouvir todas as músicas que estão em seus computadores, morreriam sem terminar a tarefa. Os computadores possuem espaços móveis e sem valor. Uma música está no meu computador e em segundos copio ela pro pendrive e ouço no dvd: há agora duas dessa música, uma no computador e outra tocando no outro cômodo, mas ambas são “a mesma coisa”.
Por esse espaço não se pode cobrar. Eu sei que pra quem é de mais idade e aprendeu que todos têm posse daquilo que produz é difícil entender que não há mais um produto produzido, muito menos uma idéia de posse. Não dá pra possuir algo tão etéreo quando um arquivo de internet, muito menos dá pra chamar de produto aquele quadradinho que você clica na tela e produz um som.
Você compra o pendrive com o espaço, daí você coloca uma música e você paga por ela. O que seria, um IPTU? Um pedágio? “Opa, aquele mp3 do seu computador foi copiado pro do seu irmão, pague 30 centavos”. E se você dividir o hd em dois? Paga?
O conteúdo da internet é livre porque ele é um não-ser. É um devir produto. Faça-se um arquivo físico impossível de cópia ou os provedores cobrem uma taxa básica e repassem ao artistas ou o governo subsidie sites onde se possa colocar sua obra à disposição. O fato do conteúdo da internet ser um não-ser fica claro quando um texto meu entra online e qualquer um pode escrever o que for dele, assim como copia-lo e colocar como seu nome. Muitas vezes o Veríssimo nem preciso escrever pra dar conselhos amorosos para milhões de adolescentes desesperados. E é assim mesmo, na internet somos não-seres, não temos uma identidade que se possa encontrar, somos fragmentos. Oswald dizia isso, Benjamin dizia isso, o cubismo dizia isso, a Tropicália dizia isso: somos peçados que nunca mais se juntarão.
Caetano Veloso podia ler esse pequeno texto para acrescentar na sua coluna algo mais a dizer, pois esse papo de luta política, direita e esquerda acaba por tornar a discussão muito através dos factóides ao invés de mantê-la no plano que interessa que é o plano da produção de pensamento.
Eu não conheço ainda respostas para como fazer os artistas produtores receberem por suas obras, mas sei que não é bloqueando o acesso à internet, nem passando a cobrar por algo que já é de graça. Seria um retrocesso na liberdade, seria culpar quem é livre para segregar novamente os espaços como nas imobiliárias. Quem sabe um dia chegaremos à especulação musical?

A Tartaruga de Darwin

2011-02-21T23:34:00.002-03:00

Faz alguns meses que assisti ao espetáculo “A Tartaruga de Darwin” no Festival de Inverno no teatro do Palácio Quitandinha em Petrópolis, mas a crítica, que me pareceu desnecessária no momento, só se fez urgente agora, na praia, em pleno verão de Cabo Frio. Eis aí uma interessante questão: por que só agora? Inverno, verão? Palácio, praia? Essa aparentemente contradição pode nos dizer alguma coisa? É o que veremos.
O cenário do espetáculo é uma imensa mesa onde um escritor tenta trabalhar. Ao fundo se vê um gigantesco ornamento em forma de mapa-mundi onde a parte do Brasil alude a um casco de tartaruga. Além disso, se tem o texto de Mayorga com tradução dhttp://www.blogger.com/img/blank.gife Rafael Ponzi.

Sinopse:

"A peça A Tartaruga de Darwin apresenta uma fábula fantástica sobre a história mundial contemporânea, na qual realidade e fantasia se misturam por meio da figura de Harriet (Cristina Pereira), uma tartaruga que Charles Darwin trouxe das Ilhas Galápagos e que está em processo de evolução para a forma humana.

Graças à sua longevidade, Harriet presenciou algumas das mais emblemáticas passagens históricas dos séculos 19 e 20. Depois de viver 200 anos de história, a tartaruga tornou-se alvo de uma disputa entre Professor, um historiador interpretado por Paulo Betti, e Doutor, um cientista vivido por Rafael Ponzi. Além disso, ela desperta o ciúme de Bete, mulher do Professor (Vera Fajardo), já que este só tem olhos e ouvidos para as revelações da mulher tartaruga." (Guia da semana)

Acontece que o que se vê em cena é um imenso palavrório em um texto de uma esquerda antiga que analisa o mundo por um viés pró-revolução, prevendo um final apocalíptico batendo em nossa porta. Assim, a tartaruga velha se torna uma espécie de “sabedoria natural” que se deve buscar. No entanto, esta sabedoria é mostrada ingenuamente, pois a tartaruga, disputada pelo cientista e pelo escritor, vira uma exibição circense, à lá Kaspar Hauser de Herzog e Homem Elefante de David Lynch. Aliás, esse é um tipo de narrativa bastante recorrente para se realçar uma idéia quase na linha de Rousseau.
No fim, a tartaruga se mostra “humana” e mata todo mundo. E quê? Esse tipo de montagem e dramaturgia não leva a refletir, pois tenta nos empurrar ideologias e o teatro quando tenta isso cria uma resistência, uma desconfiança na recepção que vê tudo se passar com displicência e enfado.
Acrescente também a isso a distraída interpretação de Paulo Betti, que constrói um escritor tal qual ele próprio, além de estar visivelmente à procura do texto, seja na própria cabeça como nos cadernos dispostos na mesa: um tipo de muleta desrespeitosa para como a platéia e, principalmente, com o resto do elenco.
Salva-se a complexa e completa interpretação de Cristina Pereira, na pele da tartaruga, que consegue dar dinâmica, humor e ênfases improváveis num texto reto e historicamente informativo e, por isso mesmo, não teatral.
A pergunta que fica é: porque ainda montar esse tipo de espetáculo? E caso se resolva montar, pra que monta-lo dessa forma? Parece inútil dizer que, no verão, na praia, alguns meses depois, vejo o completo anacronismo do espetáculo que serve apenas para mostrar como fomos no passado e tentar, falhando, entreter uma platéia mais preocupada com seus cachecóis que com qualquer tipo de arte.

Ficha Técnica:
Texto: Juan Mayorga
Tradução: Rafael Ponzi
Direção: Paulo Betti
Elenco: Cristina Pereira, Paulo Betti, Vera Fajardo; Rafael Ponzi
Cenário e Figurino: Letícia Ponzi
Iluminação: Aurélio de Simoni

Corte Seco

2011-02-06T01:38:00.002-02:00

“Transformar o obstáculo em estímulo”, diz Sinisterra sobre seu sistema de dramaturgia atoral, comparando esse procedimento também com a vida de cada um de nós. O que fica latente, no entanto, é que o obstáculo não é algo a se ultrapassar, mas sim algo a se incorporar, pois é ele que enquanto procedimento vai nos trazer aquilo que se tem a dizer. Só se diz através do obstáculo.
“Corte Seco” de Chistiane Jatahy é 100% sinisterrista, com perdão do termo. Quem é conhecedor de teatro vai dizer: “ah, esse método está super batido...”, ou então: “cara...Sinisterra é demais”, e quem não conhece vai achar: “que maneiro isso.”
A verdade é que o método ao mesmo tempo em que gera infinitas possibilidades de temas, pois o ator com sua individualidade e toda sua memória vai trazer para a cena justamente aquilo que mais tem a dizer e por algum motivo não disse até hoje. Diz porque é urgente dizer e porque isso salta de sua boca de narrador. O interessante é como isso é feito em “Corte Seco.” Os atores se apresentam como tais, usam seus nomes próprios e contam histórias a partir de cadeiras com nomes: “narrar”, “introjetar”, “dialogar”, “caracterizar”, “descrever” e assim vão alternando fatos pessoais com ficções. Acompanhando isso temos três televisões ao fundo que projetam imagens de circuito interno do teatro. Imagens da fachada, do camarim, da rua ao lado e as personagens/atores vão transitar por esses lugares: nós vendo-as como atores e as pessoas na rua vendo-as como pessoas.
Há uma grande discussão aí sobre a distância entre ficção e realidade que na verdade nunca vai ser resolvida, mas que, no entanto, deve ser a todo momento destacada. A obra ganha importância pela carga dramática que a cena toma com seus sucessivos cortes feito pela diretora, detentora de uma espécie de microfone/deus que nos diz qual história vamos ver e até quando.
Essa imensa teia de pequenos fatos ficcionais está sempre nos deslocando e relocando em pontos bastante complexos: tudo é real e não pode ser, tudo é ficção, mas tratado como realidade.
Não se requer dos atores nada mais do que serem eles próprios, ou seja, explorarem sua posição de ator ao máximo, caracterizando-se como tal com a permissão de serem teatrais quando quiserem e naturais quando acharem necessário.
A obra que se modifica a cada dia, de acordo com a ordem que a diretora dá, se torna um tanto quanto abarrotada de experiências dolorosas tratadas com um humor teatral quase terapêutico. A recepção é uma mistura de espanto com conforto, tristeza com risadas. Trata-se de uma recepção difusa e, justamente por isso, mais interessante. É requerido coisas diferentes para cada expectador, cada um verá uma peça, assim como cada ator fará uma outra e por fim entraremos em contato com alguns outros mundos que precisam falar. Porque no teatro tudo é urgência.

Ficha Técnica
Direção e dramaturgia: Christiane Jatahy
Cenário: Marcelo Lipiani
Iluminação: Paulo César Medeiros
Músicas: Rodrigo Marçal
Orientação corporal: Dani Lima
Colaboração dramaturgia: José Sanchis Sinisterra
Elenco: Cristina Amadeo, Marjorie Estiano, Eduardo Moscovis, Thereza Piffer, Felipe Abib, Paulo Dantas, Ricardo Santos, Stella Rabello, Branca Messina e Leonardo Netto

O Corredor Cultural, Petrópolis.

2011-01-10T22:50:00.003-02:00

A criação de um Corredor Cultural é um tema que está sendo amplamente debatido na nossa cidade. Então, por ser um cidadão daqui, mesmo que não muito capaz de entender todos os trâmites legais que envolve um projeto dessa amplitude, mas bastante engajado e envolvido, ou pelo menos com muita capacidade pra pensar abstratamente no caso, não podia deixar de dar minha opinião ou simplesmente traçar idéias que possam vir a servir a quem interesse.
Antes preciso dizer algo que diz respeito à maneira que funciona a democracia. Estava na reunião agora do Conselho que visava a aprovação de três projetos tidos como prioridades para execução e é com alguma indignação que vejo como as coisas funcionam. A democracia, sistema que permite a palavra, a voz e a presença de todos funciona, na verdade, no caminho contrário. A reunião é truncada pela chatisse e excesso de palavrório sem sentido, com bases em regimentos, regras e formas de ordem que não permite a participação de todos, pelo contrário, é uma forma excludente onde só quem conhece as regras é capaz de se pronunciar. Um silêncio se impõe e os artistas, principais donos da voz tornam incapazes de participar só por não conhecem as regras do jogo. A democracia é para todos, mas apresenta regras que não conseguimos entender. Lembrei-me das obras de Kafka.
Agora vou listar alguns elementos que creio importantes na idéia do Corredor Cultural e assim, alguns campos que podem ser explorados a partir de sua criação. Pretendo não falar das questões óbvias e amplamente debatidas.

1 – O Corredor Cultural vai permitir a correlação, a prática e a exibição do conteúdo artístico e cultural da sociedade petropolitana de forma descentralizada, ou seja, vamos deixar de ser reféns dos três ou quatro teatros que mantém suas agendas com artistas de grande veiculação e vamos poder termos nosso próprio espaço. Assim, um grupo pode ter uma sede no Corredor e ali mesmo apresentar seu produto cultural. Ele gera uma maior liberdade de possibilidades, pois não terá que obrigatoriamente se veicular à prefeitura ou uma política pública. O Corredor, nesse sentido, vai gerar AUTONOMIA. A criação de pequenos espaços vai diversificar nossa possibilidade de programação e fazer com que ela seja constante, aumentando a capacidade na criação de público.

2 – Com a garantia de que o Corredor Cultural terá liberdade naquele determinado espaço, grupos, bandas e artistas poderão fazer de suas sedes grandes lugares de encontro. A construção de barzinhos nas sedes pode propiciar que grupos tirem dali o dinheiro para execução de seus projetos e assim os exibam no decorrer do dia, tornando a vida noturna da cidade algo que pode ser também culturalmente aproveitado.

3 – É necessária a construção de um teatro/cinema público onde esteja o corredor cultural. Assim, mostras públicas devem ser organizadas com o intuito de incentivar e legitimar a produção da cidade, dando alguns prêmios, incentivos e fomentando o pensamento. Assim, poderão ser organizadas grandes mostras, onde em cada mês uma prática artística esteja em evidência, entre elas: teatro, cinema, artes plásticas, dança, música e dentro delas: teatro de rua, teatro italiano, teatro de arena, performances, cinema europeu, artesanato, dança alemã, italiana, popular e jazz, música brasileira, regional, rock.

4 – Execução de oficinas e encontros. Com a construção do Corredor um grande espaço estará criado e vazio, nas mãos da população, então é preciso que busquemos que ali se torne um pólo também de descobrir novos artistas. Oficinas para alunos tanto de escola particular e pública, debates, palestras, pequenos encontros são importantes para manter o pensamento vivo. O espaço não pode se tornar apenas um espaço de lazer, mas sim um espaço que esteja sendo a todo momento pensado.

5 – Criação de eventos fixos. Para a criação de um público de arte é mais que necessário que haja a manutenção CONSTANTE de eventos. Não é possível que se fique um mês ou mais sem uma peça teatral ou exibição de filme, ou espetáculo de dança. Pelo menos uma vez por mês deve haver exibição de pelo menos uma obra artística dessas. Para isso é possível que se faça convênios com faculdade públicas ou particulares para que seus espetáculos sejam exibidos ali com regularidade.

6 – Utilização dos espaços públicos. Artes tidas como de minorias devem ganhar um lugar AUTÊNTICO com o Corredor. O grafite por exemplo deve ganhar um espaço para expressão, assim como de conscientização da sua importância, assim como a criação de um espaço para estilos alternativos como o hip-hop e o rap. Esses estilos, por serem de grande contestação ao poder público, tendem a ser excluídos pelas programações da elite, então o Corredor tem como função corrigir esse erro e dar a eles o devido espaço.

7 – Formação de leitores e escritores. Uma pequena biblioteca ou espaço para a execução de sarau de poesias deve ser criado. Algo como um coreto onde haja espaço para que pequenos ou grandes grupos se reúnam para ouvir, ler e cantar poesia. A partir de pequenas oficinas que podem ser feitas a programação desse espaço sempre se manterá e acabará por penetrar por outros campos. Não seria o hip-hop também uma forma de poesia? Porque não incentivar os dois e depois uni-los?

Tratam-se apenas de pequenas idéias que me vieram a cabeça e escrevi brevemente. Se mais coisas me aparecerem volto pra acrescentar. Por ser um espaço público é preciso também que vocês falem, deixem recados e opiniões pra que aos poucos criemoa uma grande teia de pensamento que o governo será incapaz de fechar os olhos. Assim, juntos, seremos ouvidos.
Não existe democracia sem que todos possam participar. E poder participar não é apenas deixar que participem, mas sim dar FERRAMENTAS para que as pessoas sejam aptas a participar, tenham estímulos, desafios e incentivos para isso. Não se trata apenas de dinheiro, mas de emancipar sujeitos que se tornam independentes e assim sejam capazes de com sua capacidade abstrata de criar mundo possam viver e não precisem recorrer a outras profissões ou viverem fugindo de espaço em espaço como bandidos. A arte não é algo a ser apenas valorizado, o valor está nela mesma e nos sujeitos que a praticam. Quem assiste entende e ninguém jamais será capaz de nos tirar isso.

muita calma nessa hora

2010-12-17T03:21:00.004-02:00

“Muita calma nessa hora” é uma comédia que está em cartaz nos cinemas. O título a lá cinema americano, nos remete às comédias bobas que tanto estamos acostumados a aguentar na época de verão. No entanto, o filme brasileiro de Felipe Joffily traz um novo gás ao gênero e com o roteiro de Bruno Mazzeo, João Avelino e Rosana Ferrão que tiram a ingenuidade do argumento de Rik Nogueira e Augusto Casé, o filme se torna uma deliciosa opção para um final de semana.
O filme é solar e a temática é simples: três amigas resolvem se livrar de suas vidas e passar umas férias em búzios, ali encontram vários tipos de pessoas, vão a festas, se apaixonam. Parece bobo, mas o que me fez escrever essa crítica é a genialidade com que o filme foi feito, ou melhor, as escolhas que cercaram o filme. Foi escolhido para serem personagem secundários, que passam pela vida dessas meninas somente comediantes renomados e de grande talento, ou seja, como num desfile vimos Nelson Freitas, a turma do Hermes e Renato, Sérgio Malandro, Heloísa Perisse, Leandro Hassum, Marcelo Tas, Marcelo Adnet, Lúcio Mauro, pai e Filho, entre outros.
A fórmula dá certo. Esse desfile nos mostra diversas cenas do nosso imaginário do humor, assim como esteróticos sociais, só que pelo viés dos humoristas, não do humor em si. Temos então um Adnet fazendo um paulista, não apenas um paulista, por exemplo. Isso amplifica nossa visão, porque torna o fato irônico, descolado da realidade, aponta para a própria feitura do cinema e do humor.
Toda essa suspensão traz um problema: como segurar a história? O filme apresenta, então, uma segura Fernanda Souza, uma bela novidade com Andréia Horta e uma fraca Gianni Albertoni, além da conhecida e excelente Débora Lamm, protagonista ao lado de Mazzeo no programa “Cilada”, como protagonistas.
Essa estratégia nunca antes utilizada no cinema nacional faz com que olhemos para nossa televisão, nosso país e nossa forma de fazer humor com outros olhos. Destaca aquilo que gostamos em cada pessoa, sem o preconceito que nos cansa ao vermos tantas vezes aquela cara, aquela voz, aquele gesto e aquele tipo de humor. No cinema não, damos a ela outra oportunidade e reaprendemos a vê-la e nos reencontramos com suas piadas. O humor do Brasil renasce e se fortalece quando se reaprende a ver suas fontes e nossos fornecedores de imagens.
É isso.

Antes da Coisa Começar - Grupo Armazém

2010-12-16T23:09:00.005-02:00

Faz um bom tempo que eu não escrevo aqui. Na verdade eu tenho visto muitas coisas, e boas, mas não sei até que ponto vale a pena escrever sobre elas. Ultimamente eu prefiro divulgá-las e fazer com que as pessoas assistam e tirem suas próprias conclusões. Bom, aqui é uma forma de divulgar, não é?

Essa análise é bem técnica, ela faz parte de um trabalho sobre Fundamentos da Expressão e Comunicação Teatral. Mas não se preocupem, eu tirei todo o conceito acadêmico que eu tive que incluir e deixei só as partes que talvez interessem. O que eu acho importante dizer e não foi dito na análise acadêmica é que o novo espetáculo do grupo Armazém é emocionante e ele faz com que o público reviva coisas que a rotina adormece, seja com o texto, as músicas, as atuações... E isso é o que mais importa pra mim ultimamente. Bom, vamos lá:

De acordo com o programa da montagem, em “Antes da coisa toda começar” do Grupo Armazém, em cartaz no CCBB, “a platéia se vê diante de verdadeiras epifanias a serem decifradas como processos distintos, entre os impasses da vida e da morte, seguindo na tentativa de não se acomodarem diante das regras do mundo. (...) Numa estrutura fragmentária de narrativa cênica que dialoga diretamente com os caminhos mais inovadores da arte contemporânea, os limites do tempo são praticamente eliminados, num paralelo com a complexidade do mundo atual, cada vez mais saturado e partido.”

“O espectro de um ator (Ricardo Martins) abre a cena. Solitário e enclausurado em si mesmo, começa a materializar suas lembranças corporificando a memória. A partir daí a coisa toda começa, ou recomeça.(...) Numa narrativa cênica fragmentária, as personagens trafegam entre o passado, o presente e o futuro com desenvoltura e lucidez. (...) Antes da Coisa Toda Começar surge como resposta à angústia da criação. (...) Diante da morte a vida ganha força. Diante do silêncio a música avança. Diante da apatia o corpo dança. E é exatamente nesse instante que tudo começa.”

Ao entrar no teatro, o público se depara com um grande espelho e uma cadeira a sua frente. O cenário repartido mostra do outro lado uma caveira com um nariz de palhaço. Com esses elementos o público já estabelece significados ligados ao cenário sem que seja necessário nenhum ator entrar em cena. Esses elementos - O espelho, que sempre reflete o “Eu”, a cadeira, e a caveira (símbolo do monólogo mais famoso da dramaturgia e uma metáfora do espectro do artista no contexto) já nos dão a idéia da temática da peça.

Observando atentamente o cenário percebemos também uma pequena janela e marcas de água que escorrem das paredes. Esses elementos não são gratuitos, estão ligados às sensações de enclausuramento e à tempestade que é citada no texto. (que é ao mesmo tempo “real” – ou seja, ocorre em alguns momentos do espetáculo através de elementos sonoros e projeções - proporcionando a “quebra” do espectro em 3 personagens- e também pode ser entendida como um estado psicológico da personagem Léa (Simone Mazzer)– que é uma de suas partes).

A iluminação não serve apenas para fazer com que os atores apareçam, e possui uma função estética e também significativa. A cena em que o dia amanhece, cenas intensas, divertidas, tristes ou sensuais também são enfatizadas pela luz que integra o cenário. A cena mais marcante nesse aspecto é quando Léa é internada no hospital, para ambientar o local, diversas luzes brancas são acesas, gerando uma claridade quase insuportável e através desse mal-estar a platéia se torna cúmplice da situação da personagem.

A encenação também se utiliza de projeção de vídeos, que geram diversos símbolos durante as músicas, como por exemplo, na primeira canção do espetáculo, no momento solo de cada ator, o vídeo mostra algumas características dos personagens (fragmentos da memória do espectro), como a bipolaridade de Zoé (Patrícia Selonk) que vive intensos momentos de prazer e desespero em sua relação incestuosa com o irmão (Marcelo Guerra) e com as drogas, o desejo de liberdade e transformação de Léa (que é a única a se apresentar de forma metamorfa, com asas de borboleta) ou o eterno vazio do ator Téo (Thales Coutinho).

Os figurinos também merecem destaque e compõem de forma significativa a trajetória dos personagens e o que eles representam. A única personagem que apresenta uma maquiagem de destaque é Léa, que é uma cantora boêmia. Com uma iluminação “noturna” não a percebemos, mas ao chegar ao hospital a maquiagem se torna um elemento marcante, dando a fisionomia de um zumbi, com marcas de choro no rosto e no busto.

A trilha sonora trabalha sempre ligada aos acontecimentos, as letras, mesmo as internacionais, estão intimamente de acordo com as situações, como no momento da morte de Théo, (ator que vagava perdido por sua falta de memória) seu amigo, o travesti Rufus, canta durante o enterro “Non, Je Ne Regrette Rien” de Edith Piaf.

“Non... rien de rien... / Non... je ne regrette rien / C'est payé, balayé, oublié, / Je me fous du passé! Avec mes souvenirs / J'ai allumé le feu, / Mes chagrins, mes plaisirs, / Je n'ai plus besoin d'eux!” Balayé les amours / Avec leurs trémolos / Balayés pour toujours

Je repars à zéro.”

“Não, nada de nada... Não! / Eu não lamento nada... Está pago, varrido, esquecido / Não me importa o passado! Com minhas lembranças / Acendi o fogo / Minhas mágoas, meus prazeres / Não preciso mais deles! / Varridos os amores / E todos os seus temores / Varridos para sempre / Recomeço do zero.”

Ainda sobre os elementos sonoros, mesmo os barulhos estabelecidos em cena, como o aspirador de pó de uma faxineira é dirigido para criar uma sensação de desconforto durante uma briga, e conforme esse barulho aumenta ou diminui, dá o ritmo da cena.

Alguns objetos do cenário se transformam e exercem diversas funções, propositalmente, de acordo com as relações dos signos estabelecidas pelo espetáculo. Um exemplo disso é o espelho, que como já foi dito, sempre reflete o “eu”, e em cena funciona como um espelho, uma cama e uma cova.

Existem também personagens com dupla significação. Uma enfermeira, ao mesmo tempo é a morte que visita Léa, e demonstra uma movimentação peculiar, não necessariamente com gestos ligados ao texto, mas que possuem um impacto estético. Uma prostituta é, ao mesmo tempo, um coveiro e a morte - que prepara uma cova para Théo – situações criadas que beiram o surrealismo. Isso nos leva a perceber a maneira que cada personagem vê a morte e as diferentes situações em que ela se apresenta.

Uma cena que merece destaque é a do aniversário de Léa no hospital, em que as amigas a visitam, mas não podem fazer nenhum barulho. Elas então começam um jogo de representações de gestos que atingem diretamente o imaginário coletivo, e de maneira impressionante a platéia consegue captar as músicas que elas estão cantando e as situações, como num jogo de “Imagem e Ação”.

Todos os atores, que também participam da trilha sonora tocando instrumentos cumprem muito bem seu papel, com destaque para a atriz e cantora Simone Mazzer que consegue passar com sua voz e atuação a força dos conflitos da personagem Léa de maneira emocionante.

Nesse emaranhado de sensíveis fragmentos, Antes da Coisa Toda Começar nos leva a refletir sobre o efêmero, a memória, a vida, o medo e desejo da morte, e principalmente sobre “a arte de gerar arte quando tudo parece estranho e cruel”.

Ficha técnica:

Montagem do Armazém Companhia de Teatro

Direção: Paulo de Moraes

Dramaturgia: Maurício Arruda Mendonça e Paulo de Moraes

Direção Musical: Ricco Viana

Cenografia: Paulo de Moraes e Carla Berri

Iluminação: Maneco Quinderé

Figurinos: Rita Murtinho

Projeções de Vídeo: Rico e Renato Vilarouca

Preparação Corporal: Ana Beviláqua

Preparação Vocal: Simone Mazzer

Programação Visual: Alexandre de Castro

Fotografias: Marcelo Faustini

Produção Executiva: Flávia Menezes

Produção: Armazém Companhia de Teatro

Elenco:

Patrícia Selonk

Thales Coutinho
Simone Mazzer

Ricardo Martins

Marcelo Guerra

Simone Vianna

Verônica Rocha

"Eu te amo"

2010-12-04T21:45:00.003-02:00

“Eu te amo” é uma frase mágica. É um enigma porque quando dita nunca se sabe a real intenção que ela detém. Amar é um sentimento nobre, amar é um sentimento sórdido, amar é um sentimento patético. Amar é também um instrumento político de controle: quem diz amar, faz com que o outro detenha um poder enorme e ao mesmo tempo uma responsabilidade. Quem ama precisa necessariamente negociar. É preciso ver se homem e mulher, juntos, são capazes de amar e se, na vigência desse amor, fazem dele um amor antes de tudo bonito, cercado por um lado de afeto e por outro de sexo. O sexo para o homem é a forma mais sublime de amar e a mais efêmera, para a mulher o sexo se opõe ao amor e quase que implora ou para ser amada ou serem fodida, como se houvesse uma mistura impossível. Isso era uma certeza antes, hoje não é mais.
É a partir dessa densa discussão que se dá “Eu te amo” filme de 1981 de Arnaldo Jabor e adaptado para o teatro. Nessa segunda montagem da peça (a primeira é de 1988) com direção de Lírio Ferreira e Rosane Svartman e atuação de André Gonçalves e Juliana Martins, é narrada “a história de um homem e uma mulher que desejam se amar e que, ao mesmo tempo, têm medo desse encontro. A montagem proporciona uma reflexão sobre o que seria uma história de amor, uma fantasia romântica sobre paixão e desejo. A peça busca esclarecer o que é o amor e o relacionamento de homens e mulheres do mundo contemporâneo.”
A montagem repleta de projeções e efeitos visuais, no entanto, ultrapassa a questão do amor. Ela é composta pelo sentimento da década de 80 do desbunde, de uma sociedade que se preparava pra sair de uma ditadura e via nas relações afetivas um enorme potencial de destruição interior, ao contrário da década anterior que via na política a realização da subjetividade. O amor se tornando o centro deixa aparecer uma alienação, e por conseguinte, uma forma de amar que parece vazia e roda ao redor de si, não constrói absolutamente nada.
A personagem de André Gonçalves se vê presa a um passado com Bárbara a quem havia amado intensamente até ela deixar de lhe amar para estar com o fotógrafo de seu filme. Chega a dizer que quando ama, ama por completo, ama tanto que educa a mulher no amor. A personagem de Juliana Martins tem um relacionamento com Ulisses, piloto de avião casado com filhos, que “transa com ela de cap e em pé”. As personagens abandonadas então se encontram pela internet e vão começar a se relacionar, mas antes vão ter de se reencontrar com seus próprios eus para poderem se encontrar uns com os outros.
O que agrada no espetáculo é a atualização dessa visão de relacionamentos que não escapa para sentimentalismos, apesar de em alguns momentos possuir um fraseado pouco comum para bocas cheias de tesão e envolvidas pelo uísque. O cenário simples de quem sabe que o teatro é feito dos imensos detalhes inspira e nos leva a olhar às projeções com atenção, que por sua vez, são bastante consistentes e não sobram, como parece fazer em muitos casos. O que me incomoda, na verdade, é essa constante utilização de copos por atores, que em muitos casos parecem bengalas que caso ausentes, as mãos ficaram perdidas pelo espaço e ruirão no chão.
A atuação de André Gonçalves é excelente. É um grandíssimo ator que em alguns momentos nos remete ao renomado Johnny Depp. Aliás, costumo chamar o André de Johnny Depp brasileiro, pelos trejeitos irônicos, que quase se citam e um gestual quase afeminado, que apresenta um aspecto de androgenia. Já Juliana Martins, apesar de segura e bela, não consegue ser simples: atua melhor quanto com tesão ou com raiva. Em um diálogo comum mexe demais os braços e não controla tics de rosto.
É importante que se veja o amor em cena, mas principalmente que se discuta o amor. Ainda mais num tempo em que estamos virtualmente colocados a disposição de tantas possibilidades e que a experiência do real parece tão empobrecida e frágil. O amor continua sendo uma questão, mas uma nova questão a cada geração, o problema é que não sabemos nunca como resolve-la. O teatro tentou fazer sua parte...e com “Eu te amo” e o tema avançou. E continuamos sem amar.

Ficha Técnica
Texto: Arnaldo Jabor
Direção: Lírio Ferreira e Rosane Svartman
Elenco: André Gonçalves e Juliana Martins
Idealização e coordenação: Juliana Martins
Produção executiva: Renato Bavier
Direção de produção: Eduardo Lyra
Realização: Bubu Produções Artísticas e Secretaria de Cultura do Governo do Rio de Janeiro

Foto: Marcos Morteira / Divulgação

As pontes de Madison

2010-07-21T00:44:00.004-03:00

É impossível falar do espetáculo “As pontes de Madison” sem citar o filme. Sem falar que é um tanto quanto desnecessário que se monte essa peça depois da adaptação de Clint Eastwood do livro de Robert James Waller. Pois é, era um livro que virou um filme e que virou uma peça, dá até pra se perder no meio do caminho tentando saber o que é cada coisa e de onde veio cada parte, se do filme ou do livro, ou da peça? Enfim...
As pontes de Madison conta uma história clássica da cultura americana: uma mulher apaixonada por arte e literatura vem de outro país, cheia de sonhos, achando que vai se realizar na América e acaba numa cidade de interior, com uma família simples, bruta, cuidando da casa e dos filhos que crescem, quando chega um forasteiro, nesse caso o fotógrafo Robert, e muda sua vida.
Então, com essa história melosa com diálogos cheios de frases de efeito apaixonadas não há muito o que fazer. O cenário é absolutamente realista e retrata uma cozinha com mesa, cadeiras, fogão, geladeira, rádio, telefone, espelhos, quadros, papel de parede, bule, garrafas, tudo que cabe no espaço é colocado em cena: artilharia super pesada nesse realismo. Para tentar dar um toque de modernidade pra cena no canto direito fez-se um espaço vazio, negro, que serve para cenas, diria eu, “simbólicas” com todas os significados que a palavra contém tanto pro bem quanto pro mal. A iluminação é bela e se junta à trilha sonora e aos diálogos para dar aquele clima de amor impossível acabando de nascer e já morrendo, aquele que faz as donas de casa insatisfeitas verterem lágrimas e apertar depois de muito tempo o braço do marido quase adormecido ao lado.

No entanto esse é o tipo de fábula que faz parte da gente. Foi nela que fomos criados e temos algum tipo de prazer mórbido nisso tudo. Fazemos intensas catarses pensando em amores enquanto assistimos e saímos de lá limpos, felizes, com vontade daquela pizza e daquele chopp, deitamos na cama e dormimos felizes, pensando: “é...teatro é uma coisa boa.” Acontece que esse tipo de história cola tanto na gente que não conseguimos nos conceber mais de outra forma, abrimos mão de liberdades e de ultrajes, ou até de aventuras para seguir valores éticos, mansos, brutalmente impostos. É esquisito, mas a arte, nesse caso, faz com que a gente não melhore.
Preciso, por fim, destacar o belo trabalho dos atores. Marcos Caruso tem uma atuação brilhante, segura, seca e profunda, árida e sublime, assim como Denise Del Vecchio. Essas atuações fazem do espetáculo um belo entretenimento, tornando-se quase um clássico que povoa nossa memória cheia de fatos antigos que nem nós mesmos nos recordamos. O amor de um jeito bonito, mas de um jeito perigoso.

Ficha Técnica
Autor: Robert James Waller
Tradução e Adaptação: Alexandre Tenório
Direção: Regina Galdino
Elenco: Marcos Caruso, Jussara Freire, Luciene Adami e Paulo Coronato
Cenário: Marco Lima
Figurinos e Visagismo: Fábio Namatame
Iluminação: Ney Bonfante
Música Original: Mario Manga
Preparação Corporal: Johannes Freiberg
Assistência de direção: Paulo Rogério Lopes
Direção de produção: Cristina Sato
Realização: Charge Produções Artísticas

Foto: Divulgação / João Caldas

Miranda por (ou para) Miranda

2010-07-20T23:57:00.008-03:00

Algumas figuras, cantores, atores, músicos, personalidades da nossa cultura, algumas vezes ainda vivos outras vezes não, com o passar do tempo ganham uma tipificação própria. Características muitas vezes simplificadoras são agregadas às suas pessoas e se chega ao ponto de que ao olharmos o original não mais o identificamos. Ele se torna estranho, deixa de ser feito de carne, de ter subjetividades, lacunas em sua vida e tudo lhe é interpretado a partir de alguns pontos de que jamais escapará. Isso acontece com Carmen Miranda.
A pequena notável já é aquela baixinha que canta com extrema velocidade músicas felizes de carnaval, que se veste coloridamente com cachos de banana na cabeça e está sempre rindo e falando um inglês com um sotaque esquisito nos filmes que protagonizou em hollywood. Ah...e fala muito palavrão. Não existe outra Carmen Miranda, não adianta tentar afirmar isso, a outra ninguém reconhecerá.
O espetáculo “Miranda por Miranda”, interpretado por Stella Miranda com concepção, direção e roteiro de Miguel Falabella e da própria sabe usar muito bem disso. Stella entra em cena e conta a história de como nasce o espetáculo, conta de seu câncer, do convite de Falabella para um outro espetáculo sobre Carmen, o “South American Way” e os problemas que teve até se decidir a encena-lo e então, começa a cantar e dançar tal como Carmen, falar como Carmen, fazer trejeitos à lá Carmen, mas sem em nenhum momento deixar de ser a si própria. Na verdade, parece que a vida de Carmen Miranda não era muito importante para Stella, pois serve apenas de pretexto para que ela mostre seus talentos vocais e sua capacidade de fazer rir.

Muitas músicas são apresentadas, entre elas “taí”, “e o mundo não se acabou”, “disseram que eu voltei americanizada”, algumas com arranjos irreconhecíveis, mas bastante interessantes. Os quatro atores-cantores que acompanham Stella fazem um belo trabalho, assim como os três músicos que parecem ser uma grande orquestra. Entre essas músicas, Stella faz piadas aqui, piadas acolá, fala alguns palavrões, todos muito engraçados que mantém a platéia sem conseguir descolar a atenção.
Os figurinos escurecidos e as projeções ao fundo são interessantes, mas servem exatamente para mostrar que a atriz não pretende imitar Carmen, mas somente citar, fazer uma homenagem onde a maior homenageada é si própria, mas de qualquer maneira, tem sua graça. Essa projeção, a propósito muito usada atualmente, permite que não se use cenário, apenas um pequeno tablado só para que algum movimento seja feito na cena que a todo momento tende a morrer.
Stella é uma excelente atriz, canta magistralmente, tem um registro que agrada muito o público brasileiro, daquele que faz um outro sem sair de si na melhor linha Marília Pêra, José Wilker, Ney Latorraca, entre outros. O espetáculo agrada bastante, faz rir e nos distrair, mas só. É um espetáculo simples, e ao invés de se chamar “Miranda por Miranda” poderia se chamar “Miranda para Miranda”, pois tudo serve pra mostrar uma coisa: a atriz.

Vicente Celestino - a voz do Brasil

2010-07-19T14:22:00.007-03:00

O teatro musical biográfico, muito em moda atualmente, é de certa forma uma atualização dos espetáculos teatrais que fizeram sucesso no Brasil do início do século: teatro de divertimento com muita música, poesia, humor entremeadas de pequenas esquetes. O interesse sempre grande pelos mitos da nossa música também estimulou esse movimento, que, no entanto, nos parece estar num caminho um tanto quanto exagerado.
Creio que o fato desse sucesso ter criado um nicho de musicais, anda desestimulando o trabalho na área, que ao mesmo tempo que se torna quase profissional, outros o fazem somente para ganhar uma licitação ou para entrar nessa onda, sem qualquer preparo ou cuidado. É um problema, pois ao mesmo tempo que temos trabalhos de alto nível, com dramaturgias marcantes, direção musical e de dançarinos excelentes, assim como cenários, figurinos próprios: sempre com muito luxo e criatividade, nos remetendo até a uma alegoria de nossas escolas de samba, temos também trabalhos cheio de problemas, que beiram a especiais de fim de ano de canais de televisão.
No meio caminho disso tudo está o espetáculo analisado de hoje: “Vicente Celestino – a Voz Orgulho do Brasil” apresentado ontem no Teatro do Hotel Quitandinha, ainda durante o festival de inverno do Sesc Petrópolis de 2010. Alexandre Shumacher está em excelente performance como Vicente Celestino, atua magistralmente, conseguindo alternar a idade do homenageado assim como cantar num registro bem próximo dele, requisito desses musicais. Os outros atores também bastante seguros e bem dirigidos, mantém o espetáculo sustentado, principalmente ocultando um grave problema: a dramaturgia.
O texto de Wagner Campos deixa muito a desejar. Procura contar cronologicamente fatos da vida de Vicente, depois pega esses fatos e desorganiza para ter cara de teatro moderno. Então fica uma colcha de retalhos cheia de buracos, como a cena da morte, uma morte sem muito brilho que não precisava estar em cena e momentos aleatórios da vida de Vicente, ou uma entrevista que ele deu para um rápido, momentos pouco poéticos e muito ligados aos fatos objetivos. Para isso, um “amigo” de Vicente vira um narrador que a todo momento puxa da memória: “lembro quando ele gravou...foi em 54...” , dado irrelevante para nós que assistimos. Isso quando não ficam discutindo sobre gêneros da música brasileira, citando a tropicália e a bossa-nova, como se isso fosse o mais importante e não trazer de forma poética à cena a figura de um artista. No final, esse texto ficou me lembrando um jogral daquele que fazemos na escola: algumas mesas onde os atores sentam, depois alguns levantam e falam, depois voltam a sentar. Isso se dá porque não há cenário, apenas um pano branco no fundo fazendo belos efeitos de cores que não servem pra nada. Ah, e tem também a banda no centro do palco, como se eles fossem o que de mais importante da peça: e são. É a música que salva o espetáculo da ruína, a música cantada Alexandre Schumacher e Stella Maria Rodrigues.

No entanto, gostaria de engrandecer o nome de Vicente Celestino. Tido como muitos como um cantor brega, e talvez o seja, acaba por ser um compositor que sabe pactuar com todos os movimentos de nossa música, homem de muitos clássicos como “coração materno”, “porta aberta” e “ébrio”, músicas que hoje damos alguma risada ao ouvir, mas que não deixam de fazer parte da nossa história musical, urbana, social e até fazendo parte do nosso imaginário enquanto nação.

Ficha Técnica:
Texto: Wagner Campos
Direção: Jacqueline Laurence
Elenco: Alexandre Schumacher, Stella Maria Rodrigues, Pedro Garcia Netto, Camila Caputti, Edmundo Lippi, Jaqueline Brandão, Bruno Ganem, André Rebustini e mais cinco músicos.
Cenários: José Dias
Direção musical: Wagner Campos
Figurinos: Ney Madeira
Luz: Rogério Wiltgen

Gostaria de ter falado um bocado mais de Vicente, mas não me foi possível não apontar erros graves da montagem, para isso posto aqui um vídeo de uma música de Vicente cantada por Caetano Veloso, para quem não conhecer ter a chance e quem sabe um dia, aí sim fazer jus à essa grande figura:

Alma boa (e não boa) de Setsuan

2010-07-18T02:00:00.008-03:00

Bom, é Brecht, né?! Não consegui encontrar melhor forma de começar essa crítica, que creio que será uma crônica, e sei que algumas pessoas vão achar graça e automaticamente pensar que vou falar mal e outras que não entenderam a citação vão pensar: “bom, vou pular essa parte e ler o resto”, mas me foi impossível evitar. Vamos ao que interessa.

Foi apresentado no dia 18 de julho de 2010 no Teatro Quitandinha dentro das festividades do Festival de Inverno da cidade de Petrópolis o espetáculo Alma Boa de Setsuan, escrita pelo alemão marxista Bertold Brecht, dirigida por Marco Antônio Braz e protagonizada por Denise Fraga. Toda essa informação pode não parecer relevante, não obstante será, aguardem.

O espetáculo conta a história da prostituta oriental Chen Te, após ela ser tida por Deus como a única alma boa encontrada na terra, cuja recompensa é paga em dinheiro: mil moedas de ouro. Esse Deus esquisito com um pássaro estranho no ombro chamado espírito santo parece um tanto quanto hostil com a raça humana e, por ter não ter muita compaixão resolve procurar uma alma boa na terra, só uma, para que tudo permaneça como está, como se uma maçã boa fosse limpar às outras, quando é sempre o contrário que se observa.

Chen Te com o dinheiro compra o ponto de uma pequena tabacaria e começa a ser explora de todas as maneiras possíveis: por um carpiteiro, pela dona da loja, por ex-patrões, por um aviador que se diz apaixonado. E ela, frágil, sem saber ao certo como lidar com todas essas formas de poder e extorsão se torna também Chui Ta, uma espécie de alter ego, um primo, que com seu lado prático, menos sentimental, age com os outros de forma menos emotiva.

Mas de onde viria essa alma boa? Com certeza não da virtude, pois Chen Te como prostituta não seria a mais virtuosa de uma sociedade. Essa alma boa vem, sim, da inocência, da forma como se pode encarar o mundo. Da maneira como se portar frente à vida, frente ao trabalho, ao amor. O amor de Chen Te, na linda cena protagonizada por Denise Fraga e Joelson Medeiros, ao mesmo tempo que se completa se esvazia, como se o bom sentimento fosse feito de nuvem, enquanto que a vida real fosse granizo, raio. O amor se desvanece ao nascer.

Tudo começa a ruir quando ela se percebe grávida e vê em qual mundo seu filho estará vivendo, isso ao observar o filho de outro fuçando lixo para conseguir comida. Há aí um corte: a promessa que tudo será feito para seu filho, tudo.

Chui Ta, então, aos poucos precisa tomar o lugar de Chen Te, pois cada vez menos haverá espaço para essa inocência, cada vez menos ela pode agir pelo bem. Sua bondade é sugada pela mão do sistema, do dinheiro e do poder. Em dado momento, ela chega a dizer: “sempre que fui má comi carne de primeira”. Chui Ta dá até um emprego para o aviador para que ele “tome jeito”: ineficaz. Não há escapatória pra Chen Te, ela será aniquilada.

Até que o final é dado, Chen Te em frente ao juiz Deus se diz Chui Ta. Ele diz que ela pode ir, que a alma boa foi encontrada, ela reclama, diz que a alma ruim também era dela quando foi preciso, que ela não é uma alma boa, que algo deve mudar. Ela nos faz entender que o mundo não pode ficar como está, Mesmo assimm Deus vai embora e deixa Chan Te de novo nas mãos dos que se aproveitaram dela, nas mãos das outras almas. De novo ela vai sofrer pra sempre até morrer. E é o fim.

E no fim, a platéia parece não se abalar. Finge que não gosta da peça e não pensa, volta pra casa entendendo uma coisa: que as vezes teatro é chato, porque eles sim estão certos, tem uma rotina, um dinheiro, uma vida profissional que há muito custo conseguiram. E as injustiças? ah, as injustiças sempre vão existir. E vida que segue. Assim sim, por fim, é finalmente o fim.

Ficha Técnica
Direção: Marco Antônio Braz
Assistente de direção: Ana Paula Nero
Adaptação: Marco António Braz e Marcos Cesana
Elenco: Denise Fraga, Ary França, Cláudia Mello, Joelson Medeiros, Kiko Marques, Fábio Herford, Jacqueline Obrigon, Marcos Cesana, Virgínia Buckowski, Maristela Chelala e João Bresser.
Cenografia/Direção de Arte: Márcio Medina
Trilha Sonora: Théo Werneck
Iluminador: Wagner Freire
Figurinista: Verónica Julian
Visagista: Emi Sato
Direção de Produção: Fernando Cardoso e Roberto Monteiro

Oui Oui, a França é aqui - a revista do ano

2010-07-15T01:16:00.006-03:00

“Oiu Oiu, a França é aqui”, espetáculo de João Fonseca com texto de Gustavo Gasparini foi o primeiro de 2010 no Festival de Inverno do Sesc Petrópolis. A comédia opereta de revista faz um apanhado na cultura franco-brasileira, ou brasi-francesa, ou uma espécie de mistura das duas. Como todo espetáculo de Revista possui um fio condutor narrativo simples: um pai que pretende casar a filha com um inglês, enquanto que a moça é apaixonada por um moço local, mas que, sem a mesma educação, dinheiro e com aquela ginga carioca acaba por não agradar o sogro. Pequenas esquetes de temas variados entremeiam essas historietas, entre elas um passeio turístico pela Cidade Maravilhosa da Torre Eiffel guiado por São Sebastião, padroeiro do Rio, ou o próprio Cristo Redentor, mitificado na figura de Roberto Carlos. É evidente que há também muita música: Tom Jobim, Edith Piaf, Bezerra da Silva, numa mistura curiosa que leva a “Garota de Ipanema” a achar “cabelo no pão careca” e mesmo assim sentir “La Vie en Rose”.

É um espetáculo que se pode dizer cheio, tanto para o lado positivo quanto para o negativo. Gasparini sabe como ninguém se utilizar das influências e dos caracteres para construir um grande todo eficaz, no entanto, se uma platéia não se ligar nas referências que a todo tempo são feitas pode se sentir, de certa forma, excluído daquilo, como se aquela influência francesa que tanto vemos não estivesse presente. E a verdade é que está, desde o modelo do Theatro Municipal, nos perfumes, no estilo musical, nas palavras, no prazer pela arte, pela beleza, pelo amor: o famoso ideal libertário francês do Séc. XIX.

Os atores em grande performance compõem o quadro das figuras tipo com muita habilidade e sabem conduzir a platéia tanto nas horas musicais quanto nos diálogos. O ritmo acelerado traduz um tipo de interpretação um tanto quanto exagerada, puxada pra um humor mais caricato, mas que no todo acaba sendo o que o espetáculo precisa. O cenário e a luz são decorativos, ilustram a cena, preechendo-a de cor e brilho.
A verdade é que o nosso gosto pela Revista ainda é grande. Pode-se dizer que grande parte do sucesso do Teatro de Improviso atual vem de uma saudade, uma falta daquele teatro onde música, humor e fatos do cotidiano interagem, onde a população assiste algo que lhe diz respeito, que lhe constitui enquanto homem de uma sociedade, de um país. É nesse compartilhamento de histórias que uma nação, um povo é feito, e talvez por isso, nada melhor do que um espetáculo de Revista para coroar o ano da França no Brasil.

Saramago, a Grécia e a Bíblia

2010-07-09T03:00:00.002-03:00

As narrativas, da maneira que se organizam e de como atravessam diversos tempos e temporalidades talvez não permitam que se faça algo como uma definição pragmática, embora no decorrer da nossa história ocidental muito foi dito, escrito e pensado sobre o assunto. Aristóteles descreve o gênero narrativo a partir da oposição entre a lírica dos ditirambos e o drama das tragédias e comédias.
A épica, ou gênero épico, das epopéias de Homero, é o gênero extensivo onde se contam as histórias de heróis e deuses e suas longas trajetórias num longo espaço de tempo, durante guerras e grandes feitos. É importante dizer há um caráter intrínseco de oralidade nessas histórias contadas por Homero, ou seja, uma espécie de construção por repetição e diferença entre quem conta e quem ouve. É o primeiro elemento que gostaríamos de destacar: o fato de que havia concurso dos que contavam essas narrativas, conhecidos como rapsodos que a partir na mnemônica, metódo de “rememoração” ou de memória, decoravam por completo as obras homéricas e as narravam em público e de acordo com sua capacidade e elocução, seja nas ênfases ou nos domínios da fala eram premiados e tidos como “especialistas em Homero”.

Com isso que há nessa narrativa um movimento de oralidade duplo, ou seja, um primeiro das histórias que são contadas e se contam, e um segundo onde, depois da obra escrita ela é de novo contada. Seria possível, então, dizer que como narrativas há além do que se conta um destaque numa forma de contar, melhor dizendo, pode-se dizer que paralelo ao fato contado, à narração, às tramas, seu desenvolvimento, sua crise e sua solução, enfim, em todo sua estrutura uma forte caraterística da escrita, de linguagem, de construção desses elementos. Há toda uma forma de falar mais que conteudística, há uma forma que é ao mesmo tempo particular e coletiva, particular porque é pessoal do sujeito que faz a elocução e coletiva porque é compartilhada. É exatamente essa forma, ou seja, a discussão entre o fato e o contar do fato que é nosso foco nesse trabalho, para isso teremos como referência a obra Caim de José Saramago.
Saramago, escritor português contemporâneo é conhecido pela ironia (segundo ele aprendida com Eça de Queiroz), pelo humor mordaz, pelo ateísmo implacável, pela tendência esquerditas e pela grande capacidade de contar histórias dialogando com a tradição e com a cultura ocidental. Há dentre suas obras o romance “a caverna”onde ele para descrever o impacto da economias globais nos pequenos mercados se usa do mito da caverna de Platão e de seus simulacros; Outra obra que permite esse diálogo é “o ano da morte de Ricardo Reis”, no qual ele personifica um dos heterônimos de Fernando Pessoa e o faz circular por Lisboa morando em hotéis e visitando tanto monumentos importantes como fatos importantes da época, assim como receber visitas do já finado espírito de Pessoa que aparece para dialogar com Reis sobre fatos da vida. Nessa mesma via há o recente romance “A viagem do elefante” em que o animal é dado como presente para um rei e sua viagem passando pela europa é contada e mesmo que não haja fatos reais, a não ser alguns nomes reais que aparecem em trechos do livro, é clara a intenção narrativa de reconstrução parabólica de um momento.

Há também o polêmico e talvez mais importante obra do final do século XX que é “o evangelho segundo Jesus Cristo”, onde Saramago reconta a história do novo testamento do princípio ao fim, dando a Jesus o papel de homem, como no trecho: “O filho de José e Maria nasceu como todos os filhos dos homens, sujo do sangue de sua mãe, viscoso das suas mucosidades e sofrendo em silêncio. Chorou porque o fizeram chorar, e chorará por esse mesmo e único motivo.”
O livro, proibido em Portugal, parece ser o exemplo claro do efeito das narrativas numa população ou num estado, nos parece que são essas narrativas que constroem uma unidade de nação, de população, são elas através da língua e da linguagem corrente que formam um povo. O próprio Fernando Pessoa havia dito que “minha pátria é minha língua portuguesa”, então uma obra que venha ferir a tradição, principalmente a bíblia cristã se torna automaticamente uma ameaça a essa unidade.
Outro exemplo se dá em Caim onde Saramago, o “escritor” da narrativa bíblica, resolve começar pelo Éden, por Adão e Eva e pela linguagem. Começar a narrativa pela linguagem, assim como na bíblia começa-se pelo gênesis, pela luz. Não é uma criação aleatória, o próprio Saramago sabia que ao escrever sobre a bíblia estava a reescrever a própria linguagem dela, mergulhar por dentro dos fatos religiosos e tirar dele o que quer que fosse, como no trecho: Evidentemente, por um escrúpulo de bom artífice que só lhe ficava bem, além de compensar com a devida humildade a anterior negligência, o senhor quis comprovar que o seu erro havia sido corrigido, e assim perguntou a adão, Tu, como te chamas, e o homem respondeu, Sou adão, teu primogénito, senhor. Depois, o criador virou-se para a mulher, E tu, como te chamas tu, Sou eva, senhor, a primeira dama, respondeu ela desnecessariamente, uma vez que não havia outra. Ou seja, a linguagem humana, para Saramago foi a maneira de corrigir o erro de ter feitos os homens tal qual a si, só que sem o dom de falar, de narrar, de contar...
No entanto, Auerbach já havia dito no ensaio “A cicatriz de Ulisses” que a Bíblia, por ser baseada num dogma, num modelo de regras a seguir, com uma grande força autoritária que seria seguida através da crença e da fé, é dotada de lacunas, de espaços em branco, sem descrições pormenorizadas, ou caracterizações temporais mais do que as básicas necessárias e justamente por isso permite que se faça interpretações, discursos variados e aferições sobre qualquer dos temas tratados nela.

É nesse sentido que colocamos Caim de Saramago como uma obra precisa que entra em contraponto com a Bíblia e se aproxima do mundo grego. Ao tomar o poder de narrador dessa história, Saramago se dá ao direito de interpretar o livro sagrado, mas não só no sentido de recontar essa história, pelo contrário, ele reconta encontrando as estruturas de poder, mostrando as contradições ali presentes de acordo com sua visão ateísta e assim, preenche as lacunas dando uma visão, uma voz narrativa aos fatos, chegando ao ponto de não permitir em seu livro uma outra leitura àquela que foi feita, assim como Auerbach fala da narrativa grega, onde tudo está explicado, às claras, que lhe dá prazer pelo contar, mas não permite que se faça reparações.
Por isso, dizemos que Saramago se aproxima, talvez, daquele papel do rapsodo, o contador de história, pois ele se torna, ao recontar um fato o homem que toma a frente, sustenta em sua voz a palavra de outro e a conta de sua maneira, com suas inflexões e sua voz, tornando a narrativa viva, e fazendo com que ela tome ou retome sua oralidade primeira, assim, dá vivacidade e traz a ela um gás novo, de discussão, de riqueza e pluralidade que gera polêmica, mas ao mesmo tempo nos reencena um mundo que nos parece antigo e ultrapassado.

terra sonâmbula - o evento narrativo na obra

2010-06-22T00:44:00.004-03:00

Não sei se podemos afirmar que “o narrador” assume um papel preponderante na obra de Mia Couto, mesmo porque para isso teríamos que assumir assim uma noção definida de narrador que geralmente é tido como “aquele que narra, conta, observa uma ação ou situação”. No entanto, é possível que o fenômeno da narração é talvez o principal elemento da obra, pois nele se apresentam diversos narradores e diversas fontes e níveis de narração.

O primeiro deles é, obviamente, o próprio Mia Couto ao escrever um livro sobre anos posteriores à independência de seu país, na língua do colonizador, assumida como língua oficial de Moçambique. Ele faz uma espécie de “narrativa de viagem”, onde personagens circulam pelos espaços e intervém sofrendo/agindo naquele país em situação inóspita e dividida.

O segundo nível de narração é através dos cadernos de Kindzu, uma espécie de diário de viagem, ou diário de bordo, ou ainda uma escrita livre sobre sua vida. Esse nível já interno à obra, expondo um nível metatextual, é conhecido pelo leitor através do terceiro nível de narração: a leitura que Muidinga faz para o velho e analfabeto Tuahir desses cadernos. Ao mesmo tempo, num caminho que leva a outro nível narrativo temos a própria vida de Muidinga e Tuahir, primeiro ao encotrar o caderno no ônibus, depois a circular pelo espaço (sem realmente se afastar do ponto inicial) compondo uma espécie de microcosmos capaz de abarcar todo um complexo de narrativas que juntas pode-se dizer que formam um imenso “mar de histórias”, como foi dito, como se todas essas histórias, que são muitas, infinitas, quase corais, compusessem um todo, ainda que complexo e tensionado, costrutor de uma unidade, que nesse caso pode ser a busca de uma identidade tanto das personagens, como de Mia Couto e até de Moçambique.

Diz-se, então, que há sim um evento narrativo preponderante na obra, que compõe identidades, capaz de nesse imenso mar de histórias infindas compor uma estrutura composta, rica, que os identifica enquanto homens, falantes, seres históricos.

Assim, poderíamos ir mais fundo na obra e ver outras narrativas: a do pai de Kindzu, que contava histórias quando bebia assumindo outra personalidade; o irmão mais novo criado como galinha que “esquece de falar”, perde a voz: a capacidade de narrar; o professor de muidinga, fazendo a ponte da elita culta, talvez da colônia; o indiano da loja que mostrava “o outro lado do mar” para Muidinga: a visão do outro, do estrangeiro. Enfim, tomando a voz, o ato de narrar como elemento dessa obra, pode-se observar que esse evento narrativo se desdobra e se constrói, é um todo de uma terra que dorme, embora acordada ande, essa terra sonâmbula que fala, uma terra de tradição oral que escreve para tentar sobreviver.

Aqui vai o link do ebook grátis, caso alguém tenha interesse: Terra Sonâmbula

rock'n'roll, uma crítica

2010-06-17T22:11:00.001-03:00

Era uma sexta feira e o teatro Villa-Lobos estava com metade das cadeiras ocupadas para assistir “Rock’n’roll”, espetáculo de Felipe Vidal e Tato Consorti, a partir da obra do Tcheco Tom Stoppard. As cortinas se abrem e logo se pode ver na frente do palco aquela transparência para projeções que é tão comum no teatro contemporâneo, explicando do que se trataria a peça que iria começar e claro, ao som daquilo que já se esperava: o rock. Essas projeções parecem ser a tecnologia que substitui o programa, aquele livrinho que ganhávamos na entrada do teatro e nos trazia a sinopse, a ambientação histórica, a ficha técnica, alguns comentários e os patrocinadores, Essa projeção, além disso tudo, aparecia a cada mudança de cena para nos contar o ano, nos tocar uma música e nos mostrar imagens do tempo histórico em que as personagens viviam.
A peça é sobre a invasão da União Soviética na Tchecoslováquia, desde a Primavera de Praga até a Revolução de Veludo pela perspectivas de dois personagens chave: o idealista Jan e o comunista Max. Jan é um jovem e Max um professor, ambos da Universidade de Cambridge. Então era de um lado o comunismo, e sua utopia e do outro o reformista e sua liberdade. Eis a sinopse da peça.
Na cena o que se via era um espaço cênico vazio que era ocupado por praticáveis móveis com os ambientes de sala, quarto, varanda, muros, trazidos e trocados no fundo do palco a cada mudança de espaço e tempo. Interessante ressaltar que as cenas não eram somente representadas nesses ambientes, mas também fora deles, no próprio palco nu, onde nada havia, o que fazia com que os espaços se expandissem, assim como a capacidade de movimentação dos atores.
Entretanto eles não tinham muito que se mexer em cena já que o texto é um palavrório numa tentativa de realismo, mas que se transforma numa discussão de filosofias, idéias e maneiras de viver, como se o dramaturgo tivesse posto “um tipo de cada perfil” que vivia na época. Esse mar de palavras sem fim, muitas vezes nos fazia olhar ou a beleza das atrizes ou as rugas de Otávio Augusto, pois lhes era pedido um realismo não mais possível de ser feito, que soa falso e ao invés de atrair, dispersa. Por outro lado, esse esforço não deixou de capturar todos os elementos, tensões e sutilezas que nos parece ter sido a intenção de Stoppard, o que não deve ter sido um trabalho fácil de escrita.
Tiago Fragoso nos traz para perto da parte ideológica, utópica e roqueira da cena, pois não são raros os momentos em que ele apresenta discos, ou cita bandas como The Plastic people of the universe, ou The Dorrs, Pink Floyd, Stones, etc. Gisele Froes consegue captar a parte reformista alienada pelo excesso de uso de drogas com humor trágico que mostra esse paradoxo inerente ao momento, apesar de em alguns momentos não passar de própria caricatura. Otávio Augusto, seguro na sua dureza faz um contraponto interessante como Froes e Fragoso, formando um trio que em cena atrai.
Não se pode, no entanto, analisar “Rock’n’roll” sem falar da música. Esse é o aspecto que, de certa forma, é a chave para a compreensão da encenação. Sem a levarmos em conta a leitura do espetáculo fica realmente reduzida a essa tentativa fracassada de realismo, e disso posso dizer, pois quando assisti o som falhou em todo segundo ato e foi essa impressão que chegou até à platéia, porém, voltando e assistindo novamente o espetáculo foi possível perceber que a música trabalha no espetáculo como elemento que traz a memória para a cena. Como se houvesse uma memória a ser compartilhada entre atores e platéia, entre cotidiano e arte, entre vida e política e nada melhor que o rock’n’roll para nos mostrar isso, principalmente porque o rock não deve ser somente lido como gênero musical, mas como formação de uma nova estrutura social. Para os comunistas, incapazes de perceber essa sutileza, os roqueiros eram somente jovens incorporados ao sistema, ao espetáculo que assim o eram para vender mais discos e comprar mais drogas; Para a burguesia era uma ameaça a essa estrutura quase aristocrática, sem misturas.
Visto assim, à distância pode-se dizer que o espetáculo não é o melhor lugar para se passar três horas de uma sexta-feira, mas é sim um excelente lugar para reflexão de momentos importantíssimos tanto politicamente como culturalmente que ainda continuam sendo levados em conta nos dias atuais. No fim, é uma boa experiência. Cheguei a dizer a uns amigos que com tantas camadas de possíveis abordagens do espetáculo, ele não se torna uma torta deliciosa, mas uma broa comum, morna, mas que serve para um café.

anti-dinheiro grátis - uma crítica

2010-06-17T22:08:00.003-03:00

Anti-dinheiro grátis é a remontagem de Dinheiro-grátis, segunda parte da Trilogia Brasileira conjunto de três peças do ator/poeta Michel Melamed,que inclui “regurgitofagia” e “homemúsica”. Na primeira montagem de Dinheiro-grátis, o público era pedido, solicitado, elogiado, flertado, agradado, coagido e psicologicamente torturado a doar algum dinheiro que iria para uma cartola no centro do palco que no final seria queimado num momento ritualístico, quase catártico onde talvez se espurgaria os males e a sacralização do papel-dinheiro. Tudo no melhor estilo Melamed, cheio de humor, sarcasmo e ironia.

Entretanto, a peça foi divulgada como “anti Dinheiro-grátis”, o que teoricamente não seria o oposto do Dinheiro-grátis, mas uma negação dele, como um duplo, um outro, ou o mesmo às avessas. Foi exatamente o que se pode ver. Antes do espetáculo se é oferecido a fumar no palco por alguma quantia em dinheiro, uma vez que no palco se pode fumar, na platéia não. Ao lado da cartola, um pouco mais a frente está um pote de água daqueles de cachorro e do outro lado o cinzeiro. Melamed está pela platéia pedindo dinheiro, quando pede para uma senhora uma moeda de um real e ela oferece um centavo; é quando Melamed toma o canto da cena, no fim das escadas que dão acesso e faz um discurso anti-um centavo alegando que um centavo não é dinheiro, é “baixo astral”, e nos faz (novamente) de um jeito ritualístico nos livrar das moedas, fazendo com que juntos as joguemos no palco, incluindo agora moedas de outro valor.

O espetáculo se inicia, no molde do dinheiro-grátis, numa simulação de um show de hip-hop, aos gritos de “vai tomar no cu, PAZ”, e mergulha numa reflexão sobre fatos básicos da vida, coisas que não dependem do dinheiro para a existência como “Matar ou morrer? Matar, vamos matar, sair na Graça Aranha degolando todo mundo. Morrer, vamos morrer, não vale a pena viver, vamos morrer.”

Enfim, há o correr de um texto que passeia entre o poético e o descontraído, o reflexivo e o humorístico até que culmina na parte em que seria a deixa para a entrada no fim do espetáculo, na parte do dinheiro-grátis. É quando Melamed pergunta: “Cadê os miseráveis daqui?” Todos gritam afirmativamente, daí ele diz: “E desde quando miseráveis vão ao teatro?” Todos caem no riso, inclusive eu, e ele manda: “Não é esse o teatro que eu quero fazer”. Na mesma hora, um outro tom toma o espetáculo, primeiro vindo da platéia que se sente culpada por ter rido. A partir daí Melamed volta com uma mesa, e sentado em forma de aula teórica, crônica, simpósio, faz um exercício de refletir sua própria obra e tentar observar a partir da trilogia qual o teatro que ele gostaria de fazer, qual teatro ele havia sonhado e qual ele havia conseguido e principalmente, qual o grau de satisfação que havia naquele teatro, enquanto que no fundo numa projeção passam trechos da primeira montagem, sem o anti. Num breve texto sobre o amor, num tom seco, Melamed chega a dizer: “o amor te come e arrota na tua cara.”
Pode-se dizer que Michel Melamed conseguiu amernizar o efeito ritualístico daquele final, conseguiu tirar algo que começa como uma forma de contestação mas que logo depois, como qualquer outra obra, é absorvida e transformada em carimbo, tatuagem e prende à obra tornando o próprio autor refém de si mesmo, pois o que acontece é que a queima do dinheiro se torna o elemento mais importante da obra, então mudar esse final para uma parte reflexiva é uma forma de burlar esse efeito.

Pouco depois, ele se levanta, agradece e sai. Grande parte da platéia não entende que é o fim, não consegue aplaudir, muita gente fica revoltada, pois espera de Melamed outra coisa, humor, charme, ironia, e é isso que ele tira da platéia que agora sente raiva. Algumas pessoas chegam a ameaçar querer pedir o dinheiro de volta, outros querem esperar para conversar com ele, mas no fim, se rendem pois a semente reflexiva já estava plantada. Passeando por blogs à procura de opiniões, encontrei duas: uma positiva e outra negativa, fazendo um bom contraponto para reflexão. Eis: http://amycouto.blogspot.com/2009/06/eu-nao-faco-silencio-porque-amo-tudo.html - http://futurosamores.blogspot.com/2009/06/eu-nunca-fiz-critica-de-teatro-mas.html

No fim, a impressão é positiva, mas a sensação não, pois a reflexão que chega num embate violento com a emoção é quase um estupro, é como uma flecha apontada para gente, mas que apesar de todos os sentimentos que sentimos, é absolutamente importante, e mais, é talvez essencial.

A Marca do Zorro - Teatro em Luta

2010-06-17T15:54:00.006-03:00

SINOPSE:

"O espetáculo protagonizado por Priscila Fantin e Thierry Figueira é baseado na história do justiceiro mascarado, que tenta livrar o povo mexicano da tirania espanhola nos idos de 1843. Obrigados a roubar o ouro de suas próprias terras, os mexicanos descobrem um herói misterioso, em uma trama de ação, romance e aventuras.

A peça traz um elenco de 20 atores, que encenam lutas de esgrima e dança flamenca. Os integrantes passaram por nove meses de preparação para a montagem, com aulas de ginástica olímpica, parkour e dança. O figurino, assinado por Flavio Graff e Ronald Teixeira, inclui xales trazidos de Madri, espadas francesas e sapatos especializados para a dança flamenca."

Sinopse - rio show - o globo

Foi sem nenhuma expectativa que entrei no Teatro Dom Pedro para assistir “A Marca do Zorro” espetáculo com texto e direção de Pedro Vasconcelos, direção musical de Bruno Marques com Priscila Fantin, Thierry Figueira, Tadeu Mello, Gaspar Filho, Arthur Brandão, entre outros no elenco. É nesse sentido que posso dizer que a peça atingiu a mim num movimento cheio de contradições e paradoxos indissolúveis que agora pretendo tentar expor, como integrantes da interação que sempre se faz com um obra.
Primeiro, trabalhar o tema do Zorro trouxe um amontoado de clichês: a visão que se tem do México, um excesso na dramaticidade do texto, da criação das personagens, na elaboração da direção, das danças, do figurino, da luz, ou seja, uma redução e simplificação da complexidade que seria o tema para uma maior facilidade no contato com o público.
Segundo, o excesso de atores globais que parecem atuar no teatro como o fazem na televisão, vestindo-se de si mesmos e superinflando esse “eu-televisivo” para que junto com a personagem sejam também vistos como estrelas daquele evento. Então, temos um Thierry Figueira fazendo um Zorro ou excessivamente heroico ou uma bichinha afetada digna de Zorra Total ou um Priscila Fantin tal qual na personagem de Alma Gêmea fazendo a heroína frágil, mas heróica, com roupantes de lutadora, ou um Tadeu Melo, magro demais para um Sgto Garcia precisando se esforçar excessivamente com seu talento humorístico para manter o tom que lhe sempre é requerido.
Terceiro, uma direção que prima justamente para ressaltar esses elementos. Um elenco de apoio que parece estar numa espécie de sombra, num efeito esquisito de “chiaroscuro” com os principais, sempre dois passos atrás da boca da cena. Há também um excesso de entradas na platéia, numa tentativa de interação que, na verdade, constrange e não permite interação nenhuma. Ora, muito se poderia dizer nesse sentido, uma vez que todos os elementos parecem corroborar essa intenção da direção: desde o figurino, a luz e até a cenografia.
Entretanto, o espetáculo se torna no seu decorrer uma excelente forma de entretenimento. As constantes batalhas muito bem ensaiadas e os temas e tiradas humoradas mantém a atenção da platéia a todo instante, tal qual num filme blockbuster. A platéia acostumada com esse tipo de interpretação entra na obra com facilidade e se mantém nela com sorrisos, risadas, com uma satisfação aparente durante e após o fim do espetáculo quando comentam do belo momento que tiveram. Não podemos, então, de maneira alguma dizer que “A Marca do Zorro” não cumpre uma função, pode não ser a mais nobre, pode não ser das melhores. Pode até ser um pouco covarde dar ao público o “mais do mesmo”, mas mesmo assim esse paradoxo indissolúvel está posto. Apesar dos problemas, um bom teatro não se faz de uma paz? Será que todo bom teatro tem que estar num constante embate com seu público? Não sei, talvez sim, mas naquele dia não foi essa a questão.

Para quem quiser, a crítica da Barbara Heliodora:
Crítica "A marca do Zorro"

Hotel Lancaster - Bortolotto/Loureiro

2009-04-13T03:08:00.003-03:00

http://www.youtube.com/watch?v=h41XdpBheus

"O diretor foi muito glamourizado. Essa figura do diretor foi muito glamourizada. Viraram uns pais de santo de quinta categoria querendo ensinar coisas pra todo mundo."
sérgio mastropasqua

House M. D.

2009-04-01T01:12:00.001-03:00

Quase nunca critico aquilo que não domino. Na verdade, é raro quando me dou o direito de criticar alguma coisa, geralmente reajo e afronto de cara sempre para evitar que eu realmente critique, porque aí vou entrar em contato não só com outra coisa externa, que é uma obra, como também com uma coisa interna que é o que ecoa em mim a tal obra. Por outro lado, sempre que paro para fazer uma crítica é porque de algum modo algo escapou daquilo que presenciei, como se por um segundo eu perdesse as velas de meu barco enquanto olhasse um pássaro e quando volto a olhar está tudo igual e normal, mas ali algo estranho aconteceu. Depois de ler tantas nerdisses sobre a significação de uma obra de arte, ou tal que a compare, cheguei a conclusão de que o que significa é a ponte entre o que me faz rir/chorar como idiota, entender como nerd e principalmente, não entender como coisa que faz parte de um jogo.
É por isso que eu vim tirar as moscas do oucritica para falar do House. Essa série chegou até mim não sei por quais motivos, talvez porque eu estivesse sozinho demais morando sozinho, talvez porque tenha ouvido falar em algum lugar, só sei que chegou e a partir daí muita coisa se mexeu (porque óbvio vou concluir dizendo que nada nunca muda). Eu sempre disse que adoraria ver um BBB que tivesse um judeu, um padre, um nazista, um negro, um gay, um corinthiano, e assim por diante, porque são essas grandes diferenças e essas grandes discussões que podem transformar o mundo, não uma maneira de se encobrir grandes questões, porque de certa forma o que pode se mover não é deixar assentar e fazer com que aceitem opiniões, mas pelo contrário, é se discordar e mesmo assim respeitar, é não querer perto mas entender que aquela pessoa pode e deve ter o direito de falar e pode e deve querer ter direito de ter razão, assim como eu tento fazer agora e assim como todos deveriam fazer. Não é só respeito, é entender que alguém tem tanta razão quanto eu e por isso não tem porque eu ataca-la nem ela a mim. Para isso é preciso aprender a manter distância.
Quem assiste House provavelmente sabe que eu já estou falando bastante da série, quem não assite deve estar achando que eu estou falando coisas sem sentido e não chegando a lugar algum. Porém, agora chego ao ponto: Por que House é o que é, é quem é, e faz o que faz? Porque ele sabe manter essa distância. Ele não é ateu, ele sabe que deus não existe, mas mesmo assim tem baixa tolerância aos ateus. Não é que ele não acredite no amor, ele não acredita na capacidade libertadora que todos atribuem ao amor. Não é que ele não se importe com as pessoas, ele não se importa com o que as pessoas querem fazer para que os outros vejam que elas estão fazendo.
O que David Shore conseguiu fazer com maestria é inventar um personagem que é capaz de manter toda a distância em relação aos outros, colocar perto dele uma equipe que faz essa distância aparecer, e fazer um desfile de personalidades meticulosamente analisadas e, por fim, infinitos casos de personalidades humanas para serem analisadas, assim como eu dizia que gostaria de ver no BBB. Assim, a série se torna absolutamente sedutora, como se todo o arsenal humano passasse por ali, em vinte e quatro episódios por temporada, como se a vida de todos pudesse mudar, e por mais que a série tente mostrar como as coisas avançam, no final sempre fica aquela sensação de que nada nunca jamais vai mudar.

Teatro - A Ordem do Mundo

2008-07-21T14:59:00.007-03:00

Espetáculo de muitos erros e poucos acertos sufoca direção e interpretação de conteúdo

A Ordem do Mundo, apresentado nesta quinta-feira 17 no Teatro Sesc Quitandinha, é o primeiro espetáculo do Festival de Inverno de Petrópolis e, tendo a incumbência de inaugurar o recém adquirido teatro do Sesc, deixa muito a desejar.

O cenário de Fernando Mello da Costa é grandioso e demasiadamente inútil, sendo a maioria dos elementos pouco usuais e sem razão aparente, criando assim um ambiente vago. O figurino de Marcelo Olinto é pobre e simples, porém não condizente com as performances da atriz. A iluminação assinada por Maneco Quinderé é agradável, correta e eficiente. Por fim, a trilha sonora de Marcelo Neves não diz ao que veio. Em alguns momentos é belíssima, no entanto, é mal organizada em relação ao espetáculo.
Evidentemente o maior erro de A Ordem do Mundo é o texto insosso de Patrícia Melo. Na realidade, não existe ação nem oportunidade para que esta se realize. Trata-se apenas de uma mulher reclamando da vida. Segundo a programação do festival, "aborda questões existenciais do ser humano contemporâneo sob a visão feminina", o que não deixa de ser verdade, no entanto, a encenação se resume a isso. O texto é muito solto, com bons argumentos pincelados vez ou outra.

A direção de Aderbal Freire Filho é interessante, contudo não há espaço para uma melhor apresentação, já que características básicas de um espetáculo foram corrompidas (como o texto e o cenário). Ou seja, a impressão que fica é que a direção está inacabada.
O mesmo acontece com a interpreção de Drica Moraes. Sufocada, não tem recursos para que leve seu trabalho adiante. Sua personagem, muito bem criada, se limita a fazer piruetas e contar piadas. É uma pena que uma atriz de seu nível seja tão mal aproveitada.

Apesar de tantos erros, no final das contas o saldo é razoável. Não existem motivos para que este texto seja levado aos palcos. Por ter uma boa intenção, A Ordem do Mundo deveria ser uma conferência e não um espetáculo teatral.

Nota: 4,5

perfume e estômago

2008-05-27T21:20:00.005-03:00

Uma coisa comum na arte já há algum tempo, mais ou menos da década de 20 do século passado pra cá, é a tentativa de se abandonar uma racionalidade na arte em prol de uma sensitividade. Abandonar uma idéia de máquina, de reprodução de massa, por uma arte baseada no sentir, na experiência física e corporal, através dos sentidos.

E é comum também essa idéia passar a ser vista como uma importante forma de viver, ou lidar com a vida, ou de sobreviver à vida, ou até como uma coisa que deve ser apreciada e valorizada pela vida. Nesse sentido, temos o livro “perfume – história de um assassino” de Patrick Sussekind, que apesar de contar sobre um ou dois séculos anteriores, retrata essa idéia. Fala de um menino q nasce em meio a Paris cheia de cheiros e se torna um grande perfumeiro. Em 96 esse livro foi adaptado para o cinema por Tom Tykwer e merece destaque.

Falei disso porque hoje assisti “estômago” de Marcos Jorge (2007) e o filme fala de um homem que a partir do aprendizado da culinária consegue emergir na vida, sobreviver às diversidades, arrumar uma mulher, no caso uma prostituta, que o leva para a cadeia, onde ele também usa do talento da comida para chegar a uma liderança. E nesse sentido, o paladar dele, dos outros é um instrumento de poder, de dominação e até de intimidação. Por isso que tenho muitas ressalvas sobre esses movimentos que falam do etéreo, e da vida, dos sentidos, da sensibilidade, dependendo do discurso que venham com eles, e dependendo da forma como são levados, podem ser até mais autoritários que outros movimentos.

Ps: a ruiva desse filme é sensacional.

Ps2: é interessante os nomes dados aos dois filmes: “perfume” e “estômago”, como também o fato de nos dois filmes acontecerem assassinatos, causados pelos prazeres e volúpias dos sentidos. É para pensar.

John Lennon - Plastic Ono Band (1970)

2008-04-02T22:40:00.002-03:00

"John Lennon/Plastic Ono Band" é o primeiro álbum solo de estúdio do ex-Beatle John Lennon. Antes dele, John havia lançado um álbum ao vivo com a Plastic Ono Band, supergrupo de rock com influências de arte vanguardista que teve, entre outros, em sua formação, os bateristas Ringo Starr e Alan White (Yes) e Eric Clapton, e também lançado outros três álbuns experimentais gravados com sua namorada Yoko Ono, incluindo "Unfinished Music No. 1:Two Virgins", cuja polêmica e famosa capa retrata Lennon e Ono nus, e que teve muitas cópias apreendidas por terem sido consideradas "obscenas", e as que não foram apreendidas foram vendidas em envelopes de papelão. Todos esses discos foram lançados antes da separação dos Beatles, mas já eram projetos-solo de Lennon.

John teve uma infância dificílima, tendo sido criado por sua tia Mimi, já que seu pai, que era marinheiro, abandonara a família quando John era muito novo, e sua mãe, Julia, fora morar com um namorado, que tinha como condição que seu filho John (com cinco anos na época) não fosse morar com eles, e por isso, Julia deixara John com sua irmã Mimi. Embora visitasse a casa de Mimi sempre, Julia era mais como uma irmã mais velha do que como uma mãe para John, o ensinando a tocar o banjo, e apresentando a ele o Rock n' Roll de Elvis Presley. Como se isso não bastasse, durante a adolescência de John, sua mãe Julia morreria atropelada por um policial bêbado a caminho da casa de Mimi, onde visitaria John. O menino nunca superou o trauma triplo de primeiro ser abandonado pelo pai, e depois de perder a mãe duas vezes, e cresceu um adolescente amargo, violento e infeliz.

John e Yoko, logo após o fim dos Beatles, em 1970, decidiram experimentar a "Terapia Primal" do Dr. Arthur Janov, que prega que para que o paciente consiga superar seus traumas, ele deveria entrar completamente em contato com suas tristezas e traumas mais profundos, e regredir a um estado mais primitivo, simples e sincero, quase infantil, para então abraçar essa tristeza e viver toda essa dor, ao invés de se reprimir ou se fazer de forte, pois fazendo assim, absorvemos essas coisas ruins, e agregamos à nossa personalidade todas essas emoções, gerando um acúmulo de tensão na nossa vida, nos deixando amargos, mal resolvidos ou "bloqueados emocionalmente".

John decidiu fazer de seu novo disco um veículo para sua catarse emocional, tratando abertamente de temas pessoais, expondo seus sentimentos, medos e dores de uma maneira quase confessional, com a esperança de superar seus traumas, e se libertar.

O álbum tem uma sonoridade crua e simples, na maior parte das vezes contando somente com a guitarra ou piano de John, o baixo de Klaus Voorman (amigo pessoal dos Beatles desde a época de Hamburgo, que inclusive desenhou a capa do disco Revolver), e a bateria (muito bem tocada, por sinal) de Ringo Starr. Os arranjos são muito simples, quase que como se tivessem sido feitos assim para que o ouvinte preste atenção nas letras e na voz de John, que passam com muita sinceridade e intensidade seus conflitos e dores. Incrivelmente, o álbum foi produzido por Phil Spector, famoso por seus arranjos grandiosos e densos, com muitas "camadas de som", por isso chamados de "Wall of Sound" (Phil recentemente esteve em destaque devido a acusações de homicídio).

A primeira faixa, "Mother" é com certeza a tradução de sentimentos para a linguagem da música mais sincera e profunda que já ouvi na vida. Ao ouvir John destruindo sua garganta gritando repetidamente do fundo do peito "Mama don't go! Daddy come home!", e conhecendo a história de vida de Lennon, é impossível não ficar com os olhos cheios de lágrimas, e reconhecer naqueles gritos um menino carente que só quer o carinho e atenção dos seus pais.

O disco segue com a otimista "Hold On" (cookie!), e a raivosa "I Found Out", que conta com um vigoroso trabalho de bateria de Ringo Starr.

A quarta faixa, "Working Class Hero" é uma das mais conhecidas do trabalho de Lennon, contando somente com John e seu violão, cantando contundentes letras abertamente políticas que influenciariam o movimento punk mais tarde naquela década. Outra curiosidade sobre ela é que foi uma das primeiras músicas a conter a palavra "fuck".

O álbum continua com a depressiva e emotiva "Isolation" e "Remember", com seu ritmo hipnótico, piano sólido, introdução quebrada, e seu final inesperado, onde John evoca Guy Fawkes e a "conspiração da pólvora", terminando a canção com a frase "remember, remember, the fifth of november" (quem tiver visto o filme "V de Vingança" sabe do que estou falando) e uma explosão que faz os desavisados saltarem da cadeira (vocês leitores da Concha considerem-se avisados).

Em seguida vem a simples, irresistível e doce balada "Love" que começa com um fade-in do piano (curiosamente tocado por Phil Spector), e possui uma harmonia muito bonita. "Well Well Well" dá continuação ao disco com seu som pesado e raivoso, além de mais gritos destruidores de garganta de Lennon.

"Look At Me" lembra "Dear Prudence" e "Julia" (ambas do álbum branco dos Beatles) pelo dedilhado do violão (que John aprendeu com Donovan em 1968, em sua estada na Índia com os Beatles, para o estudo da Meditação Transcedental) e conta com letras introspectivas, embora seja no final das contas uma balada de amor.

"God" é a penúltima faixa do disco, e como o título sugere, se trata de religião. Ela é um manifesto onde Lennon diz não crer na existencia de Deus como uma entidade, e que as pessoas dão importância grande demais à "entidade" e de menos aos ensinamentos morais, que seriam o que importa de fato na religiosidade. Em seguida, ele lista diversos ídolos em que não acredita (incluindo aí Jesus, Hitler, Elvis, Buda, Kennedy e até mesmo os próprios Beatles, o que foi um balde de água fria para aqueles que tinham esperança na volta dos Beatles), e diz somente acreditar em si mesmo e em sua esposa, Yoko Ono.

Essa canção contém o famoso verso "The dream is over" que sintetiza o sentimento de fracasso dos idealistas da geração dos anos 60, que queriam mudar o mundo, e se viram fracassados e impotentes.

Billy Preston (que morreu ano passado) toca piano nessa faixa (ele tocou em algumas gravações dos Beatles e na All-Starr Band de Ringo).

O álbum termina com a pequena e mórbida "My Mummy's Dead", que é a única música do álbum que eu não gosto (por causa da morbidez e sonoridade sombria que me dão certo mal-estar).

A reedição do álbum em CD conta com duas faixas bônus que eu não vou comentar pois destôam completamente do álbum, que nesse caso não é só uma compilação de músicas, mas sim um conjunto maior, com uma mensagem e conteúdo coerentes.

Plastic Ono Band é na minha opinião o melhor álbum de John Lennon. É minimalista, sincero, cru, emocionalmente doloroso. É Lennon se despindo, traduzindo todos os seus traumas e sentimentos na íntegra em forma de música.

Os pontos altos do álbum ficam por conta do grito desesperado pelo amor materno de "Mother", a politica e contundente "Working Class Hero", a linda "Love", e a polêmica "God".

Link para baixar o álbum:

http://z33.zupload.com/download.php?file=getfile&filepath=6999 - Link tirado da comunidade "John Lennon Brasil" do Orkut.

Por Jayme Monsanto

macbeth

2008-03-14T19:51:00.004-03:00

Ontem após minha aula fiquei para assistir a montagem de “Macbeth” de Shakespeare com direção de Tatiana France. A diretora no programa da peça diz:

“Partindo de uma plasticidade construída sobre escombros e com materiais reciclados, a montagem revela o quanto essa estória ainda nos diz respeito; espelhando nossa sociedade contemporânea, fundada sobre esta tradição bélica, imperialista e preponderantemente masculina. Através dela é possível enxergar a violência que se perpetua ainda hoje nas diversas formas de civilização.

Shakespeare apresenta uma radiografia da alma fragmentada de seu herói, fazendo-nos ver a crueldade desmedida a que podem se estender gestos e atitudes motivadas pelo desejo de poder. Assim, sua vertiginosa tragédia possibilita um olhar agudo sobre as mais sombrias graduações da extensa palheta de ações humanas.”

Vamos por parte, creio que esse introdutório faz algumas generalizações, apesar de eficiente no argumento de “por que Macbeth hoje?”. O que vejo na obra não tem a ver com uma força imperialista ou masculina, muito menos numa fragmentação da alma. O homem Shakespeareano ainda é movido pela moira, ou “o destino”, que agora já é incerto, ou abalado pelo começo de uma percepção de uma noção de individualidade, de mundo interno do ser humano, fato que, no entanto ainda não se concretiza porque as ações todas são movidas por ações externas: “vingança, honra, ambição”.

Sobre o espetáculo podemos ressaltar algumas muitas qualidades: o espaço cênico e o cenário que muito bem trabalhados passam a ser a principal atenção, no melhor molde de Zé Celso em algumas obras, como em boca de ouro. Somente aquelas pedras no chão que, por atrapalharem a mobilidade dos atores, faz com que eles muitas vezes interpretem somente da cintura pra cima, ou seja, com um peso nas pernas, ou pelo menos prestando demasiada atenção nesse aspecto.

A adaptação do texto é coesa, sem demasiadas sínteses e com espaços para lampejos de meta=teatro e auto-consciência artística. A direção, apesar de querer mostrar que muito se sabe e muitas vezes misturar linguagens em excesso sujando a cena, na maioria das vezes acerta e leva a obra a momentos de êxtase, como na cena em que as bruxas ao fazer a bruxaria cantam um funk, ou quando nos “delírios” ou divagações de Macbeth tudo é bem marcado, abrindo as portas realmente pra um outro mundo, ou sub-mundo, numa superposição de mundos.

A iluminação é bela, com momentos mágicos juntos com a segura e não apenas decorativa trilha sonora. O grande problema, a meu ver, ainda são os atores, que parecem não conscientes ainda do verdadeiro lugar onde se colocar, parecem ingênuos, excessivamente aprendizes e desconcentrados. A impressão que se tem é que eles tem um grande trabalho de corpo, mas não conhecem muito bem o espaço, conhecem o “em si”, mas não interagem com o em volta, por isso, que as melhores em cena são as bruxas, que por estarem quase sempre penduradas, mostram segurança e habilidade. Jean Bodin está bem em Macbeth, assim como Francisco Taunay, Lucas Castelo Branco e Manoel Puoci que correspondem aos seus papéis com bastante eficiência.

De resto, pode-se dizer que é um espetáculo bonito, que deve ser visto, que faz jus a Shakespeare e ao teatro brasileiro na maior parte dos momentos, se é que isso é possível. De qualquer maneira, merece ser visto, pois traz pra gente muitas reflexões sobre um mundo que a gente muitas vezes não conhece, um mundo estranho que nos expõe e nos leva a situações que não queremos. Ou será que somos nós que nos levamos? O espetáculo fica em cartaz até semana que vem, no teatro da unirio. Assistam. Aprovei!

taça guanabara 2008

2008-02-25T23:24:00.002-03:00

Ontem, final da taça Guanabara, flamengo e botafogo, maracanã lotado. Tento falar deixando de lado o fato de ser flamenguista, sabendo que não deixarei de todo, obviamente. O jogo começa equilibrado, o flamengo tem mais a posse de bola, domina o jogo nesse quesito, uma vez que dominar o jogo não é ficar mais com a bola, assim como não se segura uma namorada estando 24 horas ao lado dela. O botafogo joga muito mais bonito, tem um meio de campo que, apesar de menos talentoso, trabalha com mais eficiência e porque não dizer, como mais arte. E nesse equilíbrio é que tudo segue, sem domínio, um mais eficiente, outro mais belo.

Numa jogada individual, bonita, o botafogo abre o placar e o flamengo fica um tempo perdido em campo, mas logo depois o equilíbrio é retomado, daquela mesma maneira de antes. O primeiro tempo termina e como se sabe, o flamengo voltará outro, isso é algo a temer. Como também se sabe, o botafogo e a arte têm problemas emocionais e são inconstantes, e isso também é algo a temer.

No segundo tempo o flamengo começa com tudo, partindo pra cima, com uma eficiência e objetividade impressionantes, chegando até a ser belo de outra forma, uma beleza as avessas típica do rubro-negro, porém ainda com problemas de finalização. O botafogo encurralado começa a perder o controle, fazer faltas aqui, ali, o goleiro mostra-se nervoso, até que um lance de falta ao lado da área um zagueiro praticamente arranca a camisa do jogador do flamengo. Dirão: “quase não se marca pênalti nesses lances”, direi eu: “mas o juiz já havia reclamado umas duas ou três vezes, e já havia dado falta de ataque do flamengo em alguns lances assim durante o jogo.”

Depois disso o botafogo acaba de vez, o atacante Souza vai buscar a bola, numa provocação que deve ser recriminada, mas os jogadores do botafogo destemperados caem. Souza e Zé Carlos são expulsos, quando quem deveria ser era o goleiro Castillo, sendo até um benefício para o botafogo. Logo depois Lúcio Flávio faz uma falta grave e é expulso, numa falta q não precisaria nem ter cartão amarelo pra ser expulso.

O flamengo, que manteve-se calmo, apesar de jogar menos bonito, menos espetacularmente, e por isso, sabendo que poderia perder, sendo mais humilde, ou então, colocando-se mais em seu lugar – ele acabou por dominar o jogo, agora de vez com mais um, e a culpa não é do juiz, não é do flamengo, é do próprio botafogo. É como se eles tivessem numa tragédia grega, avisassem o que aconteceria e fossem atrás do seu destino sem conseguir muda-lo.

Um gol aos 46 do segundo tempo, título para o flamengo num dos melhores jogos que eu vi nos últimos tempos. Não precisava de choro, de reclamação e de nada disso, precisava de um psicólogo e de voltar a treinar para continuar um caminho que desponta como algo que tende a brilhar. Só acho uma pena uma coisa: a arte mais uma vez perde, o futebol mais bonito acaba prejudicado. O botafogo merecia ganhar, mas não assim na base das lágrimas, mas quem disse que o futebol alguma vez já foi justo?

Sopor Aeternus

2008-01-17T12:12:00.001-02:00

"Sopor Aeternus & The Ensemble of Shadows é o nome de uma banda alemã de darkwave. A sua sonoridade traz incorporado influências das bandas eletro-góticas alemãs da década de 80, bem como, um forte apelo instrumental.
A postura fechada do vocalista escolhendo pelo anonimato, a recusa de se apresentar ao vivo, e a escassez de informações tornou praticamente impossível separar a verdade da mera especulação quanto a sua origem.
Numa rara e exímia demonstração de verdadeiro talento, o vocalista é capaz de cantar com vozes masculinas e femininas. O diferencial está na sua acentuada gravidade fúnebre, com vozes que variam de um tom provocativo a lamúrias.
Os temas das músicas incluem a morte, a sexualidade conturbada do vocalista, religiosidades pagãs, suicídio, sadismo entre outros.
A obsessão pela morte está no nome da banda desde o início — sopor aeternus, significa "sono eterno" em latim Seguindo de perto a temática da morte, as canções da banda abordam de forma intimista e pessoal os conflitos do vocalista com sua sexualidade . Seu nome verdadeiro é segredo, sendo "Anna-Varney Cantodea" um pseudônimo.
Em suas fotografias Varney predominantemente aparece nu. Sua área genital é trabalhada em computador, freqüentemente figurando uma vagina, ou simplesmente ausência de órgãos genitais. Correram boatos de que teria nascido intersexual. Sabe-se atualmente que isso não é verdade. Anna-Varney nasceu homem, e disse a revista alemã de metal Witchcraft que o motivo de ser trabalhada em computador, ao invés de se transformar cirurgicamente em uma mulher, está relacionado a conflitos espirituais decorrentes do procedimento."

Fonte: Wikipédia.

Quem não está acostumado com o cenário " underground" da música, principalmente o cenário "dark", pode até achar chocante, ou quem sabe, clichê essa história do " vocalista-deprimido-mal-resolvido-sexualmente-cantor-gótico" como vemos muito por aí.
A razão que me faz perder tempo fazendo uma crítica de uma "banda de um integrante só" sem entender tecnicamente de música, é simples.Varney consegue trasformar o grotesco e assustador em pura poesia.
O que normalmente seria uma "música de malvadinho" se transforma numa emocionante viagem à própria alma, passando por nossas mais profundas angústias e tristezas. É dessa forma que Varney nos toca. Sua dor e voz preponderam sobre seu aspecto desprezível, e por um momento, desejamos conhecer muito mais a fundo esse conturbado e envolvente ser.
A aparência de Varney é impactante. E talvez seja uma forma de selecionar seu público. Mesmo os amantes das vertentes góticas da arte se surpreendem com a imagem de Varney. Suas fotos são quadros marcantes, difíceis de esquecer.
Varney é performático. O personagem criado pela mente caótica, aparece em suas letras; doce e solitário.
Varney é a voz de uma minoria perturbada, extremamente sensível, apática, depressiva e incomunicável. Há uma beleza mórbida, díficil de ser enxergada pelos adeptos do comum.

Para quem tiver curiosidade em conhecer a banda, existem alguns vídeos no youtube, feitos por alguns fãs.
Destaque para a música " No one is there"

O Diabo Tentado

2007-10-30T20:49:00.000-02:00

Após a declaração do post abaixo, recebemos por e-mail esta crítica do espetáculo "O Diabo Tentado". Fizemos questão de postá-la para que possamos ter alguma noção sobre o que se passou na mostra. Infelizmente não podemos anunciar seu nome verdadeiro.

Crítica

O espetáculo “O Diabo Tentado”, mais recente apresentação do grupo Pessoal Aí, encerra a VI Mostra de Teatro de Petrópolis explanando a insuficiência de discernimento artístico. Isto não referido à questão teatral, e sim aos aspectos secundários de palco, maior defeito, como cenário, luz, sonoplastia e figurino, que serão comentados mais adiante.

O texto de Giovanni Papini e Eliphas Levi é apenas uma coleção de devaneios religiosos que se repetem inúmeras vezes durante o decorrer da peça, criando um efeito pseudo-filosófico exaustivo, que não colabora em nenhum momento com a interpretação dos atores.

Alguns ocorridos de “O Diabo Tentado” são intoleráveis, como, por exemplo, o cenário ser composto de uma planta, um banco e uma mesa, elementos estes que muito provavelmente foram retirados da área externa do Centro de Cultura Raul de Leoni (local onde foi apresentado). Além disso, uma estrela no centro do palco e o universo tingido em um grande pano ao fundo, pretendendo ser metafísico, ou seja lá o que for. A luz se limita a permanecer acesa e formar efeitos de sombra sob o rosto dos atores – efeitos estes já utilizados diversas vezes. A sonoplastia é composta de dois momentos: o belíssimo violino de Heitor Victor que destoa com as músicas – novamente – pseudo-filosóficas-metafísicas etc. O figurino é tosco: calça jeans, tênis, terno e gravata, vestido e – inacreditavelmente – um anjo Rafael trajando roupa de ciclista, obviamente, surgido de cima de uma bicicleta. Todos esses aspectos de arte-final são assinados por Iza Machado, o que declara total desleixo para com o resultado do espetáculo.

A direção de Sylvio Costa Filho e Pita Cavalcanti é interessante, o que parece não fazer sentido algum diante da mediocridade do acabamento.

As atuações de Sylvio Costa Filho e Nilson Tassi são eficientes e bem estruturadas, enquanto a de Pita Cavalcanti é mal feita, desconcentrada, sem verdade alguma nos dois personagens que realiza.

Enfim, “O Diabo Tentado” pode ser considerado um experimento falho. É uma pena que o trabalho de Sylvio Costa Filho seja desperdiçado dessa maneira.

Mostra de Teatro - Petrópolis 2007

2007-10-29T00:41:00.001-02:00

Os colaboradores do blog "oucrítica" informam que não estiveram presentes na Mostra de teatro da cidade de Petrópolis do ano de 2007.

Homemúsica

2007-10-18T13:03:00.000-02:00

O espetáculo “Homemúsica”, em cartaz no Teatro II do CCBB-Rio, representa o término da Trilogia Brasileira de Michel Melamed que, exclusivamente, sobe ao palco acompanhado de uma banda.

O aspecto mais chamativo do trabalho de Melamed é o seu entendimento da realidade por qual o teatro e o próprio Brasil (como sugere a matriz de sua trilogia) passam e a conclusão tirada disso. Em relação ao conceito teatral, percebe-se um meio inovador – já experimentado anteriormente em Regurgitofagia – que demonstra, de fato, esse entendimento de que o teatro (principalmente o de nosso país) precisa se renovar de acordo com os padrões que a sociedade vive e consome. No que diz respeito ao Brasil, nota-se a clara indignação e a freqüente lamentação da sensação de impotência que um país tão grande pode causar em seus cidadãos quando a verdade é a insuficiência política. Mas, além disso, surge um conflito humano, não apenas por ser brasileiro, mas por ser humano e brasileiro.

No entanto, seu teatro não é apenas uma crítica do mundo atual, e sim do próprio Michel Melamed, da própria platéia e da própria arte. Explicitando esta última que, no geral, parece ser a finalidade de todo o espetáculo.

Para isso, ele quebra todas as regras artísticas e propõe uma nova linguagem de palco que, sim, se encaixa nos tempos atuais. Neste sentido, existe uma pretensão de unir diversos meios em um só modelo, o que explica a presença da banda, das projeções ao fundo, a utilização de microfone ou não, a leitura do texto ou não etc. Ou seja, há a reunião do teatro com conceitos da literatura, da música, do cinema e da televisão; uma estrutura mais tecnológica que não perde a essência da arte mesmo desestruturando-a.

“Homemúsica”, portanto, firma Michel Melamed como artista completo de uma geração pensante, fato que gera uma curiosidade oriunda da projeção de sua carreira: ele, antes de qualquer coisa, é poeta. Com isso, cria-se o teatro da palavra, pois seu texto não é exatamente uma dramaturgia, mas consegue despertar a motivação de sua platéia. O inesperado é a inclusão viva da música – fonte de energia de toda a apresentação e, claro, o nível técnico que é apresentado nela.

Contudo, o que ali realmente importa, é a concretização de que ainda é possível haver um teatro que vive em constante atualização, como uma alternativa prática de elaboração de excelentes espetáculos que se projetam sempre para o futuro. Se a arte se apresentasse desta forma garantida, não surgiriam discussões sobre falta de público e crise da arte no Brasil. Neste âmbito, Michel Melamed, poeta, demonstra plenamente como deveria ser o teatro brasileiro.

Homemúsica - Michel Melamed

2007-10-09T17:25:00.000-03:00

Hoje falei que eu quase não falava de arte, por isso resolvi falar. É portanto dentro desse paradoxo intrinsecamente ligado a uma possível falta do que dizer, ou falta de ordenação e concatenação de idéias que pretendo começar. Onde chegar eu já sei, pretendo por fim analisar o espetáculo “Homemúsica” de Michel Melamed, mas até lá muita coisa deve ser dita.

Começo a tentar pensar qual o espaço do teatro hoje em dia, tanto materialmente quanto socialmente. O primeiro problema é fácil resolver, hoje em dia teatro é feito onde der e onde puder. Tornou-se prática quebrar o palco italiano como sendo parte de uma necessidade formal objetiva, mas o que era para ser uma característica qualitativa, tem-se mostrado um cavalo de tróia, tem de certa forma destruído a própria idéia inicial. Explico: faz de teatro onde der, onde deixarem, onde rolar dinheiro, lucro e público. Talvez isso seja até bom, ao menos se faz teatro, porém pra mim teatro nasce no espaço, e o espaço dele determina todo o resto, todo, transmuta-lo e subverte-lo é até certo ponto, assassina-lo.

Socialmente, vejo o teatro com alguns problemas, ou muitos, ou poucos mas bastante sérios. Os atores são mal formados e explorados pelos que detém o poder intelectual, suas piruetas e suores estão tendo mais valor do que um corpo que seja inteligente, e a mente que não é de todo sã devido a grande quantidade de entorpecentes que são tomados durante sua vida útil. Os diretores, cenógrafos, críticos e teóricos, na maioria também entorpecidos de alguma forma, se acham no direito de serem os nomes da arte, os que carregam a bandeira da intelectualidade, das formas, conteúdos e conceitos e na verdade, o que vimos são lutas internas de problematização do conceito de sujeito, seja ele visto como duplo, como épico, fragmentado, apenas enunciado, mas esse sujeito como fruto de exploração da mente de um, que carrega a potência instável e a teatraliza. O problema está em eles não perceberem que só o que fazem é tornarem-se artistas clássicos, no sentido mais careta do termo, montam espetáculo clássicos que serão citados e virarão temas em escolas que serão facilmente digeridos por alunos sem qualquer base.

É daí que vem meu interesse no trabalho de Alessandra Colasanti com o “anticlássico” e em Michel Melamed, que desde o verborrágico que dá choque “regurgitofagia”,dirigido por Colasanti, até o desfile-músical-enunciativo “homemúsica”, parece-me que muito bem eles entendem dá ironia que existe na produção do elemento artístico. Percebem como cada palavra jogada é disperdiçada, não importa como é dita, percebem exatamente o pensamento de Artaud onde tudo que saí é dejeto, é bosta. Percebem isso e conseguem através disso, ou anteriormente a isso, construir algo que seja teatral em absoluto, mas que seja citacional a si mesmo e que consiga perceber o abismo do realismo, do ficcional, do teatral e do épico. E finalmente, percebem muito bem o lugar onde estão e isso é essencial.

Homemúsica começa no momento em que se recebe na entrada um folder gigante, em branco, apenas com as propagandas dos patrocinadores, muitos o seguram por todo o espetáculo, outros amassam, outros como eu, deixam no chão, mas fazem questão de leva-lo embora. Assim entra a banda, e Melamed, ele fala e fala com a legenda e com a rubrica também, depois ele canta, depois passa um mini carro alegórico, ele fala mais, ele vira um monte de instrumentos musicais, ele carrega um monte e toca e canta, depois ele lê a história do homem música, depois ele canta, depois tem o show do estupra, e ele canta e ele fala mais e assim vai...

A imensa ironia e a maneira como ele genialmente tira sarro do público em quase todas as frases, hilariamente descomprometido, sem ter/tendo a noção do quanto ele incomoda uns e é apenas uma grande piada para outros, ou até, o rapaz bonito que tem programa na TVE. Ele sabe se usar de tudo isso e é mordaz, direto, como na frase: “Obrigado pela força aí Bope, se precisar entrar e matar alguém aqui, fica a vontade a casa é de vocês.” E a gente é tomado por esse clima e por essa descontração animada e triste, essas músicas que chegam até ser boas e a gente gosta, mas sabendo exatamente onde ele quer chegar. Algo que não poderá ser dito, apenas na confluência de cada idéia, que poderíamos analisar aqui, destrinchar aqui e acolá e digerir, mas é esse caos que é interessante, essa multiplicidade que não faz história, não faz um clássico, ou um mito, mas faz um ato social e humano, antes de tudo, as mensagem de Melamed nada mais são que uma brincadeira de um pai, que ofende, critica, destrói e humoriza, talvez para trazer a gente pra perto dele.

Letras e expressões – madrugada poética. (?)

2007-10-04T11:48:00.000-03:00

O conceito de arte sempre foi um tema polêmico.Qualquer expressão é arte? Que tipo de expressão é arte? A arte tem limite? A arte tem julgamento? A arte tem manual?
Ao menos em tese, quem faz arte se questiona o tempo todo. É tudo tão relativo assim?
Dizem que é difícil saber ao certo o que é arte, mas muito fácil saber o que não é. Mas a partir da análise de quem? Sob que ponto de vista?

A introdução confusa serve para iniciar o relato pessoal (e por que não dizer desabafo?) após uma madrugada confusa, vivenciada na Livraria Letras e Expressões, no Leblon.

A Livraria Letras e Expressões é um espaço conceituado, e parecia ser um espaço onde os artistas se reúnem para trocar idéias, mostrar seus trabalhos, conhecer pessoas novas e interessadas em discutir cultura. Parecia ser. Não é.
O que eu encontrei na famosa e "cult" madrugada poética é preocupante.

Ao chegar na livraria, me deparei com um pequeno palco, rodeado de pessoas de todos os tipos. As pessoas falavam alto (e, por que não dizer?, gritavam), mesmo tendo um microfone; exaltadas, veneravam um autor-ator (!?) presente, que fazia gracinhas para seus "fãs".

Inevitavelmente deslocada, tentei ficar no canto, sentindo uma profunda vergonha do alheio.
Descobri que havia um café no segundo andar, me desloquei para lá. Relaxei, bebi e comecei a prestar atenção ao que estava sendo lido e de que maneira estava sendo lido.

Os "artistas" presentes, num ato desesperado (e agressivo) em busca de atenção, performatizavam a poesia (de rimas pobres e conteúdo duvidoso) da maneira mais esdrúxula possível, provocando gargalhadas em mim (a deslocada) e profunda admiração nos demais presentes.

Mas se engana quem acha que tive prazer com isso. Ri sim, e muito.
Mas depois, aos poucos, comecei a refletir o sobre aquele “espetáculo”.

Mais do que a pergunta principal: "O que estou fazendo aqui?", ficou a pergunta: "O que eles estavam fazendo ali?"

Puro nada.
Ego, ego e ego.
Status, ânsia de mídia, extremo vazio de reflexão.

Eles interpretavam em frente a um espelho, sendo uma superficialização de si mesmos.

Ao sair do evento, só consegui ter a impressão de que algo vai mal, muito mal.

Rasga Coração

2007-07-23T14:05:00.001-03:00

Texto de Oduvaldo Vianna Filho tem direção confusa e irregular
Rasga Coração, espetáculo de Oduvaldo Vianna Filho, tem como representante nos palcos o que de pior poderia haver. Neste caso, tudo funciona muito mal. Não existe em hipótese alguma justificativa coerente para a montagem deste espetáculo nesta escala.

A começar pelo cenário - uma parafernália só, muita coisa desnecessária, muitos armários, jornais etc. distraindo a atenção da platéia que deveria estar se voltando para o ator - o mais importante num teatro.

Os figurinos estão adequados com a época em que se passa a peça, mas são realistas demais, cometendo muitos excessos. A trilha sonora é monótona e cansativa.

A iluminação de Djalma Amaral é tosca, como se acendessem todas as luzes do teatro e ali deixassem, criando efeito algum. Fora isso, lâmpadas acesas no palco cegam a platéia.

A direção de Dudu Sandroni é a pior coisa que há ali. Pessoas correndo por todos os lados, em cima ou em baixo, gente falando ao mesmo tempo, atores mal colocados - uma bagunça. Nunca se sabe para onde olhar.

Zé Carlos Machado é o único que se salva - numa atuação desesperada no meio de um grupo de atores mal dirigidos. Xando Graça apela. Alexandre Da Costa e Kelzy Ecard ficam no meio termo. Alexandre Mofati, Expedito Barreira, Tiago D'ávila, Pedro Rocha e Miriam Róis deveriam voltar imediatamente para seus cursos de interpretação ao invés de sujar espetáculos profissionais com suas aparições.

Um dos piores espetáculos a que já assisti.

Esperando Godot

2007-07-23T00:02:00.000-03:00

Armazém Cia. de Teatro consegue harmonia e brilha com excelência num espetáculo sem igual
Esperando Godot, espetáculo de 'reciclagem' do Armazém (digo reciclagem pois foi criado em 1998 e agora está sendo remontado no projeto Armazém em Estoque) foi, talvez por ter sido encenado a tanto tempo, o melhor espetáculo do Festival de Inverno até agora.

O cenário atua em conjunto com os figurinos, formando uma bela imagem do palco, em contraste com a própria história da peça. Trata-se de dois homens que estão esperando Godot. Este os livrará da vida difícil. Mas Godot nunca vem. Para isso, uma árvore no centro do palco, a lua e o sol ao fundo e só. As vestes são sujas e de cores fortes.

Tudo isto belissimamente iluminado, o que dá o tom frio e desconcertante do espetáculo. A trilha sonora perfeita ajuda no tom misterioso.

A direção é completamente inteligente, visualmente bela, tornando o teatro do ator. Este sim, sobrevalesse. As atrizes Simone Mazzer e Patrícia Selonk, estão afinadíssimas, representando os melhores momentos do espetáculo. Destaque para a última. Já Paulo de Moraes e Thales Coutinho não demonstram esta afinidade, mas o último consegue se sair bem. Paulo de Moraes parece não ter o feeling do teatro do absurdo. E Simone Vianna, que pouco aparece, mostra-se correta.

O texto de Samuel Beckett é muito bem realizado. Do teatro do absurdo, Esperando Godot demonstra e explora o melhor dos atores que ali estão. A platéia sente-se instigada pelo texto; tudo funciona em perfeita harmonia. Torna-se assim o encontro entre platéia e ator, que ainda sim, é a finalidade do teatro. Inesquecível.

A Poltrona Escura

2007-07-22T23:04:00.000-03:00

Monólogo sem sombra de erros, exceto o texto de Luigi Pirandello
Em certos espetáculos nem sempre fica claro a intenção dramática de um texto. A Poltrona Escura é um desses. Quando coloca-se uma questão dessas em jogo, é preciso que se leve em consideração o autor. Neste caso, Luigi Pirandello - escritor e dramaturgo italiano de conhecido e renomado nome. Pelo fato de Pirandello ter exercido os dois lados da escrita (narrativa e dramática) não se sabe muito bem se os três textos presentes na peça encontram-se de maneira dramática.

O cenário de Márcio Medina é composto por uma poltrona escura, claro, e uma cadeira. Sendo que, em alguns instantes, utiliza-se as cortinas de fundo. Ou seja, tudo muito bem adequado aos limites do espetáculo. O figurino, também de Medina, lida muito bem com as atuações do ator.

A iluminação de Domingos Quintiliano é simplesmente encantadora. Ele parece brincar com a luz e fazer mágicas traduzidas em parceria com o palco e as cortinas.

A direção é competente, criativa e brilhante. Explora o melhor de Cacá Carvalho com muita ousadia. Roberto Bacci acertou a mão definitivamente.

A interpretação única de Cacá Carvalho é magnífica. Provou ao público uma atuação marcante, sem falhas. Mostrou-se um ator também muito criativo e se fez presente num texto difícil.

O que pode parecer estranho é o texto de Pirandello não se encaixar com o espetáculo. Nos dois primeiros textos (Os Pés na Grama e Carrinho de Mão), a situação se torna quase insuportável, mas não se deixa cair devido à sua boa equipe. Ambos são narrados em terceira pessoa, o que ajuda a fincar uma distância entre texto e público. Torna-se inapropriado. Já no terceiro texto (O Sopro), todo em primeira pessoa, perde-se este vazio e o espetáculo torna-se completo pela primeira vez. Não há como justificar a união dos três contos num só texto. Não há como justificar, na verdade, a utilização destes três textos sem que houvesse uma adaptação para o teatro.

De fato, Luigi Pirandello não os escreveu para que o pusessem no teatro.

Calendário da Pedra

2007-07-22T15:33:00.000-03:00

Stoklos faz sua parte mas equipe falha em certos momentos
O espetáculo Calendário da Pedra, apresentado no Teatro Santa Cecília durante o Festival de Inverno de Petrópolis, tem como estrutura inicial a rotina de uma mulher com base no calendário ocidental, seguida de comentários históricos sobre a história da pedra.

O cenário de Leonardo Ceolin apresenta criteriosamente as características do 'teatro essencial' criado por Denise Stoklos, que propõe o palco como elemento essencial, ou seja, tudo o que se encontra nele deve ser o básico - o necessário - para que o espetáculo entre em seus devidos eixos. Nesse sentido, uma espécie de balcão e um jornal acertam de acordo com a atriz.

A iluminação de Wagner Freire não apresenta nada de novo. Não falha, no entanto.

A sonoplastia assinada por Piatã Stoklos Kignel, Thais Stoklos Kignel, Antonia Ratto e a própria Denise Stoklos deixa escapar que, por ter sido feita por quatro pessoas, é divergente, muito eclética. Em alguns momentos funciona, em outros não. Varia de gosto para gosto; antes tivesse sido feita por apenas uma pessoa responsável por tal feito.

O figurino me parece ter sido feito para dança, o que em nada atrapalha, pelo contrário, ajuda o desenvolvimento da expressão corporal de Stoklos.

O texto, a direção, a dramaturgia, a coreografia e a interpretação são assinados pela própria Denise também. Logo, pode-se afirmar que este é o objetivo final que a mesma quer dar ao seu espetáculo. O texto é engraçado, por vezes repetitivo, mas o que ajuda a firmar a idéia de rotina por qual todos passamos. A direção em nada peca, é eficaz e suficiente: habilita o espaço corporal, a interpretação e o enredo. A interpretação é detalhista, cuidadosa e engraçada. Stoklos demonstra seu humor de forma agradável.

Os piores momentos pelos quais Calendário da Pedra passa são as explicações de narração de Antonia Ratto, onde o ritmo é quebrado, fazendo com que o espectador queira rever Stoklos imediatamente.

Enfim, a artista Denise Stoklos fez sua parte, mas em alguns momentos pareceu estar sendo prejudicada por excessos de sua própria equipe.

Spock's Beard - Day For Night (1999)

2007-07-05T04:05:00.000-03:00

Texto publicado no blog Concha Acustica em 21/06/2007

Eu conversava de madrugada no MSN com um amigo há uns dias atrás, e ele (que tem um gosto musical parecido com o meu) comentou que fora questionado por alguém sobre o porquê de sua preferência por música antiga. Discutimos sobre como não se faz mais música hoje em dia como se fazia antigamente, e me perguntei se isso seria verdade mesmo.

Falamos de álbuns novos que consideramos bons, e percebi que estávamos citando somente coisas novas de artistas velhos (falamos de Stones, do álbum novo do Who, dos últimos do Paul McCartney, e outros). Abro meu blog e reparo que todos os álbuns que comentei até agora tem mais de 30 anos (o Time Out tem quase 50). Vendo isso tudo, decidi que o próximo post do Concha-Acústica deveria ser sobre um álbum de uma banda mais nova.

Após pensar um pouco, consegui enumerar vários artistas novos que me agradam, embora poucos o façam tanto quanto os antigos. Escolhi esse álbum pois o Spock's Beard foi uma das bandas mais legais que conheci nos últimos tempos, e esse álbum deles é fantástico.

Ironicamente, eu descobri o Spock's Beard através de música antiga. Foi a partir de um video do projeto-tributo a Beatles "Yellow Matter Custard", que conta com Paul Gilbert (Mr.Big, Racer X, G3), Mike Portnoy (Dream Theater), Matt Bissonette (Joe Satriani), e Neil Morse. Todos eram músicos que eu conhecia e gostava, a não ser pelo último, que nunca havia ouvido falar, mas me agradou bastante no video, tocando guitarra, teclados e sendo o principal vocalista do projeto. Gostei tanto do Neil Morse que fui pesquisar de onde esse sujeito tinha saído pra tocar junto com esses monstros tão famosos no meio "metal" (mas que mesmo assim são grandes fãs de Beatles).

Descobri que ele tinha uma banda de progressivo chamada Spock's Beard (adorei o nome), e decidi conferir. Não sabia o que esperar, e pensei que por ele tar tocando com o Portnoy, e também ser músico de progressivo, se trataria de uma banda de Metal Progressivo (eu gosto, mas depende do meu humor e da banda), e fiquei com um pé atrás. Meu irmão Gustavo falou para eu ouvir sem medo, e para começar por um disco chamado "Day For Night" que eu ia gostar muito. Eu acreditei, mas não esperava gostar tanto.

O Spock's Beard junta elementos do Pop, Progressivo, e em alguns (poucos) momentos até Metal, e é possível perceber várias influências diferentes no som deles, desde grupos progressivos como o Yes, Rush, Genesis e Gentle Giant (esse último eu não conheço direito, mas meu grande amigo Paulo falou que a segunda música lembra MUITO o Giant quando mostrei o disco para ele, então decidi citar aqui), com baixos "rickenbaker-metálicos", sintetizadores, virtuose, harmonias vocais complexas e bonitas (talvez meu elemento favorito em todo o disco) e tempos não-convencionais, até grupos como os Beatles, com baladas lindas e refrões que grudam, e Deep Purple, com muitos órgãos Hammond, e musicas empolgantes. Isso tudo com uma roupagem atual e produção sensacional.

O Spock's Beard poderia muito bem se encaixar nas categorias "Pop" e "Progressivo" numa loja de CDs, devido a não ter a "pretensão" característica da maioria dos grupos progressivos, justamente por não se preocupar em seguir algum rótulo. O álbum Day For Night se encaixa na categoria "boa música".

Eu gosto bastante de progressivo, embora às vezes ache que as bandas do estilo acabam perdendo o ouvinte com músicas longas e pouco objetivas, e para mim um ponto favorável desse disco é que além dos refrões serem geniais, as faixas não são tão longas (para os padrões progressivos), embora as ultimas 6 faixas do disco sejam na verdade uma grande música de 20 minutos chamada "The Healing Colors of Sound", que por sinal é um dos melhores momentos do disco.

A voz de Neal Morse me agrada bastante, embora em alguns momentos soe anasalada demais (mas e daí? a minha também é, e não paro de cantar por causa disso). O baterista Nick D'Virgilio é fantástico (ele já gravou com o Genesis, e não é pouca coisa substituir Phil Collins na bateria) e tem uma ótima voz (outra relação com o Genesis aqui, já que o frontman Neal Morse deixou o Spock's Beard em 2002 e Nick assumiu os vocais, como Phil fez após a saída de Peter Gabriel do Genesis em 1975 ). O baixo de Dave Meros é muito bem tocado, e tem uma sonoridade que me agrada bastante (lembra Chris Squire, do Yes) e se encaixa com o som da banda perfeitamente. Os teclados de Ryo Okumoto são onipresentes no disco, onde ele contribui com o Orgão Hammond e Mellotron (os sintetizadores são comandados por Neal Morse), e as camas de teclados são essenciais para a coerência do disco, que ficaria bem vazio sem eles. A guitarra de Alan Morse (irmão de Neal) usa e abusa de efeitos, e em alguns momentos eu chego a me perguntar "isso é guitarra?", devido ao álbum ter tantos instrumentos ao mesmo tempo, e o som da guitarra ser bem modificado usando efeitos diversos como Wah, Talkbox, e MUITOS outros, além de bastante distorção. O trabalho de guitarra é muito bom, e os solos de Alan são bem interessantes.

Os pontos altos do disco são a faixa título, que fica na cabeça e se recusa a sair; a progressiva-de-10-minutos "Crack The Big Sky"; a linda balada "The Distance To The Sun"; e a canção "Gibberish", que conta com um contraponto de 4 vozes "a capella" em tempo não convencional que é muito divertido de ficar "dissecando mentalmente" até se entender exatamente o que se passa.

Enfim, esse é um disco que eu recomendo sem medo pra qualquer pessoa que gosta de música. É um disco que me entretém, e a cada audição, algo novo é percebido, devido ao nível de complexidade e lapidação das canções, que mesmo com essa sofisticação não soam pretensiosas demais ou maçantes (se eu quisesse que 10 minutos da minha vida passassem bem rápido por algum motivo, ouvir "Crack The Big Sky" seria uma boa pedida).

Link para baixar o álbum:
http://rapidshare.com/files/22026361/hbsbdfn.rar - link tirado da comunidade "Discografias", do Orkut

Os demônios - de Dostoievski. Direção: Hugo Rodas e Antônio Abujamra

2007-07-03T16:55:00.000-03:00

Você entra no teatro, a cortina está fechada, a abrem, encontram-se aproximadamente 15 atores cantando. Todos tem voz bonita e ensaiada, te envolvem no clima exato que a peça vai te levar. A direção de Os Demônios é disciplinada, envolvente. Um texto clássico, com figurinos clássicos, e eu diria, uma direção "moderna", definida, bem amarrada. Boa. O que não gostei foram as interpretações dos atores. O problema não foi o fato deles terem o que os leigos chama de uma " teatralidade " ao extremo, com direito a queixinhos levantados e esteriótipos (o que tanto me irrita) o problema está no fato de alguns atores serem nitidamente melhores que outros. Certo é, que não foi uma falha na direção esse tipo de interpretação exagerada ( em alguns aspectos ousaria dizer até expressionista) . Foi a proposta. O problema é que bons atores ( ou digamos assim, atores trabalhados ), conseguem colocar toda a "teatralidade" ( que eu chamaria de superificialidade ) de maneira interessante, verdadeira. ( dentro de uma verdade trabalhada, até o "exagerado " consegue ficar interessante), maus atores não conseguem.
Aí não fica homogêneo. Alguns atores, mereciam aplausos de pé, outros entretanto, chegavam a causar uma irritação por suas vozes mal trabalhadas, dando importância tão grande ao texto falado que chegavam a gritar, arranhando a garganta e ficando sem voz na metade da fala, parecendo que nunca ouviram falar em exercício de voz.
Mas o louvável em todos eles é uma concentração do início ao fim, a marcação é impecável, coreografada e todos trabalharam perfeitamente nesse aspecto.
Posso dizer que gostei. Achei um pouco longo, mas os atores que valeram a pena, a direção em harmonia com a iluminação, o texto, cenas bonitas e marcantes, a trilha sonora, a falta de objetos supérfulos em cena, me fizeram sair satisfeita. E até recomendar.

o teatro

2007-06-25T15:32:00.001-03:00

É difícil, hoje em dia, dizer, sem se tornar romântico, enfadonho, ou até metafísico, que a arte está fora do mercado, do consumo e das grandes idéias de grandes homens de grandes corporações. É difícil dar a ela aquele valo singular, de sentimento e sublime efeito estético. É difícil principalmente dizer: “eu sou artista, e só”. A arte tem funcionado atualmente assim como a política: atuas nas brechas, pelas lacunas, pelos cantos, por onde ainda é possível trabalhar, ou então, cria-se, usa-se e acaba por ficar pouco a pouco cansado, e sem reconhecimento. Com o teatro é assim.

O teatro é uma instituição que a passos largos e lentos ruma á falência. Não se pode questionar em primeiro plano a qualidade artística, mas a partir de outras estruturas, até lá chegaremos.

Ora, uma empresa que não gera lucros, que precisa de padrinhos ricos e testes para dizer se poderá atuar, não é empresa. Se o consumidor não paga a produção, a culpa não é dos governos, nem do público, mas sim da própria produção. Quando dizemos que a arte não é mais só arte, estamos dizendo isso: “é preciso salvar a falência do teatro com o próprio teatro.”

Existe um problema estrutural na arte de hoje que não é de hoje e que não é culpa da arte, que tem seus próprios caminhos, nem sempre bem sucedidos, porém se queremos uma arte atuante, presente, que modifique e mobilize a sociedade, uma coisa é preciso: a arte precisa dar conta desses problemas. Ela deve se reanalizar, se reestruturar, se reinventar, mas não necessariamente de um modo inovador e genial, pelo contrário, ela deve abandonar algumas questões de forma e conteúdo, que por mais sinceras que sejam já não conta e não causam tanto efeito. A arte deve caminhar numa via de mão dupla entre a questão da qualidade e a questão do público.

Sinceramente, não pode-se dizer que sabemos onde queremos chegar mas sabemos que algo precisa mudar, principalmente no teatro que passou de “arte mais completa” ao filho pobre amigo do SESC e patrocinadores. Ainda se pode dizer mais, ouso acertar e errar, talvez exagerar para gerar discussões, mas talvez seja melhor assim deixar e dependendo da recepção de quem lê e das novas idéias que chegar, possamos construir melhores idéias, que no fundo, pouco servem para mim e ti, mas sim para todos nós.

Dave Brubeck Quartet - Time Out (1959)

2007-06-21T12:56:00.001-03:00

Texto publicado no blog Concha Acustica em 11/06/2007

Após esse meu breve período longe do blog, decidi voltar com algo um pouco diferente. Pensei em escrever sobre um disco que representasse outro estilo musical que não fosse o Rock, e não tive que pensar muito antes de escolher esse aqui. Ele foi apresentado a mim há alguns anos por um grande amigo e ex-parceiro musical, que cismou que queria tocar comigo uma musica de que eu nunca havia ouvido falar antes, chamada "Take Five", que era no tempo 5/4! E eu era o baterista, e nunca tentara tocar nada que não fosse Rock n' Roll com compasso quaternário. Eu nunca tive aulas formais de música, não sei ler partituras, não sei muito de teoria. Essa música a princípio deu um nó na minha cabeça, mas acabou me ensinando bastante.

Dave Brubeck é um pianista de Jazz ainda na ativa até hoje (ele está com 86 anos de idade no momento), que criou o Dave Brubeck Quartet em 1951, conjunto este que alcançou grande popularidade entre o público jovem, tocando em campus universitários e clubes de Jazz. O quarteto ganhou tanta notoriedade que Dave saiu na capa da Time Magazine, em 1954 (foi o segundo músico a alcançar tal façanha).O conjunto ia bem, tocando muito, gravando bastante e fazendo um bom sucesso.

Em 1959, após anos seguidos de sucesso, Dave e seus três companheiros de grupo decidiram inovar em seu próximo trabalho, e compor um novo álbum baseado somente em métricas não-convencionais. A gravadora achou que era um movimento muito arriscado e ameaçou vetar o projeto, pois, na época, o Jazz era uma música "para dançar", e os executivos da gravadora achavam que as pessoas teriam dificuldade em dançar músicas com compassos que não fossem quaternário ou de valsa (3/4), e que, consequentemente, o álbum seria um fracasso.

Por fim, a gravadora decidiu lançar o álbum, que rapidamente virou campeão de vendas, e teve na composição de Paul Desmond "Take Five" um sucesso tremendo, que permanece como uma das mais conhecidas músicas de Jazz até hoje.

"Time Out" tem uma importância enorme na história do Jazz, já que este é um estilo inovador em tantos campos da música (harmonia, estrutura, e muitos outros), porém, no campo rítmico, pouco havia mudado, se prendendo ao compasso 4/4. Esse disco foi um marco na emancipação rítmica do Jazz, e o pioneirismo de Dave Brubeck ajudou a definir os rumos que o estilo seguiria nos próximos anos.

Não sou, nem nunca fui (mas gostaria de ser), um grande conhecedor do Jazz, embora seja um admirador desse estilo musical tão diverso, criativo e imprevisível. Esse disco me agrada muito pelas composições de Brubeck e seu saxofonista Paul Desmond, que têm a rara capacidade de conciliar a complexidade dos tempos ímpares com melodias sofisticadas, bonitas e interessantes.

O sax de Paul Desmond consegue ser suave, doce e delicado, mas ao mesmo tempo presente, forte e marcante. A bateria de Tom Morello é genial, e, provavelmente, ele é o maior responsável por esse álbum, com tantos tempos diferentes e não-convencionais, conseguir a façanha de ser dançante e "swingado". O baixo de Eugene Wright é bem sólido, e suas linhas se encaixam perfeitamente nas canções, encorpando-as e deixando-as coerentes . E Dave Brubeck organiza a festa, tocando seu piano com maestria e contribuindo com improvisações inspiradas e inspiradoras.

A minha faixa favorita do álbum é a primeira, "Blue Rondo A La Turk", com sua melodia que fica na cabeça por dias, e seu tempo, que transita entre o 9/8 e o 4/4. Além dela, vale destacar a música "Take Five", que me apresentou ao álbum, e é um classico do Jazz, além de contar com um solo de bateria fenomenal, em 5/4.

Vale comentar, a título de curiosidade, que o Dave Brubeck Quartet tocou, em 1978 no Palácio Quitandinha, aqui em Petrópolis, época em que o Palácio era palco para atrações de grande porte, como a Orquestra Sinfônica Brasileira, Os Mutantes, Toquinho e Vinícius de Moraes.

Link para baixar o álbum :
http://rapidshare.com/files/4321612/dbq-tout.rar - Link tirado da comunidade "Discografias", do Orkut

Inesquecível (2007)

2007-06-16T14:13:00.000-03:00

Às 18:13 de ontem eu entrei na sala 2 do cinema bauhaus para assistir “Inesquecível” de Paulo Sérgio de Almeida. A sessão era as 18:20 e a sala estava completamente vazia. Escolhi meu lugar, esperando que o guardinha dissesse que não haveria a sessão e que me devolveria o dinheiro dando-me o ingresso para voltar num outro dia, como é praxe nos filmes vazios. Para minha surpresa mais uma pessoa entra na sala, uma senhora,com clara dificuldade física entra sozinha, tendo que ser ajudada pelo lanterninha. Ela virou minha cúmplice na hora, não chegamos a nos ver, nem nos falar, mas nos reconhecemos ali sozinhos sentados numa sala escura esperando um filme começar.

Pontualmente o trailler começa e chega mais um homem, atrasado, ofegante, falando ao celular e senta na fila em frente à minha. Somos os três que assistimos à estréia do filme brasileiro “Inesquecível” em Petrópolis.

O filme interpretado por Murilo Benício, Caco Ciocler e Guilhermina Guinle poderia ter me tocado bastante, mesmo porque tem algumas cenas de bastante tensão, mas alguma coisa ali, que parece ser do roteiro, ou do projeto todo, não chega a se concretizar. A trama conta a história de um famoso ator vive o melhor momento de sua vida, tanto pessoal quanto profissional, porém descobre que sua esposa teve um caso rápido com seu melhor amigo, ocasionando uma com a mulher e o amigo, por fim, causando a sua morte. O problema não são dos atores, e talvez nem seja do roteiro, talvez dos diálogos. Enfim, prefiro manter minha idéia de que o problema esteja no projeto como um todo.

O bonequinho do globo disse que era uma obra sobre o perdão, o que desviou meu horizonte de expectativa para outros caminhos, o próprio filme te encaminha para algumas coisas que claras num instantes, não se concretizam tornando-se obscuras, talvez o único grande mérito do filme. A morte, a metalinguagem, a hiper sensibilidade emocional que pende para um tom melodramático são apenas elementos que ficam dispersos e sem poder serem apontados com clareza, mas se observam num passar de olhos atento pelo filme.

Esse complexo misto de dúvida entre ser ou não ser, bom, ruim, fraco ou genial, me deixou a impressão de que a questão está no nascimento do filme: na adaptação do conto “o espectro”, e é nesse caminho, a procura do conto que eu pretendo buscar a minha conclusão.

Kiss - Alive!

2007-06-10T21:54:00.000-03:00

Texto publicado no blog Concha Acustica em 09/04/2007

"You Wanted The Best, You Got The Best. The Hottest Band In The World........ KISS!!!"

Escrever sobre o Kiss é muito fácil pra mim. Eles foram a primeira banda que me chamou a atenção, a primeira banda pela qual me apaixonei. Antes deles, nunca tinha me perguntado os nomes dos músicos, nunca tinha feito questão de ouvir TODOS os discos de uma só banda, ler biografias, ver documentários, enfim: o Kiss foi A banda que começou com essa minha doença/paixão chamada Rock n' Roll. Com uns oito anos de idade eu já conhecia de trás pra frente boa parte do repertório da banda, e até pedia de presente para minha família discos deles que eu não tinha em casa (alguns deles, eu só tinha em vinil, e meu irmão não me deixava usar a vitrola), e assim, ainda pequeno, ganhei CDs como o "Animalize", o "Crazy Nights" e o "Smashes, Trashes and Hits" (discos bem obscuros do catálogo), que foram alguns dos primeiros CDs que eu tive na vida (o primeiro foi "Mamonas Assassinas", que ganhei na minha formatura da Classe de Alfabetização).

Minha paixão pelo Kiss é antiga, e não diminuiu, embora desde aquela época eu tenha descoberto outras bandas que talvez goste igualmente. Minha paixão pelo Kiss se compara àquela da primeira namorada, ou a do primeiro beijo, que deixam marcas para o resto da vida. Depois de me interessar e pesquisar a história da banda, fui engatando uma nova banda atrás da outra, e nunca mais parei.

Já falei o suficiente da minha história, então vou começar falar sobre a desse disco, que é considerado por muitos como um dos melhores discos ao vivo da história, a lado de marcos do rock, como "Live At Leeds", do The Who, "at Folsom Prison", de Johnny Cash, e "Live and Dangerous", do Thin Lizzy (álbuns que planejo comentar em breve aqui no Concha-Acustica).

O ano era 1975 e o Kiss já havia lançado 3 álbuns de estúdio, até então sem grande sucesso de vendas. Porém, eles eram muito bem sucedidos como atração ao vivo, abrindo para os maiores grupos da época, invariavelmente roubando o show das atrações principais (o que fez com que vários artistas não mais os deixassem abrir seus shows, já que havia gente que ia, assistia o Kiss e depois ia embora) com seu som explosivo, com o apelo visual (cabelos enormes, maquiagem, alter-egos, saltos-plataforma altíssimos, fantasias extravagantes, cuspição de fogo e de sangue, efeitos pirotécnicos de palco, iluminação, enfim, a lista é longa nesse quesito), e a maestria dominando e entretendo o público (principalmente por parte de Paul Stanley e Gene Simmons).

Então, após o Kiss conquistar um público cativo (que se auto-denominou KISS ARMY), e passar a ser a atração principal de seus shows, e ainda assim a venda dos discos de estúdio nao ser satisfatória, surgiu a idéia de gravar um álbum ao vivo, que fizesse jus à reputação dos shows do Kiss, tentando reproduzir na íntegra a emoção e energia que os faziam bem sucedidos ao vivo, e que eles não conseguiam reproduzir nos álbuns de estúdio.

Naquela época, álbuns ao vivo não eram bem vistos. Eram vistos como "caça níqueis", e quase sempre vendiam pouco. O Kiss não só preparou um disco ao vivo. "Alive!" era um disco ao vivo DUPLO. A gravadora quase vetou o projeto, o considerando quase um suicídio, mas ela estava à beira da falência, e decidiu tentar, já que nao tinha nada a perder (por falar nisso, a música "Nothing to Lose", cantada pelo baterista Peter Criss é sensacional) .

Todos esperavam um sucesso de vendas maior do álbum "Alive!" do que de seus predecessores "Kiss", "Hotter Than Hell", e "Dressed to Kill" (esse último tem uma das minhas capas favoritas), mas ninguém esperava o sucesso tremendo do álbum, que, menos de dois meses depois da sua data de lançamento ganhou disco de ouro, e levou o nome da banda a boas posições nas paradas. O único single do disco, a versão ao vivo de "Rock n' Roll All Nite" (a música já havia saído como single em sua versão de estúdio na época do lançamento do disco "Dressed To Kill, mas fora um fracasso) ficou perfeita, transmitindo o espírito desse hino do Rock n' Roll na íntegra para o ouvinte, e virou sucesso nas rádios dos Estados Unidos e projetou o nome Kiss aos quatro cantos do país.

Foi o começo do sucesso de uma das principais bandas da historia do Rock.

Ainda há controvérsias sobre o quanto "ao vivo" seria o disco, já que muita gente diz que ele é lotado de overdubs. Alguns até dizem que ele foi todo feito em estúdio. Eu particularmente não dou a mínima. Eu fecho os olhos e a mágica está lá. Sou transportado para o Cobo Hall em Detroit, em 1975, e estou num show do Kiss: a energia está lá, o público vai à loucura, os solos de guitarra do Ace são espetaculares (ele continua sendo um dos meus guitarristas favoritos), as linhas de baixo do Gene são boas como sempre (em alguns momentos lembrando Paul McCartney), e as músicas são sensacionais, Rock n' Roll puro e objetivo, feito exclusivamente para a nossa diversão.

Para mim, "Alive!" é um disco muito bom, que me lembra a infância, me lembra a descoberta da música, e o começo da vontade de tocar guitarra . É um disco muito importante na minha vida, por ter me introduzido ao Rock n' Roll, e eu achei que seria interessante escrever sobre ele.

Todas as faixas são pontos altos do disco pra mim, porém vou apontar algumas em especial: O hino máximo do Rock "Rock n' Roll All Nite", os clássicos "Deuce" e "Strutter"(algumas das músicas que eu mais toquei na vida, com certeza) e as minhas favoritas pessoais "She", "Nothing to Lose" e "Cold Gin" (essa última tem uma introdução impagável, com Paul conversando com o público sobre suas preferencias em termos de bebidas alcoolicas).

Link para baixar o álbum:http://rapidshare.de/files/27381394/K-i-s-s.Alive.FYH.zip (senha para descompactar: "Feed Your Head") - Link tirado da comunidade "Discografias", do Orkut.

Beach Boys - Pet Sounds

2007-06-05T22:57:00.000-03:00

Texto publicado no blog Concha Acustica em 02/04/07
"Ninguém é educado musicalmente até ter ouvido Pet Sounds..." - Paul McCartney

Há alguns anos, assistindo ao documentário Anthology dos Beatles, ouvi da boca de Paul McCartney que uma tal música chamada "God Only Knows" seria em sua opinião a mais bonita da história. No mesmo documentário, ouço da boca de George Martin (produtor dos Beatles considerado o quinto beatle) que o Sgt. Peppers só existiu como um esforço por parte dos Beatles de fazer um álbum que se igualasse ou superasse um tal de Pet Sounds dos Beach Boys.

Claro que eu já havia ouvido falar neles, mas o que eu conhecia se resumia à música "Wouldn't it be nice", "I get around", "Barbara Ann" (esta eu só conhecia pois o Who fez um cover dela cantado por Keith Moon, que por sinal, vale a pena conferir), e algumas (poucas) outras, e eu gostava, porém nunca tinha tido interesse em conhecer a fundo (eu tinha aquela impressão de que eles eram "surf, carros e garotas" demais pra mim, o que não é mentira em alguns trabalhos do grupo).

Um belo dia, um de meus irmãos chega em casa com uma cópia do disco que sabia que me dava tanta curiosidade. Com ele em mãos, olho a capa, que me agrada por ser bem colorida, e meio surreal (os Beach Boys alimentando alguns animais...). Era diferente do que eu esperava: nada de sol, roupas de banho nem pranchas de surf. A capa já avisa que o disco realmente não seria o que eu esperava (o que é muito bom, embora eu goste sim da música feliz e ingênua do começo de carreira do grupo).

O ano era 1965 e Brian Wilson (líder dos Beach Boys) fica pasmo ao ouvir o recém lançado e à frente de seu tempo álbum Rubber Soul dos Beatles, que dispara um instinto competitivo que se extendeu por alguns anos e se mostrou EXTREMAMENTE benéfico para a história da música pop, e gerou dois dos melhores discos da história: Pet Sounds e Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band.

Brian Wilson deixou a abordagem adolescente do grupo para trás e começou esse projeto pessoal, que chama atenção pela beleza das composições, e letras profundas, introspectivas e pessoais. Também começou a experimentar sons não muito convencionais, driblando as limitações tecnológicas dos estúdios da época, para alcançar as sonoridades desejadas,usando instrumentos como o Theremin (I Just Wasn't Made For These Times), arranjos sofisticados de cordas e instrumentos de sopro (não eram tão comuns no pop/rock na época), barulhos de buzinas, campainhas, sons de trens e até latidos de cachorros. Isso tudo sem deixar de lado a marca registrada da banda, as harmonias vocais que popularizaram o grupo no começo dos anos 60.

Esse disco, lançado em 1966 faz jus ao título de obra prima que foi atribuído a ele. Pet Sounds é um dos discos mais bem sucedidos na tarefa de traduzir sentimentos na forma de música. É Um dos poucos discos que me arrepiam TODA vez que escuto. Os temas das letras, as linhas de baixo espetaculares, as harmonias vocais trabalhadas, a beleza das composicões, o trabalho fantástico de percussão, e as geniais mudanças de dinâmica das músicas contribuem nesse efeito, mas o principal culpado é a capacidade sobrehumana de Brian Wilson de escrever e interpretar suas letras e passar seus conflitos e sentimentos para o ouvinte.

Pet Sounds é um disco sobre amadurecimento, talvez por isso seja um disco com o qual eu me identifico muito (principalmente nos últimos meses, onde TUDO mudou), e com certeza por isso foi escolhido como o primeiro álbum a ser comentado no meu novo blog.

É difícil escolher os pontos altos do disco, que é inteiramente genial, por isso vou dizer as músicas que sempre me arrepiam: "God Only Knows", "Don't Talk", "You Still Believe In Me" e "I Just Wasn't Made For These Times" e outras que não podiam ficar de fora: "Wouldn't It Be Nice", e a mistura Folk+Beach Boys de "Sloop John B".

Link para baixar o álbum:
http://rapidshare.com/files/15393950/Pet_Sounds.rar.html - Link tirado da comunidade "Discografias", do Orkut.

O tratado do vão combate

2007-05-17T13:24:00.000-03:00

Às vezes, nós que estudamos uma arte, na hora de comenta-las ou critica-las praticamente ligamos o automático e citamos nomes, fontes, teóricos, gênios ou qualquer dessas palavras que podem significar a mesma coisa ou coisas absolutamente diferentes. É necessário, no entanto, que nós tenhamos a clareza de perceber que estamos tratando de um campo subjetivo da arte, uma área que engloba muitas outras à escolha do encenador e nós, no papel de críticos, temos que estar atentos para perceber essas particularidades.

Não se pode dizer que “o tratado do vão combate” é um bom espetáculo. Não há dramaturgia, não há trabalho de ator, o cenário é confuso e não produz significados, os figurinos de materiais recicláveis fazem demasiado barulho e causam transtornos ao ator. As coisas não funcionam, não interagem e não formam uma coisa única ao fim, nem mesmo fragmentada, ou seja, o espetáculo tem tudo para ser ruim. Mas não o é.

As confissões desse preto, bicha e pobre, como ele mesmo se intitula, são de uma simplicidade poética indiscutível. O pedido encarecido dele de que se alguém não quiser assistir se retire é lindo, forte e argumenta todo o resto. É nesse “estado de emergência” e de frases na linha da memória que o “favelado” fala de suas questões: das questões raciais, sexuais e sociais de um ponto de vista particular, caindo vez ou outra nos clichês, mas quase sempre se fazendo presente. Ele é essa figura amorfa que todos escondem chamando a atenção para todos nós: “eu também falo e me faço ser ouvido por vocês que me quiserem ouvir”.Se ele não diz isso, deveria dizer. É nesse caminho que ao fim do espetáculo eu me levantei e aplaudi de pé, seguido pela minha namorada que relutava entre levantar ou não, assim como parece ter feito toda a platéia. Ao sair pude perceber um grupo de estudantes aparentemente de ensino público espantados, tentando se divertir e voltar para o seu mundo, alguns cantavam um funk qualquer, se esforçando para não mais lembrar daquela pobre bicha pobre criada por Marcio Januário. Parabéns!

Luiz Antonio Ribeiro

17/05/07

Terra em Trânsito / Rainha da mentira - Queen Liar

2007-05-13T12:10:00.000-03:00

Então... petulância. Eu, mera mortal, atriz de grupo de teatro do interior vou falar mal do Geraldo Tomás.
Quem?
Ah, sim... depois da sua viagem para o exterior, virou o conhecido Gerald Thomas!
Assisti nessa sexta-feira, ( dia 11) duas peças dele. Terra em Trânsito e Rainha da mentira.
Eu nunca tinha assistido nenhum trabalho dele, e confesso que simpatizava com o que eu tinha ouvido falar.
Mas o que eu vi no espaço " Oi futuro " no Flamengo, foi algo marcante.
Agora entendo toda a sua polêmica. É impossível ficar indiferente. E é nisso que ele se mantém.
Gerald Thomas não gosta de teatro. Ele gosta muito dele. E de falar. E de falar sobre coisas que ele pensa. Só que como ninguém compraria um livro dele, por ser muito chato, nem assistiria um programa dele na televisão, por ser muito arrogante, ele resolve explorar uma linguagem teatral ( boa ) com um elenco muito bom, com técnica perfeita, cenas bonitas, trilhas sonoras bem escolhidas, iluminação pertinente para desabafar.
Terra em Trânsito coloca em cena uma atriz presa no camarim minutos antes de entrar no teatro. Ela em meio a devaneios, carreirinhas de cocaína e um cisne (?) que ela alimenta constantemente para depois virar patê.
O texto, é nada sobre nada. Ele coloca na boca da atriz frases polêmicas, piadas dificeis e intelectuais inacessiveis para a maioria. É só isso. E a resolução para o final é surpreendentemente manjada.
A segunda é Rainha da Mentira. Aonde ele faz uma alegoria sobre o holocausto, e claro, coloca seus problemas pessoais em cena, mais uma vez os personagens falando o que Gerald Thomas falaria.
Mas uma coisa é certa em Rainha da Mentira, as cenas são bélissimas, o elenco é afiado, a linguagem é no mínimo peculiar. Com o texto trocado o espetáculo seria perfeito.
É... se não fosse o ego do tio Geraldo...
Mas pelo menos ele me fez pensar sobre o que ele fez em cena até agora. E isso é notável. Por não passar despercebido reconheço sua importância. Irei assistir mais uma vez, para observar sua platéia.

Até lá... permaneço com essa opinião.

Cócegas

2007-03-21T20:09:00.000-03:00

Há cerca de três anos e um mês atrás, eu assisti ao espetáculo Cócegas e foi-me pedido uma crítica, que fora publicada na época. Neste domingo, 18, tive a oportunidade de conferir novamente e refaço a crítica anterior, buscando acrescentar mais informações.

Cócegas - Espetáculo divertido, porém tecnicamente ruim.
A peça é formada por alguns esquetes, quase todos de puro humor. Humor este que leva/levou ao teatro um número enorme de espectadores. No entanto, só consigo ver este espetáculo como um típico "boca-a-boca" que foi levado aos extremos. Claro que houve uma ajuda da imprensa etc. Mas não cabe aqui pesquisar as causas do grandioso sucesso que Heloísa Perrisé e Ingrid Guimarães conseguiram alcançar em (provavelmente) cinco anos de Cócegas.

O texto - das duas atrizes - é fragmentado e por isso todo calcado em piadas rápidas. Piadas muito boas, assumo, porém muitas delas fogem à história principal, sendo assim um texto fraco na técnica, mas eficaz. Fora isso, são realizados muitos improvisos (alguns desnecessários), que fogem aos padrões cênicos.
O cenário é a última coisa a se notar. Nada demais. Não diz ao que veio. É mero suporte, já que desmonta-se algumas caixas pretas a todo momento. Ao fundo, encontra-se um telão sem importância dramática alguma.
A trilha sonora é lastimável. Assume tons infantis e outrora de programas humoristicos de baixo nível (sabe-se bem de onde a dupla veio). Era preferível não haver trilha alguma.
Iluminação correta. Figurinos de bom tom, mas um tanto falsos.

Essa falsidade toda é muito bem arquitetada. É um espetáculo comercial. Não chega a ser teatro. É show de humor. Como essa onda de shows de humor rotulados teatro de que o Rio de Janeiro é cúmplice. Não há compromisso com a técnica, e sim com a risada. Nestes termos é engraçado, mas não é tudo.
Heloísa Perissé mostra-se fraca ao lado de Ingrid Guimarães, que rouba a cena. Ambas enviando ao público improvisos sobre a atualidade, interações com a platéia etc. - tudo isso sem especificidade alguma.
A direção é o que nós vemos em Sob Nova Direção. Nada demais.

Ou seja, Cócegas não é teatro, é tv. Mas não sei se, mesmo assim, ficaria bom. Quando me perguntam se eu gostei, eu digo que sim. Saí com a barriga doendo de tanto rir. Mas depois me faz um mal por dentro por compactuar com algo tão vazio assim.

Pro dia nascer feliz.

2007-03-11T00:43:00.000-03:00

"O diretor João Jardim (Janela da Alma) apresenta um panorama sobre as adversidades enfrentadas pelo adolescente brasileiro na escola."

Direção brilhante em certos aspectos, e muitas mancadas em outros.

Não posso dizer nada sobre atores, pois não existem atores. Por um lado é bom, pois dá um aspecto natural gostoso de ver, mas por outro é maçante, pois acaba sendo apenas relatos, relatos, relatos, que se você não se identificar, ou não tiver predisposição, dificilmente vai te conquistar.

Resumindo:

Péssimo filme, ótimo documentário.

Tipo de trabalho que eu adoraria que me " encontrasse " enquanto eu estivesse zapeando os canais da televisão.
Mas que eu achei um desperdício "encontrá-lo" no cinema.

À procura da felicidade.

2007-02-26T23:58:00.000-03:00

Sinopse: Christopher Gardner (Will Smith) é um vendedor batalhador que consegue a custódia de seu filho pequeno (Jaden Smith). No entanto, para continuar com o garoto, ele deve encontrar um emprego, conseguir lidar com seus problemas pessoais e cuidar da educação do menino.

Me incomoda ir para o cinema assistir um filme que eu já sei o final. Mas eu fui. Com nenhuma esperança de assistir um filme que me tocasse. É um filme de mídia, e eu sempre desconfio do cinema hollywoodiano
Quando se assiste um filme que começa com " baseado em fatos reais " , certamento o olhamos com outros olhos. Porque o que está em questão não é a interpretação, as cenas, o conteúdo, as músicas, a harmonia, e sim, a história.
Mas não estou falando que o filme é ruim. Em alguns momentos conseguiu me deixar angustiada, ( e essa era a intenção ) então, não saí indiferente a ele.
Will Smith está muito bem no papel, deixou de ser o bobão que era em todos os filmes ( não sei se se esforçava ou era naturalmete ) para representar pela primeira vez um papel sério. ( Será que é porque ficou velho? ) . Enfim, palmas pra ele. Seu filho, (Jaden Smith ) também está muito bem, e acho importante ele começar sua carreira num papel sério, pra não ficar viciado em tipos, como o pai.

O filme tem como objetivo uma mensagem para o espectador, que fica claro pra quem sabe como funciona o sistema capitalista... " é díficil, mas é só lutar, que você consegue "
Acho um bom filme para se discutir sobre isso, já que para Chris Gardner conseguir " a felicidade " ele precisou ser o primeiro da sua classe, não dormir, mentir, estudar incessantemente, perder a mulher, perder a casa, ser explorado, humilhado etc...

O filme não é ousado, e nem é sua intenção, está dentro do seu papel de contar a histórinha bonitinha pra pobre dormir, e consegue.

A maldição - Rachel Lee

2007-02-17T22:36:00.000-02:00

Costumo dizer que gosto se discute sim, e sempre. Que existe um nível aceitável de qualidade que todos devemos concordar e se não concordamos é por limitação. Cito-me: Posso dizer que Caetano Veloso é melhor que Chico Buarque, mas não posso dizer que Latino é melhor que qualquer um dos dois.” Essa minha afirmação é absolutamente verdadeira, e não venham me refutar, porque sinceramente não pretendo ouvir.

Digo apenas que essa idéia não esvazia as obras ditas de “mal gosto”, por serem obras e por serem arte, se forem feitas com sinceridade têm sim muitas qualidades. E mesmo que não tenham, podem causar muitas surpresas, alegria e diversão.

Precisei fazer esse preâmbulo pois acabo de ler “A maldição” de Rachel Lee. Um livro de péssimo gosto, absolutamente mal escrito, com uma história de horror mal construída e que além de não causar horror, causou risos, muitos risos. Tanto que na hora de dormir, cheguei a pensar: “Será que pode acontecer alguma coisa por eu estar rindo disso?” E eu ria de mim mesmo.

A obra que custou R$1,99 e foi comprada nessas lojas “tem tudo” possui a seguinte sinopse:

“Poucos diriam que a ilha de San Martin, um verdadeiro retiro para vips, não é um paraíso. Até que a veterinária Markie Cross começa a perceber um comportamento estranho nos animais. Em seguida, pessoas desaparecem e seus corpos são encontrados apresentando traços de mortes incomuns, quase sobrenaturais. Markie e o legista Declan Clean começam a pesquisar o passado da ilha, e muitos segredos são revelados. Agora, Markie e Declan tem de correr contra o tempo para não se tomarem as próximas vítimas de uma terrível maldição. Um thriller eletrizante, com um final surpreendente, escrito por uma das maiores autoras de suspense da atualidade.”

Com essa sinopse eu já não esperava muita coisa, mas mesmo assim algumas coisas me vieram de surpresa, como o pensamento dos cachorros, as cenas de sexo, onde a autora dizia “chupava o pau dele..”, e repetia, repetia, usou o termo umas quatro vezes se não me engano. Ela tinha um certo vício por pau, penso eu. E como posso me esquecer do fantasma de Anne (todo fantasma de livro se chama Anne? Fiquei com essa impressão.) que quando passava deixa um frio na nuca, ou fazia uma nuvem escura, mas na hora de matar destruía todas as células deixando apenas o sistema nervoso para que a vítima sofresse. Ah, o fantasma era viciado por sexo, e no final queria um corpo para fazer sexo, abandonando até seu tesouro.

Enfim, pouco tiro do livro a não ser os risos e a diversão. A leitura escorregadia e ágil me fez termina-lo em menos de 48 horas, o que é um recorde pessoal meu. No entanto, não posso tirar todos os méritos do livro que segundo a capa esteve na lista de best seller do “USA today”. Não sei se compreendem minha ironia, mas foi sem ela nada poderia falar desse obra. Tão fraca, tão ruim, tão imbecil.

17/02/07

Stop The Clocks (Sony/Bmg)

2007-02-13T01:23:00.000-02:00

"Algum dia se o Oasis lançar uma coletânea, será quando a banda acabar" - Noel Gallagher

Parece que o rockstar Noel Gallaguer se rendeu à pressão da gravadora, mas ele próprio fez questão de escolher as músicas e fez um bom trabalho, eu diria.Fazer um Greatest Hits com toda carreira da maior banda de Britpop do mundo é realmente díficil, os fãs de verdade do Oasis nunca irão ficar satisfeitos, sempre faltará uma música ou outra, porém se você gosta de Oasis e não quer ter a discografia , é uma ótima opção.

A coletânea só não tem músicas do Be Here Now, o que eu achei um erro pois é um ótimo disco com uma sonoridade nova, diferente dos albums anteriores e ainda tem "Stand by me" que até fez bastante sucesso no Brasil.Liam Gallagher também achou que faltou músicas do Be Here Now, ele disse que mesmo achando o disco "um pouco longo" ele incluiria "D'You Know What I Mean?" que foi a primeira música de trabalho.

Eu defino o Oasis em duas fases, a primeira dos discos Definitely Maybe e (What’s the Story) Morning Glory? que é de onde veio seus mega sucessos como Wonderwall e Champagne Supernova e a fase recente dos discos Standing On The Shoulder Of Giants, Heathen chemistry e o Don't Believe the Truth, estes três discos tem hits muito inspirados e muito criativos como The Importance of Being Idle (que tem um belo clipe),Lyla,Songbird (toda influenciada pelas canções de John Lennon),todas essas músicas importantes que eu citei não poderiam faltar no álbum.

O ponto alto da coletânea são os detalhes que tem como fotos de todas as fases da banda,biografia e uma pequena informãção sobre cada música.

O Setlist ficou assim:

CD 1

1 – Rock ‘n’ Roll Star 2 – Some Might Say 3 – Talk Tonight 4 – Lyla 5 – The Importance of Being Idle 6 – Wonderwall 7 – Slide Away 8 – Cigarettes & Alcohol 9 – The Masterplan

CD 2

1 – Live Forever 2 – Acquiesce 3 – Supersonic 4 – Half the World Away 5 – Go Let It Out 6 – Songbird 7 – Morning Glory 8 – Champagne Supernova 9 – Don’t Look Back in Anger

Minhas três preferidas: Supersonic,The Importance of being Idle,Songbird.

*A capa de Stop the Clocks foi feita por Sir Peter Blake, o mesmo q fez a capa de Sargeant Pepper’s dos Beatles.

Edgar G. Ulmer

2007-02-09T01:09:00.000-02:00

A cena era em preto e branco. Em um sala simples um casal discute. Ela segura um telefone, mas não consegue ligar, porque ele segura seus braços. Fazendo força ela consegue de desvencilhar, se trancando no quarto ao lado. Ele se irrita e começa a bater na porta, enquanto que ela ao fechar a porta se enrosca no fio do telefone. Ele grita: “você não vai ligar, você não vai ligar”, e se abaixando puxa o fio dizendo: “vou desligar o telefone”. Com toda força vai trazendo o fio para si, até que não ouve mais movimento algum, arromba a porta e a mulher está morta, em cima da cama com o fio enroscado em seu pescoço. Ele diz: “Vera?!?!”

Essa é a uma das cenas de um filme de Edgar G. Ulmer, grande cineasta de filmes B da década de trinta. Esse diretor é o tema do documentário chamado:

Edgar G. Ulmer - O Homem Por Trás Das Câmeras
(Edgar G. Ulmer - The Man Off-screen)
A história de um misterioso

Ano de Produção: 2004
País de origem: EUA/Austrália/Alemanha
Gênero: Documentário
Duração: 77
Direção: Michael Palm
Elenco: James Lydon, Peter Marshall, Ann Savage, Wim Wenders, John Saxon, Arianné Ulmer.

Vemos nesse documentário uma excelente visão sobre o outro lado do cinema de hollywood, um lado sem estrelas, sem glamour e com pouco orçamento. Ele chegou e fazer filmes com 9 mil dólares e em 6 dias de filmagem, isso sem perder o toque artístico. “É fácil fazer um filme com 40 milhões, difícil é fazer com 40 mil”, diz um dos entrevistados. Creio ser isso uma verdade, quantas vezes assisto um filme e penso: “Para que gastar tanto dinheiro?”

Esse espaço é somente para deixar registrado esse sujeito, tão gênio quanto esquecido. Assim que puder, alugarei um de seus filmes, que se bons ou ruins, não se posso afirmar, porém não há dúvidas que sejam sinceros e mostrem talvez um lado mais real de ser humano.

A noiva cadáver (2005)

2007-02-08T01:47:00.000-02:00

A divertida animação “A noiva cadáver” de Mike Johnson e Tim Burton (de “A fantástica fábrica de chocolate”) é o grande exemplo de um exercício de criação. A história nada tem de muito interessante, muito menos os efeitos visuais, porém é impossível desgostar do filme, que de tão leve e lúdico, acaba tornando-se encantador e quando chega ao fim, deixa ainda um gostinho de quero mais.

O filme conta a história de Victor, que prometido a casar com Victória, tem a sorte de apaixonar-se por ela, porém no dia anterior do casamento, ou melhor, no ensaio do casamento, ele fracassa, não consegue se lembrar das falas e para fechar, ainda incendeia o vestido de sua sogra. Constrangido, ele começa a vaguear pela cidade, treinando suas linhas, mas quando acerta, coloca a aliança em uns galhos, que ao receberem, movem-se, desenterrando dali a “noiva cadáver”.

A partir daí, toda a situação se desenvolve. Não que haja muita situação a se desenvolver, pois as ações acontecem atabalhoadamente e as personagens não são bem construídas. Pode-se dizer que falta unidade ao filme, pois este começa num ritmo mais lento e no fim já está tudo acelerado e acontecendo numa forçada “necessidade de desfecho”. Não creio, no entanto, que nada disso desvalorize o filme, pelo contrário, realmente acredito que o exercício de criação, ou seja, sua incompletude seja sua grande qualidade.

Experimente escrever um texto qualquer, depois a partir do primeiro texo escrever um segundo e aí por diante. Acrescenta-se pequenas idéias à uma pequena idéia inicial, chega-se a um ponto que se tem um acúmulo de coisas, que juntas, apesar de desconexas, ainda assim constituem um todo. E isso é uma característica muito recorrente na brincadeira das crianças, por isso que “A noiva cadáver” não poderia ser para outro público.

Ao usar característica e qualidade da pura criação, ou “crianção” se preferirem, Tim Burton não ousou, simplesmente criou, e brincando chegou muito longe, e ouso dizer que criou um dos mais criativos filmes de animação que já se fez.

Luiz Antonio Ribeiro
08/02/07

Hamlet

2007-02-06T01:22:00.000-02:00

Sinopse

Após terminar seus estudos Hamlet, Príncipe da Dinamarca, retorna para o Palácio de Elsinore e encontra seu tio Claudius casado com Gertrude, sua mãe. Bernardo, Horatio e Marcellus, três amigos de Hamlet, falam a ele sobre um fantasma que parece ser seu falecido pai, que morreu há poucos meses. Hamlet acaba vendo aparição e a segue através do bosque. Ao encontrá-la, ela diz que precisa ser vingado, pois, apesar de se ter tido que o falecido monarca morreu devido à uma picada de cobra, a aparição afirma que a serpente que picou seu pai usa agora sua coroa e que, de uma única vez, tudo lhe foi tirado: a vida, a coroa e a rainha. Hamlet jura vingança e quando o rei e a rainha mandam vir amigos de Hamlet, para ver o que está errado com ele, o jovem príncipe assume um ar de louco e faz alguns atores representarem "A Morte de Gonzaga" que, com algumas modificações, fica bastante similar ao assassinato de seu pai. A reação de Claudius comprova que ele matou realmente o ex-soberano e a vingança agora é uma questão de tempo. Mas várias tragédias estão reservadas para Elsinore.

Fonte: http://adorocinema.cidadeinternet.com.br/filmes/hamlet-96/hamlet-96.htm

Alguns meses atrás comprei o filme “Hamlet” dirigido por Franco Zeffirelli (de “Romeu e Julieta” dos ambientado nos anos 60), com Mel Gibson (Hamlet) e Glenn Close (Gertrudes). Ainda não havia lido a obra, e foi um choque assisti-la e pela primeira vez entender, em todos os sentidos que a palavra “entendimento” pode ganhar, uma obra de Shakespeare. Eis a ficha técnica:

Ficha Técnica

Título Original: Hamlet
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 130 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 1990D
Direção: Franco Zeffirelli
Roteiro: Christopher De Vore e Franco Zeffirelli, baseado em peça de William Shakespeare

Elenco

Mel Gibson (Hamlet)
Glenn Close (Gertrude)
Alan Bates (Claudius)
Ian Holm (Polonius)
Helena Bonham Carter (Ophelia)

No entanto, o filme em si em nada me agradou, achei Mel Gibson fraco na personagem, fazendo um Hamlet alegre e pouco louco demais. A enorme adaptação que se faz nos clássicos, tiram os clássicos da obra para moderniza-la, o que é justo, ou obrigatório, porém não é possível conceber que se perca a essência da trama. Enfim, achei que se tirou Shakespeare da obra e fez-se um filme burocrático que caberia em qualquer cinema de esquina.

E por falar em essência, na mesma semana assisti na faculdade um teatro filmado, gênero em ascensão de “Hamlet” por Peter Brook.

Uma versão mais visceral e ao mesmo tempo mais contida, um espetáculo de atuação e direção, algo impossível de se transmitir. Beleza que começa já na escolha do elenco, todo misto, com um negro no papel de príncipe. A única ressalva é que ao se tornar teatro filmado, como produto perde-se muito em comparação aos filmes, por isso até a versão de burlesca de Mel Gibson se tornou mais impactante, apesar dos pesares, e como isso me dói dizer. Talvez seja necessário uma parte documental ou algo mais “ao vivo” para que esse teatro em vídeo, mantenha-se teatro e não fique navegando no meio termo.

Por fim, comprei a fita de quatro horas da versão de Hamlet por Kenneth Branagh ator e diretor.

Ficha Técnica

Título Original: Hamlet

Gênero: Drama

Tempo de Duração: 235 minutos

Ano de Lançamento (EUA): 1996

Direção: Kenneth Branagh

Roteiro: Kenneth Branagh, baseado em peça de William Shakespeare

Elenco

Kenneth Branagh (Hamlet)

Kate Winslet (Ophelia)

Richard Briers (Polonius)

Billy Crystal (Coveiro)

Judi Dench (Hecuba)

Gérard Depardieu (Reynaldo)

Rufus Sewell (Fortinbras)

Robin Williams (Osric)

Charlton Heston

John Mills

Para mim, a versão mais bem feita e mais completa da obra de William Shakespeare. Nunca o “ser ou não ser”, chegou em mim com tal peso e tal força, nunca o impacto de uma tragédia produziu em mim tamanho efeito catártico. Desde a atuação do príncipe, brilhantemente enlouquecido, até às próprias dúvidas dessa mesma loucura, tudo tão profundamente analisado, que chego a ficar assim, falando baboseiras. Jamais poderia eu falar de Hamlet, sem ser assim, emocional, assumo esse lado, e fica assim combinado de que esse post é só para dizer: “Assistam.” Vale cada minuto. “O resto é silêncio.”

Tecnicolor (Universal Music)

2007-02-05T18:53:00.000-02:00

Como os Mutantes fizeram um show na festa de aniversário de São Paulo e um no Rio dia 03 de Fevereiro (que foi simplesmente histórico),vou postar o último disco que eu comprei deles. Tecnicolor (paguei r$13,99 na Fnac, felizmente ainda se acha alguns cds legais e baratos, mas tem que procurar).

Esse disco foi lançado em 2000 mas gravado em 1970 em Paris, era o primeiro disco dos mutantes gravado fora do Brasil, tiveram o contato com o melhor estúdio, os melhores equipamentos e por isso dizem ser o disco da carreira dos mutantes com a melhor sonoridade. Os mutantes pegaram as suas melhores músicas e as adaptaram para o inglês e outras línguas e criaram novos arranjos também,a mais famosinha ando meio desligado virou "I Fell a Little Spaced Out", com uma sonoridade bem diferente , marcada por muito improviso e um arranjo bem mais rock n' roll do que a versão original , minha menina de Jorge Ben virou "She's my Shoo Shoo" , sem perder a brasilidade e com citação de "samba" na adaptação ao inglês. Em francês, o clássico Le Premier Bonheur Du Jour (Rita cantando como Françoise Hardy) mostra o excelente arranjo de vozes feito pelo grupo, o cha-cha-cha de El Justiciero com ótimos solos de violão em um ritmo espanhol,a mais pesadinha do disco Saravah lotada de solos à la Santana . Pra quem não conhece muito bem Mutantes, escutem esse disco, tem uma sonoridade maravilhosa e arranjos de rock com samba, bossa nova, jazz,macumba,aquela mistureba muito agradável característica dos Mutantes.

Minhas três preferidas: I Feel a Litle Spaced Out,Le Premier Bonheur Du Jour e Saravah.

*As ilustrações da capa e do encarte foram feitas por Sean Lennon que mais tarde viria fazer um show no Brasil e convidaria Arnaldo Baptista para uma participação especial.

Jangada de Pedra - José Saramago

2007-02-04T18:46:00.000-02:00

Assim a lenda se escorre

A entrar na realidade.

E a fecundá-la decorre

Em baixo, a vida, metade

De nada, morre.

Fernando Pessoa

Uma mulher risca o chão com um pedaço de pau, um homem atira uma pedra pesada, muito mais longe do que conseguiria, um outro começa a ser seguido por pássaros, outro sente a terra tremer, e uma mulher desfia uma meia cuja linha nunca acaba. Por coincidência, ou por esses motivos, criam-se fendas na terra e a península ibérica se destaca da Europa, passando a navegar a esmo sobre o atlântico.

“Jangada de Pedra” de José Saramago é isso, é muito mais que isso, e chega quase a não se nada disso. Portugal e Espanha significavam “a Europa”, ou a parte boa da “Europa”, depois que esses tempos áureos passaram, esses países sofreram um tipo de isolamento do resto do continente, desde a língua até à evolução social e econômica. A união ibérica sempre foi mais provinciana, queiram ou não assumir. “Jangada de Pedra” pode ser a denúncia disso.

Portugal e Espanha, fechados, tímidos, ao se deslocarem tornam-se foco do mundo, o acidente natural mais espetacular, gerando discussões entre potências soviéticas e americanas sobre o rumo e a ajuda ao país, trazendo japoneses que buscam estudar o raro e único fenômeno. A península ao invés de se isolar, se aproxima do resto do mundo, agora com uma posição de destaque e importância. “Jangada de Pedra” pode ser a metáfora dessa utopia.

Cinco pessoas que por coincidência, ou qualquer outro motivo que se diga, são juntadas pelo acaso e por um cão, e mudam e discutem sobre sua própria vida, assumindo novos hábitos que jamais assumiriam. Ou seja, a criação de um “novo mundo”, uma nova península, um povo agindo de outras formas, ou, por fim, como as grandes mudanças atingem as pessoas simples, quaisquer que sejam.

“Jangada de Pedra” é isso, é outra coisa, e mais outras mil coisas. Impossível se dizer o que a obra é, digo apenas que deve ser leitura obrigatória, primeiro pela leveza e pelo divertimento, depois por ser uma grande idéia, maravilhosamente escrita. Enfim, “Jangada de Pedra” é um clássico, e José Saramago é, sem sombra de dúvida, o grande nome da literatura contemporânea.

A grande família, o filme (2007)

2007-01-31T01:36:00.000-02:00

Em “A Grande Família, o filme” (2007) podemos ver pela primeira vez um final feliz e sem contratempos para a família Silva. Só que as diferenças com a série da televisão não param por aí. No filme, toda a trama é melhor arranjada, as personagens, planas na séria, ganham mais algumas cores e nuances, como a personagem Augustinho (Pedro Carodoso) deixar (um pouco) as trapaças de lado e fala sério com Lineu (Marco Nanini). Esses traços foram importantes porque tiraram a obra da série comum do riso fácil de quinta-feira a noite, para uma bela descrição do ambiente suburbano carioca. Como diz minha mãe, “nos bairros nada é particular, tudo é coletivo”, daí as discussões que começam no salão de beleza, terminam na calçada, ou no bar. Vamos ao roteiro:

O bonitão Carlinhos interpretado por Paulo Betti, ex-pretendente de dona Nenê (Marieta Severo) reaparece justamente na época em que Lineu descobre uma mancha em seu pulmão. Lineu sem coragem de abrir o exame, nem de contar o que se passa para sua família, fica deprimido, expulsa Tuco de casa (Lúcio Mauro Filho) e diz a Nenê que vá ao baile, que os dois iam a 40 anos, com Carlinhos que poderia dar a ela uma maior segurança, principalmente quando ele “não estivesse mais ali para ajuda-la”. Dona Nenê chora e sem entender acabar por ir, Lineu decide conta-la a verdade, após conversa com Augustinho que avisa: “se eles não tiveram lá, tem um motel no caminho...” Pegando o carro Lineu acaba ficando preso no transito e encontrando-se com si mesmo nos trilhos de um trem. E assim a história recomeça, agora com outro Lineu.

E assim vai. A forma fragmentada não surpreende enquanto estética, mas sim na dita obra, pois não se esperava esse tipo de uso numa simples “comédia de costumes”. Aprecio esse jogo que se instala com as constantes mudanças de horizonte de expectativa, mas que acaba por arrastar um pouco o filme no final. O ponto alto, como sempre, é de Augustinho, que impagável consegue arrancar quase sempre risada do espectador, bem acompanhado por Bebel (Guta Stresser). Já Marilda e Beiçola, indispensáveis na série, ficam perdidos na telona, sem expressividade nas ações de seus personagens.

O diretor Maurício Farias, também diretor de “O coronel e o Lobisomem”, trabalhou a família suburbana com cuidado, para não ficar na tipagem da criação e conseguiu um certo equilíbrio, que senão foi tão bom, é também por causa da própria obra que não deixa margem para muitas mexidas. A pergunta é: como será resolvida na série algumas questões do filme como a gravidez de Bebel?

“A Grande Família, o filme” é para se ver em família, dar risadas e sair brincando. Nada de especulações, nada de filosofias. Famílias, porque todas são grandes famílias, unidas e ouriçadas.
Luiz Antonio Ribeiro
31/01/07

A Cantora Careca

2007-01-17T01:20:00.000-02:00

Texto de Ionesco é muito bem aproveitado a partir de direção segura

Apresentado nesta terça-feira no Teatro Afonso Arinos, o espetáculo "A Cantora Careca" segue uma linha muito peculiar. Não por ser teatro do absurdo, mas pela competência da direção em recriar certos aspectos desse estilo.
Vindo de Porto Alegre, o grupo Teatro Estúdio - Cia. do Bebê mostra-se criativo, fazendo jus aos diversos prêmios que ganharam com o texto de Ionesco.

A grande surpresa é a direção de Ramiro Silveira. Como já dito, o texto de Eugène Ionesco tem grande probabilidade de ser montado superficialmente. Porém, Silveira usa artifícios que, além de deixar a peça ágil, aproveita-se do fato de que a maior parte do elenco é proveniente da dança.

Portanto, a direção permite ações um tanto excêntricas, explorando o melhor dos intérpretes. No entanto, existe uma pequena falha. Em alguns momentos, os atores são tão expressivos, que sobrepõe-se uma quebra da realidade cênica, que tanto é importante para um espetáculo.

Roberto Birindelli tem atuação completa e diferente. Luciane Coccaro faz seu papel, porém deixa a desejar, pois fica mínima no palco ao lado de seus colegas de cena. Roberta Savian interpreta com leveza, o que é fundamental para seus personagens. E Evandro Soldatelli é o que mais quebra a realidade cênica, porém não tem seu trabalho interrompido.

Num certo momento do espetáculo, os atores utilizam-se de teatro de bonecos, tornando este curto espaço de tempo tedioso, apesar de muito bem comandado. Torna-se deslinear e desnecessário.

O cenário, de Zoé Degani e a iluminação, de Jô Fontana são eficientes, mas nada maravilhosos.

Enfim, a Cantora Careca não foi realizado em vão. Muito pelo contrário: é um espetáculo divertido e muito bem feito.

A Anã Insaciável

2006-12-17T01:15:00.000-02:00

Foi com grande espanto e satisfação que, ao passear pela seção de filmes pornôs de uma locadora de Petrópolis, deparei-me com o seguinte título: "A Anã Insaciável". Obviamente, não resisti à tentação e aluguei o dvd. Confesso que fiquei impressionado com a desenvoltura da pequena notável que, no encarte, foi denominada Poti, enquanto um de seus companheiros era Homem Branco. A película é mais uma produção da famosa Brasileirinhas e teve como um de seus idealizadores o renomado José Gaspar, que inclusive já trabalhou com a musa Aretuza Lemos.

Em quatro cenas de sexo que incluem a sequência clássica pegação-sexoral-sexanimal-gozonamulher, a anã, que possui manchas pretas ao redor de sua vagina e uma pinta logo acima de ralos pêlos pubianos, bastante versátil, transforma-se em índia, sadomasoquista, colegial e potranca, respectivamente, e faz de tudo para dar prazer a cada parceiro. Há o gordo com celulite na coxa, o negro velho com problemas de ereção, o representante da barriga de chopp e o suposto noivo da atriz, já que é o único que parece sentir tesão pela pequena, que utiliza surpreendentemente um anel de noivado. Bastante ativa, os únicos defeitos da performer são sua barriga que parece d'água e sua cara de nojo ao sentir esperma caindo em diversas partes de seu corpo, como seus pequenos e redondos seios, cujos bicos são negros.

Não obstante, o filme não tem como principal objetivo garantir a masturbação alheia, e sim mostrar a todos que anãs também têm direito de fazer sexo e, mais ainda, quebrar preconceitos. "A Anã Insaciável" nos revela que a falta de hormônio de crescimento pode ter sido compensada pela de sexuais e, como já diz a sinopse encontrada nos melhores sites do ramo, "nossa pequena indiazinha mostra que, apesar do seu tamanho, é a rainha dos prazeres e fetiches masculinos".

Sugiro a qualquer um que queria momentos de diversão, de riso (atentem para a cena em que a moça de apenas 23 anos diz que vai cair) e, o mais importante, de reflexão. A Brasileirinha deixa no chinelo muita mulher de estatura considerada normal.

mãe coragem e seus filhos - Brecht

2006-12-14T13:16:00.000-02:00

A análise de “Mãe Coragem” torna-se complexa após a leitura do ensaio “mãe coragem cega”, pois no texto se avalia a obra a partir de dois pontos: a cegueira de Mãe Coragem e o teatro épico de Brecht. Encaremos ponto por ponto.

A cegueira da protagonista no texto é defendida assim: “Mãe Coragem, cantineira, cujo comércio e vida são os pobres frutos da guerra, está na guerra, a tal ponto que ela não a vê por assim dizer: ela é cega, sofre sem compreender; para ela, a guerra é fatalidade indiscutível.” De certa forma sim. Para ela a guerra é fatalidade indiscutível, o que se acaba questionando é essa cegueira dela. Não cremos que ela seja total, assim como diz o ensaio. Na verdade, o problema de Mãe Coragem, é também, o problema de grande parte da sociedade: ela encara o problema por uma perspectiva específica. A guerra não é pensada de forma abrangente, a fim de se chegar a solução dos problemas da guerra, mas sim pensada no universo micro: “como eu posso sobreviver enquanto houver guerra?” A partir daí, abrem-se lacunas, alguns abismo entre o mais forte que faz a guerra e o mais fraco que sofre e vive a guerra.

A dificuldade do povo é ver que ele não é tão dono da vida assim, mas como o acham, sofrem o mesmo que Mãe Coragem, tentam se usar das coisas mais diversas e absurdas para sobreviver. Sem efeito, é claro. Ou então, com efeito, mas com tantas conseqüências. É isso, que Brecht tenta denunciar, tudo isso, e talvez muito mais, para isso ele usa uma forma particular: “o teatro épico”.

trecho de resenha entregue ao Prof. Walder no primeiro semestre de 2006, na matéria "Fundamentos da expressão e comunicação teatral"

Todos os Nomes - José Saramago

2006-12-11T02:03:00.000-02:00

A obra escolhida para traçarmos o perfil de um personagem é “Todos os Nomes” de José Saramago, lançada em 1997. Nossa personagem é o Sr. José, figura principal da obra e única figura que ganha nome dentre todos esses nomes que o livro chega a anunciar. Antes, porém, colocaremos um trecho de uma entrevista de Saramago à revista Playboy, onde ele afirma onde e porque nasceu a idéia dessa obra. Eis:

PLAYBOY - É verdade que Todos os Nomes nasceu no Brasil?

SARAMAGO - Nasceu quando fui receber o Prêmio Camões [em janeiro de 1996]. O avião já estava descendo em direção ao aeroporto de Brasília - e de repente passa-me pela cabeça isto: "todos os nomes". Nada disso é definido, aparece como idéias vagas que passam, e algumas delas foram para mim tão claras, ou pelo menos tão insinuastes, que me permitiram dizer: "Isto significa qualquer coisa". Custa trabalho encontrar, depois, um caminho para chegar aonde eu quero. Todos os Nomes, por exemplo, foi bastante complicado e provavelmente não existiria se não tivesse coincidido com a procura dos dados da vida e da morte do meu irmão [Francisco de Sousa]. Eu queria saber as circunstâncias da breve vida desse meu irmão, tem que ver com um livro para o qual tenho já muito material recolhido, que é uma autobiografia...

Achamos importante apontarmos esse trecho, porque nos dá um ponto de partida para a análise, mesmo porque a personagem do Sr. José é sem passado, alias seu passado é traçado como monótono, não no sentido de chato, mas no sentido de regular, não mutável. Vamos a um breve resumo da obra:

Sr. José é uma figura reclusa, sem amigos, que tem como única atividade social o seu trabalho na Conservatória geral do Registro Civil, que fica do lado de sua casa. Existe uma porta que liga a conservatória à sua casa cuja chave fica em uma gaveta de sua casa, porém ele, por dever de profissão, dá a volta todos os dias para ir ao trabalho. Sua única atividade extra trabalho é a coleção de fotos e reportagens sobre figuras famosas, que ele mantém atualizada e guardada em uma pasta.

Num determinado dia ele resolve ir a noite na conservatória e pegar as fichas de registro das pessoas famosas, e assim o faz, mesmo corroído pelo sentimento de culpa, no entanto ao voltar, sofre pela primeira a atividade do acaso. O inesperado leva-lhe, junto com as pastas dos famosos, uma de um anônimo. Para ele, esse ponto torna-se quase o erro trágico da tragédia grega, porque a partir daí toda a sua vida passa a girar em torno dessa figura, tornando-o até um delator, uma vez que ele invade uma escola e por lá passa a noite, invade a residência da moça, entre outras coisas.

O herói de Saramago, neste romance, é um homem comum que vê no acaso a possibilidade de mudar a sua vida, de traçar um caminho para ela e lhe dar sentido e movimento. Esse sentido virá do novo olhar que o personagem lança sobre as coisas mais triviais que, lentamente como na história dos homens, fará mudar a sua história e lhe possibilitará o exercício de sentimentos humanos dentro de si adormecidos, devolvendo-lhe a vida, a imaginação e a capacidade de criação.

O personagem se lança na escuridão do tempo e do espaço em busca do novo que contraditoriamente é a sua origem de homem e de ser pleno de sentimentos e devires, consciente e sem culpa.

Ele, que até então, nunca tivera aproximação com mulheres, descobre nesse acaso a coragem para esse próprio lançamento na vida. A partir disso, ele passa a ver esse outro universo que para ele era escurecido. É como se ele passasse a ver sentido nas coisas que o mundo lhe apresenta, até no trabalho, que ele passa a questionar e rever conceitos. Importante ressaltar que ele não busca encontrar a mulher da ficha, mas sim dificultar esse achado, pois é esse caminho que novo para ele lhe dá prazer e lhe faz ter toda essa felicidade na vida, apesar dos percalços.

O Sr. José é esse homem contemporâneo, que não consegue se desenvolver por completo, cresce aqui e segura acolá e que num determinado ponto da vida vê um outro lado querendo emergir, e não consegue segurar. É um ser em desequilíbrio e que busca a felicidade pulando de um polo a outro, ainda dentro desse desequilíbrio.

Luiz Antonio Ribeiro
entregue a Profª Wilma, na matéria de Psicologia.
UNIRIO - 2006.2

Volver - Almodóvar

2006-12-04T14:01:00.000-02:00

Sinopse

Uma mulher trabalhadora busca meios de salvar sua filha, após ter matado o pai por tentar abusar sexualmente dela.

_________________
O que marca, e que já é marca em Almodovar são suas cenas, suas cores, a sensibilidade com que ele coloca seus personagens e os integra no mundo.

Penélope Cruz, que sempre recebe muitas críticas por suas atuações, mostra que é uma atriz que dirigida pela pessoa certa, consegue fazer um papel notável, colocando força, beleza, inteligência e carisma em seus personagens.

O filme tem combinações de cores, cenas e ângulos que chamam a atenção, onde o diretor nos mostra a íncrivel beleza estética de coisas tão simples e cotidianas.
É um filme que proporciona bem-estar ao vê-lo, mesmo nas cenas mais fortes, e tristes. Ele consegue nos envolver num clima aconchegante.

O enredo é inteligente, misturando momentos de tensão, de descontração, de reflexão e emoção, Não chega a ser surpreendente, e acredito que não seja a intenção. O único defeito do filme é que acaba se tornando longo demais, devido a algumas cenas desnecessárias, mas mesmo assim, não chega a incomodar.

Almodóvar, nesse filme, parece que nos empresta seus olhos, para que possamos sentir sua visão para com o mundo, e sairmos mais dispostos a perceber essas belezas sutis.

É um filme sensível e belo. Não o considero imperdível, mas vale o valor do ingresso, o que hoje em dia, já é alguma coisa.

perguntas difíceis I

2006-12-02T11:27:00.000-02:00

A melhor maneira de se responder a uma pergunta é não sabendo a resposta. Pode-se porvar isso pela simples observação: dificilmente, ou nunca uma pergunta é respondida sem que seja na base da reação. Reage-se à pergunta e processa-se a resposta. Talvez, então, a cada pergunta deva-se ter um tempo de maturidade de reposta, para que ela se auto-resolva, e que não tenhamos essa reação e acabemos por fugir por medo de errar. Assim, se levarmos em conta o fato de que não sabemos a resposta, fica mais fácil responder, pois tudo cresce e se desenvolve no momento em que se pensa, propiciando assim, uma atividade dialética.

Isto posto, pretende-se responder de forma não respondível à algumas perguntas recorrentes que povoam a cabeça desse que vos escreve.

Qual o valor de uma obra de arte?

O valor dela está na falta de valor. Uma vez que ela propicia uma experiência, não necessariamente do belo, mas uma experiência estética, ela não está condicionada a uma existência ligada à utilidade. Sendo objeto não útil e meramente estético, ela serve, ou “usa-se” na medida que ao mesmo tempo que é apreciada revela e atesta esse valor estético.

concorda? bate o martelo.

A Casa de Bernarda Alba

2006-11-29T12:01:00.000-02:00

Mais um espetáculo assitido em São Bernardo.
A Casa de Bernarda Alba é uma peça de Federico Garcia Lorca
Conta a história de Bernarda Alba, que acaba de ficar viúva, e suas cinco filhas adultas com sede de vida, impedidas de concretizar os seus desejos de matrimónio e maternidade. Tudo muda quando o melhor partido da cidade, Pepe Romano, fica noivo de Angústias, uma das filhas de Bernarda.

A montagem, com direção de Ronaldo Ventura, tem uma proposta minimalista, com 7 carrons como cenário, e uma troca de figurinos ( em cena).
Os movimentos das atrizes são baseados na dança flamenca, e a trilha sonora é executada por elas; dançam e cantam, em determinados momentos.
A tensão em certas cenas, é dada através dos passos flamencos, colocando ritmo ao espetáculo, e intenção às personagens. Pelo menos deveria ser assim.
O que aconteceu, no espetáculo, é algo perigoso em qualquer espetáculo minimalista. O ator precisa estar preparado. Pois ele é o trunfo do espetáculo. Quando um ator não está preparado, não consegue passar, e muito menos perceber a intenção do texto, nada flui.
Pode-se perceber que o grupo estava desintegrado, e o espetáculo não ficou homogêneo.
Algumas atrizes, passavam emoção, enquanto outras eram técnicas demais, o que gerou desequilibrio.
A direção é bem feita. Mas quem não trabalha com teatro, não quer ver direção. Quer ver atuação, quer sentir emoção, e isso deixou a desejar. As atrizes não definiram as personagens, então, não chegou ao público, características essenciais que o texto pedia.

Minhas conclusões são que o espetáculo que assisti em São Bernardo tem tudo pra dar certo, precisa-se apenas de atores, dispostos a libertar-se de vícios, e estudar mais o seu papel, e de uma direção mais firme e exigente em relação a isso, senão fica um espetáculo do diretor, em que os atores nítidamente estão " sobrando".
... ou seria faltando?

Obrigado, Cartola!

2006-11-24T00:41:00.000-02:00

Angenor de Oliveira nasceu no Rio de Janeiro, em 11 de outubro de 1908. Foi Ganhar seu apelido de Cartola quando, como pedreiro, resolveu usar um chapéu coco para que o cimento não grudasse em seus cabelos. Seus colegas não resistiram a gozação e lhe deram o apelido.

Cartola é a prova da natureza surpreendente do verdadeiro talento. Fez somente o primário e jamais conseguiu se integrar à estrutura de trabalho. Trabalhou sempre com bicos, como pedreiro, pintor de paredes, lavador de carros, vigia de prédios e contínuo de repartição pública. Mas seu dom fez dele o maior sambista carioca de todos os tempos, com letras impecáveis e batidas deliciosas.

Na década de 20, quando os blocos de carnaval resolveram se organizar em sociedades permanentes, Ismael Silva e o pessoal do Estácio criaram uma associação que se autodenominava Escola de Samba, a “Deixa Falar”. Cartola, então, juntou o pessoal da Mangueira, escolheu o nome Estação Primeira de Mangueira, adotou as cores verde e rosa e também criou sua escola. Nascia assim o maior fenômeno do carnaval carioca. Em seu primeiro desfile na Praça Onze, com o samba enredo de Cartola, “Chega de Demanda”, a Mangueira ganhava também o primeiro prêmio do carnaval.

O ESPETÁCULO – SINOPSE

“Obrigado, Cartola!” de Sandra Louzada conta a vida de Bento na mangueira, um compositor pobre que, após a morte da primeira mulher, passa a viver embriagado, assim como Cartola. Bento ao chegar ao bar da Zefa faz uma aposta de que seria o autor do samba da mangueira daquele ano, cujo tema seria o Cartola.

Em outro plano, temos contada a vida do próprio Cartola, sendo conduzida pelo plano da imaginação de Bento que começa a encontrar as semelhanças na vida dele e deu seu mestre. Aos poucos esses personagens se fundem: Dona Zefa faz paralelo com Dona Zica e Bento, alegoricamente, torna-se Cartola. Era a hora do carnaval.

O MITO CARTOLA

O mito Cartola pode ser sentido a todo o momento do espetáculo. Da aurora criativa do cenário, do bar da Zica, até o prólogo, que dando logo o ponta pé inicial da peça, nos apresenta ao mestre. Ele é a todo instante citado como o gênio, como o “além de todos”, principalmente no plano de Bento, onde ele fica estudando e se curvando aos fatos de Cartola. A própria Zefa vive citando o mestre, comparando os carnavais.

Esse mito é construído a partir de alguns elementos: através do plano de luz, que dá mais alegria e vivacidade por onde passa Cartola; na construção da dramaturgia, que precisa “normalizar” figuras como Carlos Cachaça e Noel Rosa, para “mitificar” o Cartola; Pelas canções, que já não precisam ser enaltecidas, mas que ganham realce com o arranjo musical.

Assim, está construído o mito Cartola, perfeito, reto, direito. A impressão que se tem é clara dessa desumanização dele. Em contrapartida, para compor à pessoa dele é preciso a construção do outro Cartola, o que faz o paradoxo com essa perfeição.

A PERSONAGEM CARTOLA

Cartola quando perdeu Deolinda, a primeira esposa, largou as músicas e passou a viver embriagado pelas ruas, assim como Bento. Cartola foi parar no bar da dona Zica, que cuidando dele se encantou, assim como Bento e Zefa. Cartola voltou a inspirar-se e a compor, assim como Bento.

Ora, quem é Bento a não ser o alter ego de Cartola? O que faz o contraponto dos fatos “não contáveis” da vida do mito Cartola, é assim construído pela necessidade de deslocamento de fatos desajustados da vida dele, como as bebedeiras, brigas, etc. Entretanto, esses fatos não podem ser omitidos, pois eles são de conhecimento popular, e de certa forma, também colaboram para a construção do mito, então esse deslocamento se faz necessário.

trecho do trabalho sobre o "musical biográfico carioca".

Vida de Boneca

2006-11-19T02:07:00.000-02:00

Podia eu fazer uma análise crítica sistemática e encontrar defeitos e qualidades aqui e acolá e graduar o espetáculo tentando tolhe-lo ao máximo, chegando assim a uma descrição técnica dele. No entanto, em "Vida de Boneca” escrito e dirigido por Paulo Marcos e vivido por Joice Marino, não cabe esse tipo de interpretação. Aliás, é evidente que cabe e é isso que eu deveria fazer, mas me recuso, e muito obrigado por respeitar minha liberdade. Faço apenas algumas considerações somente para traçar linhas gerais da obra, de modo que fique palpável minha divagação.

Paulo Marcos diz no panfleto: “Uma mulher solitária, que tem síndrome do pânico e coleciona caixinhas e bonecas num momento crucial de sua vida.” Esse é o mote de toda obra, que segundo o diretor foi toda pautada num trabalho de investigação da representação do ator Isso, de certa forma, fica claro. A interpretação de Joice é segura, a direção é interessante, o cenário se não belo, é pelo menos, eficiente. A dramaturgia é fragmentada, com constantes interrupções, mexendo diretamente com a recepção, o que faz que a cada retomada de uma mesma citação se desloque o horizonte de expectativa, gerando no fim uma cadeia uniforme de temas com uma imensa bagagem textual e reflexiva.

Entretanto, não é isso que quero discutir. A partir de “Vida de Boneca” refleti bastante sobre a situação da mulher. Vejo que ela é criada para ter uma vida de boneca, quase que para ser a barbie e ter uma vida de donzela. Com o que ela se depara assim que começa a crescer? Que viver é muito mais que ver novela, muito mais que ir ao shopping, muito mais que ser a desejada das festas e muito mais que ter salto alto e homens lhe cortejando. Mulher é muito mais que isso, ela é um ser humano criado para ser frágil, mas que terá que se encarar e sustentar a vida inteira. Ao descobrir o dom da vida, na menstruação, ela se aproxima dos homens, que parecem tão mais fortes e mais prontos, enquanto que ela é tão incompleta. E assim acontece que ela encara o primeiro homem como príncipe e o segundo como príncipe e o terceiro como o que a salvará do sonho ruim dos príncipes anteriores. Ela casa e tem um homem, ou é tida por ele, assim ela desloca seu mundo imaginário e o príncipe passa a estar na novela ou no rádio.

Finalmente, para salvar seu sonho, ela cria a filha para ter o que ela não teve e o ciclo se fecha.
Pronto, disse. Com palavras soltas e pontuação prolixa. Faz parte talvez da boa obra de arte me deixar apenas aprecia-la e receber o que dela vem em meu favor. Nesse ponto, “Vida de Boneca”, apesar de não ser o mais completo espetáculo do mundo, consegue ser absolutamente poético e belo, na medida que me fez estar vivo.

Tem festa na província

2006-11-17T00:45:00.000-02:00

Por Rodrigo Brum

Durante o mês de novembro, Petrópolis terá um festival. "Festival de quê?". É de teatro, minha senhora. "Teatro?". Isso mesmo. Serão 11 espetáculos e 8 performances. "Nossa...". E tem mais. A prefeitura vai reservar o Teatro Municipal – aquele que tem nome de artista da Globo – para grupos locais. "Que beleza!". Pois é. Assim pessoas que apreciam arte, como a senhora, poderão ampliar seus horizontes. "Mas isso é maravilhoso!". Não é? Bons tempos esses...

*Rodrigo Brum cursa a faculdade de Filosofia da PUC e de Comunicação Social da FACHA.

Wolfmother

2006-11-16T23:45:00.000-02:00

Eu escrevi essa crítica do Wolfmother há um tempinho atrás e saiu num site de crítica da globo.com.
O link é esse aqui, se alguém quiser ir lá. Tem bastante coisa boa pra ler nesse site.

Os anos 60 do século 21

A velocidade cada vez maior da Internet, o acesso a diferentes meios de comunicação do mundo inteiro, a popularização da música, a facilidade de downloads, a cultura do MP3. Essa mistura toda faz surgir uma certa obrigação, um tanto desnecessária, de que cada nova banda que aparece no mainstream precisa fazer algo novo, revolucionário e que mude a cara do rock, mesmo que esse novo conceito dure apenas um mês. Foi assim com o The Strokes, com o White Stripes, com o Franz Ferdinand e com o Arctic Monkeys, a última grande banda a “salvar o rock inglês”.

A Wolfmother fez o caminho contrário. A banda australiana retorna aos anos 60 e faz um som brilhante e, por incrível que pareça, original. Uma releitura de tudo que foi Led Zeppelin e Black Sabbath em uma época que guitarras fervilhavam e o rock`n`roll criava formas e ditava regras. Aliás, o guitarrista e vocalista Andrew Stockdale tem uma voz muito parecida com Ozzy Osbourne em início de carreira.

O álbum, o primeiro e homônimo da Wolfmother, é energia do início ao fim. O baixo de Chris Ross tem marcação perfeita e mistura suavidade aos riffs rasgados da guitarra de Andrew. A bateria de Myles Heskett se destaca, com viradas espetaculares e pegadas de jazz em músicas como “Witchcraft” – uma das músicas mais bonitas, contando ainda com o teclado e um belo solo de flauta. “Woman” é rápida e dançante. A lentinha “Where Eagles Have Been” não deve nada as grandes baladas da época. “Apple Tree” conta com um dos solos de guitarra mais legais do disco e é uma das poucas que remete ao som de bandas recentes, como White Stripes.

As letras são tão místicas quanto as escritas por Robert Plant e Jimmy Page, por exemplo. Misturam visões, mulheres, bruxaria e sonhos. Em “Dimension”, por exemplo, há referências a cavalos, santuários e uma outra dimensão (I got a feeling everything's gonna be alright / Then a horse came running to me / Said we're gonna go to the sanctuary / Then a storm began to blow / Into another dimension).

A banda começou como praticamente todas as outras. Se divertiam fazendo jams sessions com bandas locais, e sem pretensão nenhuma, gravaram um EP independente, que acabou parando na mão de alguns produtores. Não demorou muito e assinaram contrato com a gravadora Universal.

A música da Wolfmother poderia soar repetitiva, mas tem tanta qualidade que no final das contas ninguém se importa. É sempre bom ver que ainda há pessoas que lembram de como tudo começou e dão real importância a isso. Por mais que exista uma infinidade de bandas boas atualmente, o mundo da música é muito grande para se destacar apenas quem faz o som mais revolucionário do mês.

Teatro em São Bernardo do Campo.

2006-11-14T12:45:00.000-02:00

Dia 11 de novembro, fui para São Bernardo do Campo em São Paulo. Minha intenção era ver a diferença do teatro carioca ( particularmente petropolitano ), e fazer um intercâmbio cultural.

Assisti um grupo de teatro de rua, e foi agradável: os atores tinham pique, o público era receptivo, e as improvisações eram muito boas.A grande maioria da classe artística era constituída de pessoas jovens, o que traz aspectos positivos, como energia em cena, uma certa ingênuidade gostosa de se ver em teatro de rua, peça cuja proposta é divertir, e consegue.

Os aspectos negativos são talvez, a falta de maturidade, ainda a necessidade de enaltecimento, e a não percepção do seu papel em cena, roubando muitas vezes o espaço de outros personagem, em função de tirar o riso da platéia.

Logo após assitir esse grupo, fui para o centro cultural de Diadema, assitir a peça: "Coração /Tempestade " - texto do Ronaldo Ventura, e direção de Érica Rabello.Assim como no teatro de rua, a atriz e a diretora são jovens, e isso ficou nítido no espetáculo.O texto é bom, um monólogo de uma mulher que termina com seu namorado. Nada muito especial, mas com uma sensibilidade e uma linguagem engraçada, muitas vezes poética e intensa.

Infelizmente, a atriz não soube trabalhar o texto. Faltou expêriencia, faltou intensidade, faltou direção, foco, objetivo. O texto se perdeu, e tudo que restou foi a fragilidade em cena. Mas não da personagem, e sim da atriz.

Mas sem dúvida, o grande espetáculo da viagem foi o "Âmbar " texto e direção de Ronaldo Ventura.A Peça conta a história de Electra, princesa que para vingar o assassinato do pai, se torna uma guerreira.

A peça baseia-se em aspectos do Teatro Nô, e o que se vê no palco é uma linda história através de gestos, danças, símbolos.O que chama a atenção é a técnica das atrizes, a segurança em cena, e o trabalho corporal.

Entre esses eventos rolaram workshops, acompanhei processos de desenvolvimento, houve trocas de idéias, debates.

A impressão dessa viagem, foi que São Bernardo do Campo é uma cidade que gosta de teatro, de jovens dispostos a fazê-lo guiados por poucos diretores que se propõem a pensá-lo.
A concentração dos atores antes de entrar em cena era notável, e sua naturalidade ao exercer seus trabalhos também. O que eu quero dizer, é que ninguém lá se sentia especial por ser ator. Todos encaravam aquilo como um trabalho, onde o ego ficava em segundo plano.

Percebe-se que o teatro lá está em um nível muito parecido com o de todos lugares... quando o artista se propõe a pensar, as coisas funcionam.

Viver é prejudicial a saúde - Aldo Medeiros

2006-11-13T14:14:00.000-02:00

Domingo dia doze, foi a vez de Aldo Medeiros subir no palco do Centro de Cultura Raul de Leoni para a apresentação da comédia “Viver é prejudicial à saúde”, ainda dentro da Mostra de Teatro de Petrópolis.
O formato do espetáculo é simples: “um microfone e um homem”, configurando assim o batido, mas sempre engraçado formato de “stand up comedy”, forma recorrente nos bares americanos. Essa estilo nada mais é que um homem falando de seu cotidiano e do cotidiano de sua sociedade, vagando pelos temas futebol, mulher, filhos, contas, etc, sempre com um toque de “reclamação” que constrói uma empatia com a platéia, fazendo-a assim se divertir com os problemas do outro, que no fundo também são os seus.

Na transposição dessa forma de um bar para um palco, assim como fez Aldo Medeiros, um pouco do interesse se esvazia, pelo fato de que apresentando no bar deve haver uma simplicidade temática para que as pessoas possam acompanhar ao mesmo tempo que bebem e conversam. Já no palco, não havendo essa necessidade, uma vez que todos estão lá justamente para assistir tal espetáculo, compromete-se um pouco a teatralidade e, por fim o efeito estético.

Por conta dessa temática do cotidiano, a peça não pode se estender muito, pois os conflitos são flutuantes e não se sustentam por muito tempo. Nesse ponto Aldo Medeiros acertou em cheio, tendo quase que cronometrado o tempo da apresentação, que ao fim, ainda deixa um gostinho de “quero mais”.

Pode-se dizer que a melhor parte do espetáculo é esse final, onde ele finalmente cita o “viver é prejudicial a saúde”, que me remete diretamente a Clarice Lispector: “Era perfeita, ter nascido me estragou saúde”. Esse fim é particularmente encantador, que beira o poético, saindo do trivial. É realmente uma bela maneira de se fechar essa forma, que se fechada nos seus padrões não passaria de um evento chato e comum, porém com esse desfecho deixou-me ainda com um sorriso no rosto e uma esperança no coração.

5ª Mostra de Teatro de Petrópolis

2006-11-12T23:08:00.000-02:00

Até o dia 15 desse mês de novembro estará em andamento a 5ª mostra de Teatro de Petrópolis. Este ano, o evento contará com 11 espetáculos e 8 performances, que acontecerão ou no Centro de Cultura Raul de Leoni, ou no Teatro Municipal Paulo Gracindo, o que de acordo com a Fundação de Cultura e Turismo, valorizará os grupos daqui da cidade ao disponibilizá-los o Teatro Municipal para as apresentações.

Comentemos, então, devagar as verdades e as inverdades do que se diz sobre a cultura em nossa cidade. Todos sabem muito bem que a produção cultural em Petrópolis é pequena, de qualidade até certo ponto duvidosa e absolutamente dependente do governo, e o que se vê na mostra são organizadores se esforçando para promover um evento cultural, enquanto outros correm atrás de um cachê e de um espaço para apresentar suas idéias. Até certo ponto isso é culpa de um governo.

Faz parte de uma política cultural o patrocínio, a qualificação e a promoção de eventos, voltados para a arte, que para a população é atividade de lazer, mas sabemos que socialmente tal campo tem efeitos consideráveis. Acontece, no entanto, que a arte não deve se subordinar a essa política, ou seja, ninguém deve dizer quando, para quem e quanto devemos gastar em nossa produção. Ela é nossa, independente e é somente abraçada pelo governo. Não queremos com isso tirar das autoridades a responsabilidade que é deles. O artista tem isso por direito, queremos apenas ressaltar que existem trabalhos independentes que possuem muito mais autonomia e portanto, conseguem atingir maior nível de pesquisa e desenvolvimento no seu próprio trabalho.

E o que se espera da mostra não é muito mais que isso: “o mais do mesmo.” É claro que as performances, de maneira geral, serão de trechos de espetáculos que os grupos talvez achem não serem adequados à exposição sua forma total. Pode-se apostar que não tratarão, no geral, de nenhuma forma de experimentação característica da performance, muito pelo contrário, encontrar-se-a muito a palavra “texto” ou “adaptação da obra”. Da mesma forma, os espetáculos mostraram o grupo de teatro de rua fazendo teatro de rua no palco, o grupo que o governo apóia falando bem da cidade no palco e umas raras tentativas de grande criatividade, porém sem espaço para crescer ou se sustentar, nem simples idéia.

O único ponto alto da mostra é a homenagem da prefeitura ao TEP- Teatro Experimental Petropolitano- que comemora seus 50 anos de existência em 2006. Não tivemos ainda oportunidade de assisti-los em cena, porém acreditamos que nesse longo caminho como grupo, deve haver alguma qualidade e alguma atmosfera especial entre eles. Sinceros parabéns ao TEP.

Por fim, boa sorte (ou merda) a todos os artistas da Mostra. Sabe-se que elogiando ou criticando, o que se faz é divulgar o nome da arte e da cultura, fazendo-a atingir o máximo de pessoas, trazendo assim, novamente a discussão saudável do que é boa arte e má arte, tendo sempre em vista que no fundo, tudo não passa de impressão pessoal.